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lunes, 19 de noviembre de 2018


‘EL DESENTIERRO’, de Nacho Ruipérez, triunfa en los Premios del Audiovisual Valenciano con 6 galardones, entre ellos el de ‘Mejor película’ y ‘Mejor director’



"EL DESENTIERRO", la ópera prima de Nacho Ruipérez, triunfó el viernes 16 de noviembre en los Premios del Audiovisual Valenciano, haciéndose con el premio a la mejor película, además de los de mejor director (Nacho Ruipérez), mejor guion (Nacho Ruipérez y Mario Fernández Alonso), mejor montaje (Teresa Font), mejor dirección artística (Abdón Alcañiz) y mejor dirección de producción (Marifé Rueda).

La gala de los Premios del Audiovisual Valenciano, organizados por el Institut Valencià de Cultura (IVC), se celebró en el Teatro Principal de Alicante, coincidiendo con el día del estreno en cines de la película, de la mano de Filmax.

"EL DESENTIERRO" está protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Michel Noher y Jan Cornet. Cuenta con la participación de Francesc Garrido, Jordi Rebellón, Ana Torrent, Raúl Prieto, Nesrin Cavadzade, Arben Bajraktaraj y Jelena Jovanova, entre otros.

Producida por Ximo Perez, "EL DESENTIERRO" es una coproducción hispano argentina entre El Desentierro AIE y Aleph Media, distribuida por Filmax con la colaboración de Televisión Española.

Sinopsis:

La repentina aparición de una mujer provoca que Jordi, recién llegado de Argentina para asistir al entierro de un importante Conseller, decida investigar el pasado de su padre Pau, desaparecido hace 20 años y al que todo el mundo daba ya por muerto. Para ello cuenta con la ayuda de su primo hermano Diego. La voluntad de Jordi por llegar al final del hilo de una trama que mezcla asesinos, corruptos y proxenetas se alimenta por la necesidad de conocer la auténtica historia de su padre, para lo cual deberá rebuscar en las cenizas del pasado.

Para más información www.eldesentierro.es.

Información facilitada por PrismaIdeas / Filmax


ENTRE DOS AGUAS, dirigida por ISAKI LACUESTA y producida por BTEAM PRODS, ganadora del ASTOR DE ORO a Mejor Película en el FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA


Además, su protagonista ISRAEL GOMEZ ROMERO fue premiado como MEJOR ACTOR.

Tras alzarse con la Concha de Oro a la Mejor Película en la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, ENTRE DOS AGUAS de Isaki Lacuesta consigue de nuevo el gran galardón en el Festival de Cine de Mar del Plata. Además, el premio a MEJOR ACTOR ha recaído en su protagonista, Israel Gomez Romero, siendo esta su segunda película tras LA LEYENDA DEL TIEMPO, dirigida también por ISAKI LACUESTA.

ENTRE DOS AGUAS llegará el próximo 30 de noviembre a nuestras pantallas de la mano de BTEAM Pictures.

Doce años después de La leyenda del Tiempo, Isaki Lacuesta vuelve a San Fernando. Isra y Cheíto son dos hermanos que han tomado caminos muy diferentes en la vida. Cuando Isra sale de la cárcel y Cheíto termina una larga misión enrolado en la Marina, ambos regresan a la Isla de San Fernando. El reencuentro de los hermanos renovará el recuerdo de la muerte violenta de su padre cuando eran niños; la necesidad de retomar sus vidas y reconciliarse con ellos mismos les unirá de nuevo.

Entre dos aguas es una producción de La Termita Films y Bteam Prods, con All Go movies, 
Mallerich Films y Bord Cadre Films y SC Studio Indie Productions como productoras asociadas. La película, que cuenta con música de Raúl Refree y Kiko Veneno, será distribuida en cines por Bteam Pictures.

Información facilitada por Bteam Pictures

sábado, 3 de noviembre de 2018


Medalla de Oro del CBA a Teresa Berganza.










El presidente del Círculo de Bellas Artes, Juan Miguel Hernández León, hará entrega de la Medalla de Oro de la institución a la cantante de ópera Teresa Berganza. Tras el acto de entrega, la mezzosoprano mantendrá una charla con Juan Ángel Vela del Campo.

8.11.18  Sala de Juntas (19.30h.) en el CIRCULO DE BELLAS ARTES DE MADRID

Teresa Berganza (Madrid, 1935) es una de las más destacadas cantantes de ópera del siglo XX. Su depurada técnica y portentosa voz le han brindado sus mayores triunfos en los papeles de Cherubino en Las bodas de Fígaro, Rosina en El barbero de Sevilla o Angelina en La Cenerentola . Ha actuado en los principales teatros del mundo y ha colaborado con los más importantes directores de orquesta. Ha recibido numerosos reconocimientos, como el Premio Príncipe Asturias de las Artes (1991), el Premio Nacional de Música (1996) o la Legión de Honor francesa (2012).

Foto cedida por el CBA.

El Reina Sofía proyecta Risk, la última película de la oscarizada directora Laura Poitras, dedicada al controvertido Julian Assange

Los días 8 y 10 de noviembre a las 19.00 horas. 

Entrada gratuita hasta completar aforo.





El Museo Reina Sofía presenta un nuevo título dentro de Intervalos, la serie de proyecciones y presentaciones de películas recientes con difícil distribución comercial.  En esta ocasión será  Risk (2017), de Laura Poitras (Boston, 1964), cineasta norteamericana que explora en su trabajo la red global de vigilancia y control que amenaza las libertades civiles en el siglo XXI. Poitras obtuvo el Oscar a “mejor documental” con su película Citizenfour (2014),  en la que hablaba con el agente de la CIA Edward Snowden sobre el espionaje y las escuchas ilegales en Estados Unidos.

Risk está centrada en la figura de Julian Assange (1971), fundador de WikiLeaks y una de las personalidades más controvertidas de nuestro tiempo, quien le abrió a Poitras las puertas de su organización y de su privacidad. El resultado es una película que fue objeto de una larga batalla legal entre Poitras y Assange, quién buscó censurar escenas y consiguió retirar el filme de circulación durante un año. 

La historia comienza en 2011 y transcurre a lo largo de 6 años. Durante ese tiempo, se muestra la admiración por el periodismo directo de WikiLeaks, pero también los enormes claroscuros de la organización, dirigida con opacidad interna por un líder obsesionado con el poder. Potras, a la vez que el público, es atrapada en esta red de contradicciones, mientras se precipitan los acontecimientos sobre Assange, como la petición de arresto en Suecia o el asilo forzoso en la embajada de Ecuador. 





El trabajo de Laura Poitras abarca las facetas de la dirección y de la producción. Como directora, es autora de la llamada trilogía 11 de septiembre (11/9), que trata las ilegalidades de la llamada guerra global contra el terror, como My country, my country (2006), The Oath (2010) y Citizenfour (2014). Ha sido productora ejecutiva de 1971 (dirigida por Johanna Hamilton, 2014), Evaporating Borders (dirigida por Iva Radivojevic, 2014) y The Law In These Parts (2011, dirigida por Ra'anan Alexandrovicz). Su trabajo ha sido exhibido en museos como el Whitney de Nueva York, en 2016, o la edición de Manifesta 12 (2018).

Risk 91’. Inglés, VOSE. 8 y 10 de noviembre, 2018 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio. Entrada gratuita hasta completar aforo

Info facilitada por MUSEO REINA SOFIA


Organiza: Museo Reina Sofía
Programa: Intervalos
Ficha técnica:
Duración: 92‘
Idioma: inglés, VOSE
Dirección: Laura Poitras
Producción: Brenda Coughlin, Yoni Golijov y Laura Poitras
Producción ejecutiva: Michael Bloom, Josh Braun, Charlotte Cook, Sam Esmail, Vinnie Malhotra, David Menschel, Adam Pincus, AJ Schnack y Jess Search
Edición: Erin Casper, Melody London y Laura Poitras
Cinematografía: Kirsten Johnson, Laura Poitras y Katy Scoggin
Música: Jeremy Flower
Coproducción y edición: Jonah Greenstein

lunes, 24 de septiembre de 2018

Arturo Bernal, pedagogo y director de Teatro, inaugura su Escuela Internacional de Teatro en Madrid.
22 de septiembre de 2018

Dónde: calle Mira el Sol 5-7. 28005 Madrid –Lavapiés-


El pedagogo y director teatral Arturo Bernal inaugura la Escuela Internacional de Teatro que lleva su nombre, después de 20 años como pedagogo.


La Escuela se apoya en la pedagogía del Movimiento propuesta por Jacques Lecoq que Bernal adapta a las necesidades artísticas actuales. Introduce disciplinas artísticas como la música, las Artes Plásticas, el cine, la danza… así como el estudio de las grandes y nuevas dramaturgias.
Representa a una nueva generación de pedagogos del Movimiento que elimina el dogma y la ortodoxia de las metodologías del siglo XX, dando un paso más en la comprensión del teatro como un arte total. 

Un equipo de pedagogos especialistas en Artes Marciales, Mimo, Análisis Activo del Texto, Títere, Danza-Teatro, Composición y Elenco, Técnica vocal y Prosodia; con la profunda convicción de que el teatro debe abordarse desde su fisicidad, desde el gesto y la voz en el espacio.


Ofrece una formación regular de 2 años con posibilidad de cursar un tercero  solo para aquellas personas interesadas en la dirección y la pedagogía. Además, propone formación para profesionales en sus cursos trimestrales, monográficos y entrenamientos.

El primer año profundiza en el estudio del cuerpo en Movimiento en el espacio, con un recorrido que parte de la Máscara Neutra hacia el análisis de  naturaleza y las Artes, siempre al servicio de la escena y la creación de personaje.

El segundo años descubre los géneros y los estilos: el Mimo de acción, el Melodrama, la Tragedia, la Commedia dell’Arte, la Comedia Humana, el Bufón, el Clown, el Cabaret y la Performance, poniendo una especial atención a la dramaturgia y su puesta en escena.

Es una Escuela que no solo forma a actrices y a actores, también a directoras, dramaturgos, escenógrafas o iluminadoras, porque la sensibilidad actual poco tiene que ver con generaciones pasadas. Las vanguardias actuales no entienden de purismos, etiquetas, sectas o repertorios atados a la tradición.

La tecnología, la interdisciplinariedad, las nuevas dramaturgias; en definitiva, la heterodoxia rige los acontecimientos artísticos actuales.




Arturo Bernal. Director de la Escuela.

Especialista en pedagogía Lecoq. Pedagogo Teatro Del Movimiento, Teatro Gestual. Director de escena. Director de movimiento escénico. Director de la compañía
Proyecto Bufo.
Imparte las materias de: Análisis de Movimiento, Juego Psicológico Silencioso, Máscara Neutra, Fondo Poético Común, Coreografía del Gesto Cotidiano, Manipulación del Objeto, Máscara Utilitaria, Máscara Larvaria, Máscara Expresiva, Máscara Corporal, Mimodrama de Acción, Melodrama, Tragedia, Bufón del Misterio y Contemporáneo, Cabaret, Teatro de Calle, Grotesco, Grandes Textos Dramáticos.

Inicia su carrera como pedagogo muy temprano; mientras recibía clase impulsaba y dirigía grupos de investigación. Ha trabajado en una decena de escuelas.

Con 23 años ya era titular de Movimiento en La Escuela La Lavandería donde trabajó durante 7 años. Entrenador de profesionales en Curtidores de Teatro durante otros 4 años. Coordinador pedagógico de la Escuela Nouveau Colombier de Madrid durante 5 años donde también coordinaba el módulo de Teatro Físico de Nave’73.



Ha impartido cursos monográficos y clases magistrales en escuelas profesionales y universidades públicas y privadas como la Universidad CARLOS III de Madrid, Escuelas Superiores de Arte Dramático (ESAD) de Valladolid y Málaga, Escuela Pública de Formación Cultural de Andalucía –ESCÉNICA- de Málaga, Granada y Sevilla, Pavón Teatro Kamikaze.

Dirige y realiza asesorías de movimiento escénico, dramaturgias del Movimiento y Máscara tanto en el Centro Dramático Nacional como para pequeñas compañías emergentes.

Se forma en Teatro del Movimiento en Madrid, Barcelona y París para finalmente establecerse en la Escuela Internacional de Teatro LASSÂAD, Bruselas.

Nunca deja de investigar la máscara, el movimiento escénico, la creación, el juego, el teatro gestual, el melodrama, el grotesco o el bufón con maestros de la talla de Christophe Marchand (École J. Lecoq), Augusto Omolu (Orixas, Odin Theatret), Carlo Boso (Commedia dell’arte), Family Flöz (máscara expresiva), Antonio Gil (elenco) o Fabio Mangolini (Kyogen, bufón, y Commedia dell’Arte), entre otros.

Produce diversos montajes como El Jardín de las Delicias de Fernando Arrabal, Horizonte Artificial de Andrea Revilla-Fleury, Al Encuentro de los Bufones para el Carnaval de Madrid o el  Pasacalles Pánico Entre Monadas para la celebración del Día Mundial del Teatro, estas últimas creaciones propias.

Entre sus asesorías y direcciones de Movimiento escénico destaca El Jardín de las Delicias de Fernando Arrabal, La Rebelión De Los Hijos Que Nunca Tuvimos de Quique y Yeray Bazo dirigido por Eva Redondo y producido por Centro Dramático Nacional; EQUUS de Peter Shaffer dirigido por Carlos Martínez-Albarca; La Increíble Historia de la Chica Que Llegó La Última de Carla Guimaraes dirigido por María Folguera o Volver, de Marisol Rozo.

> Web de la Escuela: www.escueladeteatroarturobernal.com
> Email:
info@escueladeteatroarturobernal.com

> Teléfono: 643334696



Fotos y Video: © Estrella Savirón

miércoles, 25 de julio de 2018

recuerda Está semana de la editorial LAS PRINCESAS DEL PACÍFICO.

img-book Las Princesas del Pacífico

Por La Estampida

Las Princesas del Pacífico tiene su origen en Sevilla cuando, años atrás, Sara RomeroAlicia Rodríguez y José Troncoso deciden embarcarse en un maravilloso viaje creativo en el que, a través de improvisaciones, se elaboraron el texto, los personajes, las situaciones… 

En definitiva: el mundo al borde de lo grotesco y sin embargo tremendamente humano de Las Princesas del Pacífico, obra que combina el trabajo de bufón contemporáneo con el melodrama.

Para disfrutar plenamente del libro Las Princesas del Pacífico, léelo escuchando la banda sonora de la obra.

PARA MÁS INFORMACIÓN Y/O COMPRA AQUÍ.

 info o comprar


Sinopsis: Agustina y Lidia (tía y sobrina) son dos personajes que viven recluidos en el salón de su casa, dos seres a diez minutos de la realidad, con una única ventana al mundo: la televisión. Ahí tienen su bastión para no resultar dañadas mientras se convierten en cronistas de las desgracias ajenas.

Dos mujeres que se enfrentan como pueden a las miserias y avatares diarios, aplazando los pagos de la manera más naif, haciéndose invisibles dentro de su propia casa. Agustina y Lidia afrontan el día a día mirándose sin verse en esos programas que vomitan realidades aún más crudas que las suyas… ¿más crudas que las nuestras?. Pero, ¿Qué ocurre si por una vez la suerte les sonríe premiándolas con un fantástico crucero con el que nunca hubieran soñado?, ¿Qué pasa si las enfrentamos a personas incapaces de empatizar con el micromundo que estos dos personajes han ido forjando?, ¿Qué nuevas dimensiones adquiere su reducida visión del mundo?


Dos mujeres infranqueables, y al mismo tiempo vulnerables, capacitadas para afrontar las situaciones más desgarradoras. Dos seres a la par tiernos y grotescos. Dos personajes excluidos de la sociedad, desterrados a un salón de tapete y crochet en el que prevalece lo tradicional. Dos mujeres que quedarán unidas para siempre en una de esas crónicas que engrosan los programas de sucesos.

LAS PRINCESAS DEL PACÍFICO EN EL TEATRO:  http://www.agolpedeefecto.com/teatro_2015/teatro_princesas_pacifico.html

 RESEÑA




viernes, 4 de mayo de 2018


I FESTIVAL INTERNACIONAL DE NU-CABARET. 
NU-CA FEST.

El Teatro Fernán Gómez acoge el I Festival Internacional Nu-Ca (donde ocho artistas ofrecerán sus espectáculos y conciertos de Nu-Cabaret), que propone un giro en el mundo del cabaret tradicional, transformando elementos clásicos del género como el humor, la música, lo multidisciplinar, el discurso crítico, la ausencia de la cuarta pared, la ruptura de roles sexuales/sociales..., proporcionándole un nuevo punto de vista moderno, renovado y revisado.

Así, en los espectáculos de Nu-Cabaret encontraremos:

• Inclusión de nuevas tecnologías. El artista de Nu-Cabaret está en constante investigación sobre nuevos soportes para la comunicación y desarrollo artístico.

• El no-personaje. El artista se expone a la mirada del otro desde la no-ficción.

• La no-ficción. Los artistas se sirven de sus propias vivencias y su posicionamiento vital como material artístico. Hay un alto nivel de exposición personal y, por tanto, de honestidad.

• El intérprete es, a su vez, el autor del espectáculo, debido a lo vinculado que el artista está con el propio discurso.

• Ruptura de roles y de posicionamiento sexual, la exposición de un no-género o multi-género formará parte de la propuesta escénica.

• Una estética que se acerca a lo contemporáneo y se aleja de las recreaciones.

• Inclusión del público como personaje activo, pudiendo éste afectar en la dramaturgia del espectáculo.

• Dado su contenido intelectual y transgresor, va enfocado a un público adulto.

• Y, por último, pero no menos importante, hay un carácter disruptivo y un alto riesgo en las propuestas escénicas.

El I Festival Internacional Nu-Ca cuenta con México como país invitado de esta edición.

I FESTIVAL INTERNACIONAL NU-CA

SALA GUIRAU
Jueves, 3 de mayo, y sábado, 5 de mayo – 20:30h
Roma Calderón, Apasionata
Viernes, 4 de mayo – 20:30h
De La Purissima, Hagiografía
Domingo, 6 de mayo – 20:30h
Rodrigo Cuevas, El mundo por montera
Jueves, 10 de mayo – 20:30h
Cashalada, Two ladies or not two ladies
Viernes, 11 de mayo, y sábado, 12 de mayo – 20:30h
Astrid Hadad, Miscelánea Cabaretera
Domingo, 13 de mayo – 20:30h
Lady Cherry & The Ladies, Nu-Concierto
SALA JARDIEL PONCELA
Viernes, 4 de mayo, y sábado, 5 de mayo – 22:45h
La Beti, Una vida burlesca
Viernes, 11 de mayo, y sábado, 12 de mayo – 22:45h
La Shica, Pequeñas infidelidades

Y el comienzo de este festival ha sido el día de 3 de mayo en el FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA y posterior fiesta de inauguración en el Café Chicote de la Gran Vía madrileña donde se entregaron los premios máscara a los embajadores del festival, Rosa Montero y Paco León.




DESDE EL 3 HASTA EL 13 DE MAYO EN EL FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA

¿Quieres saber más?

El I Festival Internacional NU-CA revoluciona la escena madrileña con una revisión actualizada del cabaret, mucha adrenalina, humor y ocho arriesgadas y atrevidas propuestas:

• NU-CA promete adrenalina, humor, verdad, diversión, inteligencia y diversidad, a través de un género que deja de ser un homenaje a sí mismo, y avanza, a golpe de tacón, haciendo incursiones en las nuevas tecnologías.

Propuestas de carácter disruptivo y una estética que se acerca a lo contemporáneo, donde el público puede ser un personaje activo e influir en la dramaturgia

• El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa al completo se convierte en un gran cabaret: desde el vestíbulo hasta la Sala Jardiel Poncela, desde el Café Colón hasta la Sala Guirau. Un completo programa de actividades que incluye aftershows, talleres, una exposición, ocho espectáculos en 12 funciones y alguna que otra sorpresa

• Desde el “one woman show” personal de Roma Calderón, artífice del festival, y su estreno absoluto Apasionata; el burlesque de La Beti (Beatriz Pindado, Ganadora del World Burlesque Games en Londres) y su Vida Burlesca; desde el cuplé de De La Puríssima (Julia Castro y Miguel Rodrigáñez), con Hagiografía; o desde Asturias y para el mundo, la tonada glam y el cabaret underprao de Rodrigo Cuevas y El Mundo por Montera

• La desvergüenza y lo entrañable estará en manos de Cashalada Cía y su Two ladies or not two ladies; no faltará la recreación de la época dorada del rock & roll con la estética pin-up de Lady Cherry and The Ladies y su estimulante NuConcierto; o la inclasificable artista ceutí La Shica (Elsa Rovayo), capaz de acercarse al flamenco bebiendo de la copla y coloreándolo con el hip-hop, rap, rock o funk en sus Pequeñas infidelidades

• Como país invitado en esta primera edición, México, y desde allí llegará la veterana artista Astrid Hadad con un exquisito espectáculo, Miscelánea cabaretera, a caballo entre la música popular mexicana y los cabarets de mediados del siglo XX. Rancheras a ritmo de rock & roll, flamenco, fado, mambo o jazz dentro de un género creado por ella misma: el “heavy nopal”

• El NU-CA también mostrará en el vestíbulo del Fernán Gómez. CC de la Villa la obra del diseñador, figurinista y pintor Fran de Gonari con “Diosxr, Teatrerxs, Cabareterxs”

El cabaret siempre ha sido considerado un espacio off de libertades, quizá algo canalla, que mezclaba sexo y revolución, sensaciones y sentimientos, a partes iguales, junto con mensajes tan sutiles como entregados, y que en la época de entreguerras o en tiempos de crisis se ha experimentado con mayor intensidad. 




El I Festival Internacional NU-CA en el Fernán Gómez.

Centro Cultural de la Villa no es sólo esto, sino que avanza varios y agigantados pasos más allá, proponiendo un giro y una expansión en el mundo del cabaret tradicional. Todo a través de la transformación de elementos clásicos del género como las altas dosis de humor, la música, el carácter multidisciplinar, el discurso crítico, la ausencia de la cuarta pared o la ruptura de roles sexuales/sociales, y  proporcionándole un nuevo punto de vista moderno, renovado y revisado donde fluye el contacto con el espectador, que asomará su mirada a una forma actualizada de expresión.
Y es que este Festival no es lo que te esperas de un espectáculo de cabaret clásico. 

No hay otro igual a él en la cartelera madrileña... ni en otra parte del mundo, y promete adrenalina, humor, verdad, diversión, inteligencia y diversidad, porque ninguna noche es igual a otra. Porque en un espectáculo de NU-CA el espectador no encontrará el "Money, Money", y un mundo brillante de lentejuelas y boas, sino que, siendo reflejo, crítica y grito, el género deja de ser un homenaje a sí mismo, y avanza, a golpe de tacón, haciendo incursiones en las nuevas tecnologías, con nuevos soportes y herramientas.

El artista se expone desde su honestidad a la mirada del otro tomando como partida la no-ficción, sirviéndose de sus propias vivencias y de su posicionamiento vital como material, con propuestas de carácter disruptivo y una estética que se acerca a lo contemporáneo y se aleja de las recreaciones, y donde el público puede ser un personaje activo e influir en la dramaturgia.

Del 3 al 13 de mayo, tanto la sala Guirau como la Jardiel Poncela albergarán en las noches de jueves a domingo ocho espectáculos en 12 funciones con artistas como: Roma Calderón, artífice del festival, y su estreno Apasionata (3 y 5 de mayo, a las 20:30h.), una verbena italiana convertida en alegato al eterno enamoramiento y a la pasión como actitud vital, con el que después de Bárbara y el exitoso The Lovers, la artista reflexiona sobre el vértigo que provoca este sentimiento y los motivos que lo hacen apagarse para terminar lanzando una pregunta:

¿Podríamos vivir siempre de forma apasionada? El burlesque volverá a nuestros días de la mano de la artista internacional La Beti (Beatriz Pindado, Ganadora del World Burlesque Games en Londres) y su Maestra de Ceremonias Madame Gostossa, para mostrar al gran público el arte de vivir a través de una historia inspiradora llena de glamour, erotismo, sensualidad, elegancia e  ironía (4 y 5 de mayo, a las 22:45h.) sobre la celebración del cuerpo y sus instintos más provocadores.

Desde el cuplé, De La Puríssima revisará la iconografía sagrada de los santos en un espectáculo musical y teatral que investiga y revisa el culto y lo apócrifo: Hagiografía (sábado, 4 de mayo, a las 20:30h.) donde con la voz de Julia Castro y el contrabajo de Miguel Rodrigáñez los protagonistas, Santa Frívola, San Miguel o Santa Locura, no serían admitidos en las crónicas del siglo XXI. Desde Asturias y para el mundo, bajo el synth–folk, la tonada glam y el cabaret underprao, Rodrigo Cuevas tomará El Mundo por Montera para mostrar, en forma de zarzuela bufa, su universo: un mundo tradicional, rural, excéntrico, pero también urbano, crítico y tecnológico con una revisión folk bien humorada y con un discurso incasto, lúcido y sexy que hace romper las lindes de la corrección (domingo, 6 de mayo, a las 20:30h.).

Cashalada Cía propondrá Two ladies or not two ladies (jueves, 10 de mayo, a las 20:30h.), un peculiar espectáculo ágil, sutil, desvergonzado, atrevido, entrañable; un cabaret que reconcilia al espectador con los sentimientos humanos a través de una interpretación carismática y brillante que funde teatro y música en los cuerpos y voces de Josep Zapater y Noèlia Pérez.

Desde el rock & roll de estética pin-up de Lady Cherry and The Ladies hasta la inclasificable La Shica Lady Cherry and The Ladies, que ha actuado con artistas consagrados como Kylie Minogue, Billie the Vision and the Dancers o Red House, ofrecerá un Nu-Concierto (domingo, 13 de mayo, a las 20:30h.) que recrea la época dorada del rock & roll, con una estética pin-up y un toque de sensualidad y buen gusto gracias a la energía explosiva de estas seis artistas con sus instrumentos y este proyecto, primero de la historia del rock & roll femenino en España, que ha servido de inspiración y cuna para otras Girl Bands.

Recorriendo las calamidades del amor no correspondido, La Shica (Elsa Rovayo) hace el camino gozoso, desmadrado y tronchante, a pesar de los arañazos que arrastre el alma del espectador gracias a sus Pequeñas Infidelidades (viernes 11 y sábado 12 de mayo, a las 22:45h.). Una velada con fulminantes chorretones de humor inteligente sobre las miserias del (sub) género humano de manos de una artista sin límites que se ha hecho a sí misma capaz de acercarse al flamenco bebiendo de la copla y coloreándolo sin temor con los sonidos más urbanos: el hip-hop y el rap, toques de rock o funk con su propio sonido y un lenguaje atípico.

México, país invitado y el “heavy nopal” de Astrid Hadad. Como representante de México, país invitado en esta primera edición del Festival Nu-Ca, Astrid Hadad ofrecerá un exquisito espectáculo a caballo entre la música popular mexicana y los cabarets de mediados del siglo XX, en el que la veterana actriz sorprenderá con impresionantes vestuarios confeccionados por ella misma: Miscelánea cabaretera (11 y 12 de mayo, a las 20:30h.), una recopilación de su mejores montajes, con las canciones más exitosas de su carrera, “Lámpara sin luz”, “La Tequilera”, “Babalú”, “La Malinche”, “Tierra misteriosa”. Rancheras a ritmo de rock & roll, flamenco, fado, mambo o jazz dentro de un género creado por ella misma: el “heavy nopal”.

Exposición de la obra de Fran Gonari: “Diosxr, Teatrerxs, Cabareterxs”

Además, el NU-CA también mostrará en el vestíbulo del Fernán Gómez la obra del diseñador, figurinista y pintor Fran de Gonari. Un homenaje a Jean Cocteau, Oscar Wilde, David Bowie y Julieta Serrano, entre otros de sus más admirados referentes escénicos. La exposición se completa con figurines como los de la ópera de cámara Orlando y otros diseños creados para diversas producciones de publicidad, cabaret o teatro, así como bustos y maniquíes escultura.

NU-CA es, pues, un festival transgresor, para un público adulto, que representa la metamorfosis y la actualización del teatro, el cambio que se está generando en la sociedad, en una ciudad abierta y culturalmente dinámica como Madrid y en el corazón de ella: el Fernán Gómez. CC de la Villa. Y el cabaret no podía ser menos.




Publicado por Estrella Savirón, MAYO 2018.

miércoles, 25 de abril de 2018



LA NOCHE QUE NO SE ESTRENÓ LA VIDA ES SUEÑO.

Que mejor actividad para el día del libro que presenciar el nacimiento de una historia, en está ocasión de la mano de Karina Garantivá (actriz, directora de escena y dramaturga) que nos ofrece la lectura dramatizada de su obra, LA NOCHE QUE NO SE ESTRENÓ LA VIDA ES SUEÑO, una ficción sobre un estreno que nunca se pudo realizar, a través del relato de la actriz que no pudo salir al escenario y de los personajes de la obra que en un ataque de rebeldía reivindican su existencia más allá del propio personaje.


‘Así es el destino, elige para mostrar su poder los eventos más insignificantes. El lugar es un teatro, un espacio marginado por la realidad, y ahí estoy yo, recordando, o tratando de recordar, creo que no me dejo nada fuera… Ah sí, también estaba el público, confirmando con su mirada que mi existencia estaba dividida al menos en dos dimensiones’.

La lectura realizada en la Fundación Juan March, (Calle de Castelló, 77, 28006 Madrid)  fué presentada por Javier Gomá, director de la Fundación Juan March, y contó con la presencia de numerosos amig@s y amantes del teatro y la literatura, como Ernesto Caballero, José Luis Gómez, etc. 

La lectura dramatizada fue realizada por la propia Karina Garantivá, junto a Felipe Andrés, Carmen Gutiérrez, Cristina Palomo y Pablo Gallego Boutou.









Un texto fresco, repleto de giros, lucha interior y personajes que piden la palabra para reivindicar su propia personalidad y protagonismo dentro de una reflexión vital, sobre el momento personal, la vida, el teatro y las encrucijadas del destino.

'Se oyen pájaros, hay pájaros cerca de aquí, pájaros libres. Mientras los haya puedo creer que existe la libertad, o al menos dejarme contagiar por esos pájaros que la anuncian… No sé por qué siento una enorme necesidad de arrepentirme, mi vida vista desde aquí no es como yo pensaba'…

Ahora, nos toca esperar para disfrutar de este texto en escena, con la esperanza de que esta espera no sea muy larga....






FOTOS:  © Estrella Savirón para Agolpedeefecto. 


Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2018.

domingo, 15 de abril de 2018


#PDI 02. NARRANDO EN LA FRONTERA DEL VIDEOJUEGO


Ha llegado la segunda sesión de las siete sesiones impartidas en el con el Espacio Fundación Telefónica cuyo objetivo es dar lugar a nuevos enfoques para el medio y crear propuestas innovadoras e influyentes, que además tengan cabida en un mercado cambiante como éste.

Si la primera sesión #PDI 01. Videojuegos y mujeres, se centró en reflexionar sobre la visibilidad que tienen las mujeres que hacen y trabajan en el mundo del videojuego y sobre si existe la igualdad en este terreno, además de reconocer a los que luchan por ella, en esta segunda sesión se ha indagado sobre las formas de narrativa más usuales en los videojuegos, su evolución y su construcción, a lo largo de una serie de charlas realizadas el día 14 de abril de 2018 durante la mañana y un taller sobre narrativa realizado este mismo día por la tarde.

Una sesión perfecta para aquellos profesionales interesados en la narración de los videojuegos y para todos aquellos que sienten curiosidad por lo que es el oficio de escritor de un medio donde, en realidad, se aspira a que sea el jugador el que escriba la historia.

La sesión ha estado formada por las siguientes charlas:
Daniel Sánchez Mateos – Introducción.
Antonio Santo.  Juegos que lo cambiaron todo
Josué Monchán. Contra la narrativa videolúdica
Minigame: dinámica
Tequila Works
Mesa redonda y turno de preguntas
SESIÓN DE TARDE.
Final Round Patricia Figuero. Videojuegos y teatro para la construcción de historias.

Comenzamos:

Start: Daniel Sánchez Mateos

Daniel Sánchez Mateos
El lenguaje del videojuego aún está formándose, aunque el medio está a punto de cumplir los 50 años. El nacimiento bajo la sombra de la Televisión, como el gran referente en la forma de relatar de la segunda mitad del siglo XX, así como la dependencia de la tecnología, tan cambiante, que obliga a rediseñar y reprogramar en muchas ocasiones los mismos títulos para adaptarlos a las nuevas consolas y potencia de los ordenadores han provocado que, en muchas ocasiones, el tipo de juego que se hace se realice siguiendo modas o copiando éxitos previos. 

También existe cierta endogamia, para qué engañarnos, de los desarrolladores y los jugadores cuyos gustos, les llevan a repetir fórmulas o buscar entre las opciones ya tomadas por sus antecesores para acelerar los procesos de producción y publicación.

En este entorno, se considera el año 2000 como el año en el que el lenguaje del videojuego comienza a ser analizado por aquella primera generación de estudiantes que, habiendo vivido ya bajo la completa existencia de los videojuegos como fenómeno comercial, salen de las universidades teniendo como referentes sus formas de contar historias, su estética o su historia y, por esa razón empiezan a utilizarlas en el marco de las tesis doctorales o investigaciones de grado y de posgrado.

Antonio Santo
Ahora, 18 años después, existe una generación de escritores y narradores virtuales que explorar continuamente las fronteras del videojuego buscando nuevos caminos que permitan avanzar en el mismo, proponiendo nuevas mecánicas y formas de contar historias en un medio en el que el jugador debe tener la opción de influir en la historia, hacerla suya o simplemente superar los retos que ésta le propone por extraños que estos sean. Es de esos narradores, de cómo trabajan o a qué retos se enfrentan, cuando deben ponerse en la piel de lo que harán los jugadores, de los que nos gustaría hablar. Una sesión perfecta para aquellos profesionales interesados en la narración de los videojuegos y para todos aquellos que sienten curiosidad por lo que es el oficio de escritor de un medio donde, en realidad, se aspira a que sea el jugador el que escriba la historia.

Single Player 1: Antonio Santo. 5 juegos que lo cambiaron todo

En sólo 40 años de historia, la narrativa interactiva ha evolucionado y se ha diversificado hasta convertirse en un lenguaje por derecho propio. La evolución ha sido gradual, y han sido muchas las obras que han aportado su grano de arena a la historia de los videojuegos; pero hay un puñado de creaciones que marcaron un antes y un después, que cambiaron la forma de narrar de este medio. Repasamos cinco de ellos, cinco juegos imprescindibles que marcaron el camino de la narrativa interactiva.

Josué Monchán
Antonio Santo es comunicador especializado en la industria del videojuego, cultura y tecnología. Dirige Jaleo PR, una agencia de comunicación internacional especializada en juegos indies. Coordina el Games Industry Forum, un congreso b2b para desarrolladores independientes dentro del Fun & Serious Game Festival, del que es también organizador y miembro del jurado. También ejerce de director de contenidos de FS Gamer, la revista oficial del Festival. Antonio Santo cuenta también con una llamativa carrera artística a sus espaldas, con numerosos premios por su obra poética y más de 15 años subiéndose a escenarios de toda España con sus canciones.


Después de esta introducción Daniel Sanchez Mateos realiza un repaso por los tipos de narrativas, desde la narrativa exógena a la contextual pasando por la lineal, los universos interactivos, los universos inmersivos, las narrativas emergentes, los mundos abiertos, etc.

Player 2: Josué Monchán. Contra la narrativa videolúdica

La narrativa del videojuego se encuentra lastrada por varios conceptos que, si bien no son enteramente erróneos y han dado frutos bellísimos, resultan parciales y excluyentes. El primero, sin duda, es el concepto de “guion”, pernicioso donde los haya. El segundo es aún más nocivo, ya que implica algo tan central a la experiencia narrativa universal como lo es el concepto de “conflicto”. El tercero le supera en ubicuidad, ya se se trata de la mismísima “narrativa”. El cuarto y último es el peor de todos: “videojuego”. A lo largo de la charla se tratará de abordarlos desde diferentes puntos de vista, aportando una visión crítica y nada complaciente del tan cacareado papel del “diseño narrativo”.

Andrés Escribano
Josué Monchan empezó a escribir videojuegos hace 13 años en Pendulo Studios, donde ha participado en las sagas Runaway, Hollywood Monsters y Yesterday, aunque también ha colaborado con otros estudios españoles como Delirium Studios, A Crowd of Monsters, Abylight, Evil Mind o PadaOne Games. Paralelamente, traduce videojuegos, entre los que se cuentan Papers Please (Lucas Pope), Shovel Knight (Yatch Club Games) o The Red Strings Club (Deconstructeam). Imparte asignaturas relacionadas con narrativa videolúdica en la UCM, la UFV y la UI1, entre otros centros. Colabora con la asociación ArsGames y con la jam de ficción interactiva Sillyberrys. Actualmente desarrolla la primera adaptación a videojuego del cómic Blacksad, junto a Pendulo Studios.

Videojuegos y cine, bases y fundamentos en común. La necesidad o no de utilizar la narrativa y los cambios de la historia al cambiar elementos contextuales.

Minigame: dinámica


A continuación nos proponen un juego: Crear una historia juntando tarjetas con pequeñas pildoras correspondientes a inicio, nudo y desenlace, de diferentes participantes de forma que tengan coherencia.

Creando una historia en cinco minutos como sinopsis o primer guión para la construcción de un videojuego.

Single Player 2: Raúl Rubio - Tequila Works 
Raúl Rubio - Tequila Works


Raúl Rubio, CEO y Director creativo de Tequila Works, nos introduce en el concepto, desarrollo y optimización de la narrativa esférica. Después de desarrollar su trabajo en American McGee Presents Scrapland, Zoombies, Clive Barker’s Jericho, Castlevania: Lords of Shadow ahora se dedica a tener ideas. Sacar partido al talento del equipo. Ser fuente y nexo de unión. Ser la enciclopedia de Tequila Works.

Nos explica el proceso de creación de THE INVISIBLE HOURS, una compleja historia de misterio y asesinatos en RV, en la que el jugador puede investigar libremente una intrincada red de historias interconectadas dentro de una enorme mansión, y desvelar la oscura verdad que alberga en su corazón.

Mesa redondo con Patricia Figuero

Mesa redonda con Patricia Figuero
Debate sobre los untos en común de las narrativas cinematográficas y teatrales adaptadas a los videojuegos.

Final Round. Patricia Figuero
Taller. Videojuegos y teatro para la construcción de historias

Taller performativo donde los participantes crearán diferentes escenas de manera colectiva usando la improvisación teatral como principal herramienta de trabajo. Éstos se convertirán en autores y personajes al mismo tiempo, adquiriendo una perspectiva narrativa multidimensional y comprendiendo cómo afectan al desarrollo de las historias elementos tan importantes como los conflictos, el uso del tiempo o el espacio donde sucede la acción.

Desde los diferentes roles de actuación, los participantes experimentarán en su propia piel cuándo funciona una historia y cuándo no, analizarán las causas y generarán material que les servirá para dar forma a historias consistentes, desde el punto de vista narrativo, para la creación de futuros videojuegos.

Patricia Figuero es licenciada en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense. Se ha formado en guion cinematográfico en el Centro Universitario de Artes TAI de Madrid y en relato breve y poesía en Fuentetaja, Hotel Kafka y Escuela de Escritores.

Desde hace más de 15 años trabaja como redactora creativa freelance para estudios de diseño y agencias de publicidad internacionales. En la actualidad, Patricia reside en la isla de La Palma, donde imparte talleres de creación literaria a través de su proyecto artístico «Laboratorio de Incendios». Con más de 8 años de experiencia en improvisación teatral (formada en las escuelas Jamming y el Club de la Impro de Madrid), dirige la escuela de teatro «El Funambulista Herido», dedicada íntegramente a la enseñanza de la improvisación teatral. Es autora de relatos, textos poéticos y piezas teatrales.

Si quieres ver la sesión completa puedes hacerlo en el siguiente enlace:



FOTOS:  © Estrella Savirón para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2018.



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