miércoles, 30 de abril de 2014

LA CORTE DEL FARAÓN

Los Teatros del Canal presentan `La corte del faraón´, con dirección de escena de Emilio Sagi


La Corte de Faraón
Teatro Arriaga Antzokia

Entre el 4 y el 9 de mayo de 2014 

• Dirección musical a cargo de Carlos Cuesta con la Orquesta Sinfónica Verum y el Coro de la Comunidad de Madrid

• Libreto de Guillermo Perrín y Miguel Palacios con música de Vicente Lleó

• Una opereta bíblica del género sicalíptico para renovar la manera de acercarse a la zarzuela


Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan La corte de faraón, una opereta bíblica en un acto del género sicalíptico con dirección de escena de Emilio Sagi, dirección musical de Carlos Cuesta e interpretada por la Orquesta Sinfónica Verum y el Coro de la Comunidad de Madrid. Con libreto de Guillermo Perrín y Miguel Palacios, la música está compuesta por Vicente Lleó y la escenografía corre a cargo de Daniel Bianco. Esta producción del Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro Campoamor de Oviedo se podrá ver en la Sala Roja en cinco únicas funciones, del 4 al 9 de mayo.

La producción, que ahora se presenta en Madrid, fue estrenada en el Teatro Arriaga de Bilbao, en coproducción con el Teatro Campoamor de Oviedo. El director de escena Emilio Sagi y el escenógrafo Daniel Bianco han creado un espectáculo que renueva la manera de acercarse a un género que ha pasado años olvidado de nuestros escenarios y que a través de apuestas como esta vuelve a ofrecer representaciones de calidad. El elenco seleccionado, tanto vocal como actoralmente, es otro de los grandes valores de esta apuesta artística.



 En esta producción participan Sandra Ferrández (Lota), Itxaro Mentxaka (La Reina), Inés Ballesteros (Raquel), Sol Maguna (Ra), Enrique Viana (Sul), Gemma Martínez (Sel), Maribel Salas (Ta), Manel Esteve (El Gran Faraón), Jorge Rodríguez Norton (José), Axier Sánchez (Putifar), Josema Díaz (Gran Sacerdote), Alberto Núñez (Selhá) y Aritza  Rodríguez (Seti).

A José, hijo predilecto de Jacob, sus hermanos, enriqueciendo el significado del término cainita, lo venden como esclavo a los egipcios. El desdichado Joven acaba en la casa de Putifar quien padece una severa disfunción eréctil, para desesperación de su ardiente esposa Lota. Los intentos de calmar estos ardores con el joven esclavo  pondrán en peligro que éste pueda seguir llamándose “el casto José” sin faltar a la verdad. Con estos antecedentes se comprenderá por qué la censura franquista prohibió esta “opereta bíblica”, La Corte del Faraón se ha convertido en la más famosa representación de la zarzuela sicalíptica, con un argumento bíblico descabellado y números musicales en los que las insinuaciones subidas de tono representan el espíritu de una época.



La Orquesta Verum y el Coro de la Comunidad de Madrid juntos

La Orquesta Sinfónica Verum, fundada en 2007 por Bodegas y Viñedos Verum, está compuesta por una selección de más de 60 músicos de entre los mejores de Castilla La Mancha y de otras regiones, predominando el perfil de músicos jóvenes con una formación completa y exigente, una intensa experiencia orquestal, y muchas ganas de mostrar en el escenario su compromiso con la música.  Una orquesta nacida con vocación de ser un referente nacional, divulgando las grandes obras de la música sinfónica, prácticamente inéditas en muchos auditorios por su dificultad, con una solvencia equiparable a las mejores orquestas del país. Además del repertorio sinfónico, ha presentado ya varias obras encargo, mostrando así su apoyo a los compositores españoles.

El Coro de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Félix Redondo en este montaje, es conocido como uno de los mejores y más dinámicos coros españoles. Se ha distinguido desde su creación, en  1984, por la versatilidad de sus actividades, que abarcan tanto conciertos a capella y con orquesta, como la presencia constante en la escena lírica y en los estudios de grabación. Su prestigio creciente ha impulsado su presencia en los más importantes escenarios españoles y en muchos extranjeros. La crítica ha destacado siempre la “cuidada calidad de sus voces y el calibrado empaste del conjunto”. Entre los países que han sido testigos de sus actuaciones figuran Alemania, Bélgica, Francia, Polonia, China, Japón, Marruecos, México y Yugoslavia


Fotos:  © Paco Riquelme para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MAYO 2014.

ADELA

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa presenta ADELA
a partir de La casa de Bernarda Alba

COMPAÑÍA: Barluk Teatro
Del 07/05/2014 al 01/06/2014
LUGAR: Sala Dos La sala dispone del sistema de Bucle Inductivo de audio Rogamos a las personas con movilidad reducida lo comuniquen al adquirir sus localidades en taquilla
DURACIÓN: 75 min.



Una propuesta escénica que profundiza en Adela, el personaje más rebelde y temperamental de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca. Una sorprendente dramaturgia y una puesta en escena simple pero impactante, con la calidad actoral que aseguran las nuevas generaciones de la RESAD.  

SINOPSIS:

Adela, hija pequeña de Bernarda Alba, está perdidamente enamorada de Pepe el Romano, prometido de su hermana mayor. La autoridad y las normas impuestas por su madre saltan por los aires cuando una noche los amantes son descubiertos.  Adela busca una escapatoria y trata de evitar el trágico final lorquiano, lucha contra sus miedos, se agarra a sus ilusiones y revive un pasado y un futuro que quizá nunca existieron.  

Por momentos encuentra la paz junto a Pepe, pero el amor y el deseo dan paso a la desesperación y a los celos. La paranoia, la pasión, los remordimiento y las frustraciones se mezclan para ahogar a Adela tal y como lo hizo su propia madre.



Ficha Artística:

Dramaturgia: Rosel Murillo Lechuga
Dirección: Antonio Domínguez, Rosel Murillo Lechuga
Intérpretes: Lucía Astigarraga, Victor Algra.

LA OBRA

Adela nace de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca, del idilio de amor imposible entre Adela y Pepe el Romano (personaje ausente por excelencia de la dramática española) para desarrollar la pasional historia que ya se intuye en la obra cumbre del maestro granadino.  La pieza conserva todo el simbolismo lorquiano, y respeta su trágico final. Una cuerda cuelga del techo y sirve de escapatoria a la vez que condena a Adela al inevitable suicidio que la convierte en una heroína de tragedia.

Fragmentos de textos de Lorca llegan como ráfagas en forma de recuerdos del pasado de Adela junto a su familia, a veces evocando la asfixia de aquella casa, y otras en forma de nostalgia. La obra gira entorno a la relación de pareja y relata la decepción de una mujer que no encuentra el amor y que no es capaz de reconciliarse con su pasado.

Las cuerdas de una guitarra se mezclan con lenguajes corporales que materializan la poética del texto, sin perder nunca el hilo de una dramaturgia que dilata temporalmente los fugaces pensamientos que Adela pudo tener antes de morir.  Adela nace para hablarnos de Adela y Pepe el Romano desde Adela y Pepe el Romano.





Fotos:  © Paco Riquelme para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MAYO 2014.

EL SEÑOR DE LAS MOSCAS

Del 30 de abril al 17 de mayo de 2014
Teatro Conde Duque de Madrid (Conde Duque 11, 28015 Madrid)
Escena Proyecto de Teatro Joven

SINOPSIS

La guerra ha estallado. Un avión lleno de niños se estrella en una isla inhabitada. Son los únicos supervivientes tras el accidente. Se encuentran sin hogar, sin escuela, sin adultos ni reglas. Pronto construyen una microsociedad, cuya frágil estabilidad destruye el hallazgo de “La bestia”. La aventura se convierte en una situación límite que pone a los niños contra las cuerdas para encontrarse con lo más hondo de su naturaleza.

LA VERSIÓN

El Señor de las moscas, llevada a escena por Nigel Williams es una adaptación del clásico contemporáneo de William Golding que estrenó la Royal Shakespeare Company en julio de 1996. Desde entonces, el texto se ha convertido en un referente del teatro juvenil en la cultura anglosajona. Desde 1998 la Pilot Theatre Company ha llevado la obra a más de 60 teatros en Reino Unido y a cerca de 20 países en gira internacional.

Nunca se ha hecho en España. Cerramos esta temporada con un texto que ha conectado con centenares de miles de jóvenes espectadores a lo largo y ancho del mundo. El señor de las moscas es la producción más ambiciosa de La Joven Compañía hasta el momento.

NOTAS DEL DIRECTOR

Leí El señor de las moscas cuando era un adolescente. Supongo que como tantos otros de mi generación. Era verano, recuerdo muy bien, y el hastío de las vacaciones era el mejor acicate para dedicarle parte de la siesta a la lectura. Recuerdo que estaba junto al mar y el sonido de las olas me llevó directamente a aquella isla, donde acababan de recalar, por accidente, un montón de muchachos huyendo de no sé qué guerra. Y entonces ocurrió el milagro. 

Aquella historia que comenzaba como una aventura, me condujo sin contemplaciones a un lugar muy profundo del alma. En aquel momento de mi vida pocas veces me había planteado de su existencia, y menos de su ubicación en mi interior. Pero ahí estaba, existía y tenía su espacio y su color. Y aquel libro me había llevado sin pretenderlo al lugar donde nacen las emociones, donde laten los oscuros deseos, donde surgen los primeros impulsos. Como una oscura brecha, algo se abrió en mi interior, y se quedó ahí, para siempre, hasta hoy.

Quizá por eso, muchos años después vuelvo a buscar aquellas emociones, aquel latido, aquel sonido de caracola silbando en el aire, atravesando la atmósfera directo al corazón, o a la razón, quién sabe. Esta historia me ha acompañado toda la vida, como una cicatriz arañada en el alma. Me enseñó a mirar mas allá de la mirada, me enseñó a sentir, mas allá del sentimiento, me ayudó a comprender de dónde procede el primer aliento. Como las grandes historias, esta historia me enseñó a crecer y a entender.

Hoy, ya adulto, este cuento sigue sobrevolando mi vida, y sigue atrapándome con su enorme capacidad de sugestión. Lo releo y me encuentro a mí mismo, cuando aún era un niño y conservaba intacta la inocencia.

Hace unos días, buscando en Internet material en torno a la novela, leí ciertas apreciaciones que el autor hizo a los jóvenes actores que estrenaron la versión teatral de su obra. “¿Os gusta ser salvajes?” les pregunto al finalizar la representación. “Sí, no…” parece que contestaron los actores.

Parecía una pregunta sencilla, casi banal. Pero no lo era. Porque entonces pensé que fue el descubrimiento de que dentro de mí había un salvaje, al que podía mirar frente a frente y sentir temor, lo que sacudió mi joven alma ese verano de mi niñez, donde de repente, el calor se hizo más pegajoso, mi terraza se lleno de arena salvaje y la maleza escondía una bestia peligrosa a la que debíamos destruir.

Ojalá vuelva a tener el mismo poder hoy que para mí tuvo entonces. Ojalá que cuando un chaval se siente en la butaca del teatro, se deje llevar por la violencia de la tormenta para aterrizar suavemente en un lugar del alma. Ojalá que esta historia, les ayude a comprenderse y a crecer. Igual que ocurrió conmigo. Sería mi mayor deseo. José Luis Arellano. Director de escena.




Fotos:  © Paco Riquelme para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MAYO 2014.

EL JARDIN DE LOS CEREZOS

El jardín de los cerezos, en el Teatro Nuevo Alcalá



El teatro de Anton Chéjov cubre el entarimado del Nuevo Alcalá. Fundación UNIR produce El jardín de los cerezos, una de las mejores muestras de teatro del maestro del subtexto.

La compañía Teatro de Cámara Chéjov sube a escena el texto que cumple ya más de un siglo. El texto es uno de los más representativos de la obra de Anton Chéjov. Bajo la dirección de Ángel Gutiérrez, el Teatro de Cámara Chejov se caracteriza por una manera muy particular de interpretar, algo que logran con especial intensidad en “El jardín de los cerezos”, donde se ofrece un fluido vital semioculto tras los diálogos de los personajes.

La compañía es fruto del esfuerzo de Ángel Gutiérrez que hace 34 años se propuso importar a nuestro país el teatro ruso. Puedes consultar la ficha técnica completa y el staff de la obra en UNIR Teatro.

Fuente: http://revista.unir.net/



SINOPSIS    

El Jardín de los Cerezos es una obra vieja, tiene más de 100 años, pero nadie sabe de qué trata. Algunos recuerdan que la hacienda de la noble dueña Ranievskaya se vende por deudas, y que un tal Lopajin (un nuevo rico) intenta convencerla para poder recuperarla. Hace falta dividir la tierra en parcelas y venderlas para arrendar casas de veraneo. Ella rechaza su consejo y finalmente, en la subasta, celebrada el 22 de agosto, el mismo Lopajin compra el Jardín de los Cerezos. Durante toda la obra los personajes de Chéjov se divierten, hacen un picnics, toman copas, cantan, bailan se olvidaban incluso de la belleza de la naturaleza que les rodea.

Y en este ambiente, un sonido enigmático y misterioso aparece durante toda la obra. Nadie sabe qué significa ese sonido ni de donde procede. Es un sonido suave, triste, pero todos se asustan, permanecen inmóviles, pensativos. Lubov Andreievna, Ranievskaya tiembla estremecida, está a punto de desmayarse. Luego, sólo un infinito silencio se extiende desde su alma al cielo, a las estrellas. Nada, ni un sólo sonido; y de nuevo el mismo insoportable gemido. Es la voz que grita eternamente en nuestra alma, nos acusa por todo lo que hemos hecho.


Es una voz de confusos y vanos arrepentimientos de infinitos días perdidos, de esperanzas muertas, la voz de todo lo engañoso y perdido, de todo lo que hemos conseguido y de lo inaccesible... Y parece que en un solo instante sabremos para qué vivimos, cuál es el sentido de nuestra vida, de dónde venimos y a dónde vamos...



Fotos:  © Paco Riquelme para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MAYO 2014.

EL NOMBRE

Amparo Larrañaga, Jorge Bosh, Antonio Molero, Kira Miró y César Camino protagonizan "El nombre".

Jordi Galcerán versiona y Gabriel Olivares dirige esta gran comedia ganadora de dos Premios Molière del teatro y dos Premios Cesar en su versión cinematográfica

Teatro Maravillas (C/ Manuela Malasaña, 6) PRESENTA "El nombre". La comedia de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patellière. 

"El nombre" podrá verse en el Teatro Maravillas desde el 26 de abril los miércoles y jueves a las 20.30h; los viernes y sábados a las 19.00h y 21.30h; los domingos a las 19.00h. Las entradas pueden adquirirse desde 25 euros (20 euros los miércoles, día del espectador).




Estrenada en París en 2010, se convierte en uno de los mayores éxitos de la cartelera parisina. El año siguiente se realiza una película que también supone un enorme éxito en toda Europa, siendo nominada a cinco premios Cesar y obteniendo dos de ellos. La pieza es muy fiel al estilo francés, recordando en muchos momentos a obras de autores de la talla de Jaoui, Bacrí, Thiery,  Sibleyras  y  especialmente  Yasmina Reza.  Parte de un primer conflicto con una importancia relativa, cuyas consecuencias pronto  irán agrandándose y aflorando los verdaderos problemas entre sus protagonistas. Todo ello con un lenguaje especialmente mordaz y con esa habilidad de hacernos sentir que, las situaciones que plantea, en algún momento de nuestra vida nos han podido ocurrir a todos.

Sinopsis: Un grupo de amigos cena para celebrar la próxima llegada del bebe de una de las parejas. Cuando el futuro padre responde a la pregunta del nombre escogido, su respuesta deja a todos boquiabiertos...y no es para menos. A partir de ahí se genera un divertido debate que acabará creando un conflicto detrás de otro, cada cual más hilarante.

Vicente, que va a ser padre por primera vez, acude invitado a cenar a casa de su hermana Isabel y su marido Pedro, donde también está su amigo de la infancia Carlos. Más tarde aparece Ana, su embarazada mujer, que como siempre viene con retraso. Se trata de celebrar la próxima llegada del bebé. Le plantean todo tipo de cuestiones sobre su futura paternidad y los cambios que suponen en la vida de una pareja, sin perder nunca el sentido del humor. 

Cuando le preguntan si ya ha escogido un nombre para el futuro niño, su respuesta deja a todos boquiabiertos… desde luego, no es para menos. A partir de ahí se genera un debate que va a crear un conflicto detrás de otro, cada cual más sorprendente e hilarante, y que cuestionará el carácter de cada uno y la relación entre todos los personajes.   

Género: Comedia
Duración: 95 min.
En Cartel: estreno el 26/04/2014



Fotos:  © Paco Riquelme para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MAYO 2014.

viernes, 11 de abril de 2014

PINOCHO EL MUSICAL



PINOCHO UN NIÑO DE MADERA - EL MUSICAL. 
Teatro y circo.

TEATRO NUEVO APOLO. Desde el 6 de abril.

Pinocho el clásico universal se adentra en el mundo del circo para trasformar las mentiras en verdades entre acrobacias, malabares y números aéreos. El cuento de Carlo Collodi se convierte en un musical para toda la familia.


 "Basado en el personaje de Pinocho, se construye en escena una historia que habla de los sueños hechos realidad, de crear lazos de amistad y familiares, del aprendizaje y del juego como elemento catalizador en la formación del individuo, del niño. 

Todos nos vemos representados en escena, los niños se imaginan ser Pinocho y los adultos recordamos el niño que todos hemos sido y que llevamos dentro.

En Formato de Musical, con letra y música creada para el espectáculo presentamos un PINOCHO cercano, entrañable, tierno, divertido, audaz, que se abre a la vida a borbotones; que todo lo quiere aprender, que quiere correr, saltar, bailar, volar, proclamar al mundo un canto de libertad y de respeto. 

Las canciones se interpretan en directo y las finales se han creado con el fin de poner a todo el mundo a jugar, la interactuación con el público es la mejor rubrica a este espectáculo. 

Huyendo de los tópicos, presentamos un Pinocho que no es mentiroso y que nos deja claro que el mundo sería mejor si echamos una mano a los demás, como las que él recibe de Gepeto y del Hada protectora. 

Teatro y Circo de la mano en este espectáculo, con un tratamiento teatralizado de las acciones circenses, inscritos los números de circo dentro de la escritura teatral del espectáculo, no se trata de mostrar una sucesión inconexa de habilidades circenses, de hecho los actores no salen de escena en ningún momento y los números de Circo se suceden con naturalidad y espontaneidad; salta Pinocho en la cama (no hay juego de casa que más divierta y guste a los niños) despertando a Gepeto y de esta manera aparece en escena un número de cama elástica; de la misma manera, con la misma premisa suceden todas las acciones de circo que se realizan en este espectáculo, tienen una razón y le dan sentido a la historia.

La escenografía representa la casa-taller de Gepeto, que vive rodeado de los juguetes que salen de sus hábiles manos, una apuesta teatral que nos lleva a recordar y homenajear el oficio de los artesanos; los aparatos de circo como el trapecio, las telas, la bola de equilibrio, la cama elástica, los objetos para los malabares, etc. están instalados de manera natural y siempre presentes; los elementos de mobiliario como la cama, la mesa, el perchero o el banco de trabajo se convierten a su vez en aparatos de circo. Construimos y ofrecemos por la tanto un espectáculo para ver y disfrutar en familia."

“Pinocho, un niño de madera. El musical” podrá verse en el Teatro Nuevo Apolo (Plaza Tirso de Molina, 1) desde el 6 de abril de 2014 todos los sábados, domingos y festivos a las 12.00h.


Todos  nos vemos  representados  en escena,  los niños  se  imaginan  ser  Pinocho  y  los   adultos  recordamos el niño  que todos hemos sido y que llevamos dentro.  


En Formato de Musical, con letra y música creada para el espectáculo  presentamos un PINOCHO cercano, entrañable, tierno, divertido, audaz, que se abre a la vida a borbotones; que todo lo quiere aprender, que quiere correr, saltar, bailar, volar, proclamar al mundo un canto de libertad y de respeto.



Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.

jueves, 10 de abril de 2014

TESTIGO DE CARGO

El Teatro Amaya de Madrid presenta del 8 de abril hasta el 1 de Junio de 2014, TESTIGO DE CARGO, el clásico de Agatha Christie y que Billy Wilder adaptó al cine. 



Manuel Galiana, Paca Gabaldón, Pablo Martín y Luis Fernando Alves dan vida a los protagonistas de esta obra que ha tenido un gran éxito en su paso por el cine.

La mejor obra de Agatha Christie que convirtió en éxito cinematográfico Billy Wilder , llega ahora al Teatro Amaya , ¡6 únicas semanas! con un magistral Manuel Galiana al frente de un excelente reparto que componen unos personajes complejos y contradictorios , como la propia trama judicial, que desembocarán en un final absolutamente inesperado.

En 1957 Billy Wilder dirigió y adaptó la obra al cine con Marlene Dietrich, Tyrone Powery Charles Laughton como intérpretes. Obteniendo seis nominaciones a los Oscar: a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Charles Laughton), a la mejor actriz de reparto (Elsa Lanchester), al mejor sonido, y al mejor montaje.

El reputado abogado Sir Robards no puede evitar apasionarse con un insólito caso de asesinato: Acusan al joven encantador Leonard Vole y le atribuyen la intención de heredar la fortuna de una rica solterona.

SINOPSIS

La obra narra la historia de Miss Emily French, una viuda rica, ha sido asesinada. Alguien entró en su casa aprovechando el día libre de su criada y le propinó un golpe que le causó la muerte. ¿Un robo? ¿O hay otras razones más oscuras en este suceso? El acusado de este crimen es Leonard Vole, un joven de buen aspecto, amigo de la víctima, pese a su gran diferencia de edad…¿Eran algo más que amigos?¿O tenía el joven Leonard un interés especial en la fortuna de la viuda? Un reputado abogado, Sir Wilfrid Robarts, acepta su defensa y se encuentra con el caso más difícil de su carrera…

“Testigo de cargo”: Esta obra de Agatha Christie no se publicó en Reino Unido, sino que vio la luz por primera vez en 1948 en Estados Unidos bajo el nombre de “Testigo de cargo y otras historias” (The Witness for the Prosecution and Other Stories) editado por Dodd, Mead and Company.  Posteriormente la propia Agatha Christie convirtió este breve relato en una obra de teatro que obtuvo gran éxito en Londres y Broadway.  En 1957 Billy Wilder dirigió y adaptó la obra al cine con Marlene Dietrich, Tyrone Power y Charles Laughton como intérpretes. Obteniendo seis nominaciones a los Oscar: a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Charles Laughton), a la mejor actriz de reparto (Elsa Lanchester), al mejor sonido, y al mejor montaje.

Javier Elorrieta (director): de la mano de su padre, José María Elorrieta, comenzó su andadura profesional aunque fue durante su etapa trabajando en “Estudios Moro” cuando compuso números jingles musicales, bandas sonoras para cine y creó anuncios para grandes marcas. Una amplia época de recorrido y triunfos artísticos, creando su propia productora Origen S.A., con la que desarrolla grandes campañas publicitarias. Miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y de  la Academia de Televisión, Javier Elorrieta dirige diversos filmes: “La larga noche de los bastones blancos” “La noche de la ira”, “Sangre y Arena”, “Los gusanos no llevan bufanda”, “Cautivos de la sombra”, “Demasiado caliente para ti”, “Pacto de Brujas” o “Rojo Intenso”.

Manuel Galiana: reconocido actor de teatro, cine y televisión entre los que destacamos de su larga trayectora profesional: “La Gran Piruleta”, de Alfonso de Santos, “El Veneno del Teatro”, de Rodolf Sirera, “Anselmo B o La Desmedida Pasión por los Alféizares”, de Adolfo
Marsillach, “Abejas en diciembre” de Alan Ayckbourn, “Ay Carmela”, de José Sanchis Sinisterra; “Conversación con Primo Levi”, “La Comedia del Bebé”, de Edward Albee y “La Decente”, de Miguel Mihura. Ha participado en numerosas producciones tanto para el cine como para la televisión, consiguiendo un gran reconocimiento de público y crítica. Entre otras distinciones, le han concedido el Premio El Espectador y la Crítica (1983), la Medalla de Oro de Valladolid y el Premio Nacional de Teatro (1998) por su trayectoria profesional en todos los géneros teatrales.

Paca Gabaldón:  Tras una exitosa carrera en el cine con películas memorables como “La Comunidad” de Alex de la Iglesia, “El bosque animado” del director José Luis Cuerda o “Fanny Pelopaja” del director Vicente Aranda, Paca Gabaldón triunfó en el teatro con obras como “Las Troyanas” dirigida por Manuel Canseco, “El Castigo sin Venganza” dirigida por Miguel Narros, “Fuera de quicio” de José Luis Alonso de Santos, “Entre Mujeres” de Santiago Moncada, “Lázaro en el Laberinto” de Buero Vallejo, “La Comedia de los Errores” de Shakespeare, “Tras las huellas de Bette Davies” (versión de J. Vida, de la famosa “Qué fue de Baby Jones”) o “Juegos de Hollywood” bajo la dirección de Fermín Cabal.

Luis Fernando Alaves:  En la gran pantalla le hemos podido ver en películas como “Hoy Quiero Confesar”, “Sofía”, “El Capitán Trueno y El Santo Grial” bajo la dirección de Antonio Hernández, “Menos es Más”, “El Amor Perjudica Seriamente la Salud”, “Malena es un Nombre de Tango” o “Doblones de a ocho”.  Luis Fernando también ha interpretado en teatro grandes obras como: “Hay que deshacer la casa”, “Felices 30”, “La señorita de Trévelez”, “Anna en el trópico” o “El acero de Madrid”, sin olvidar series de televisión tan conocidas como “Paraíso”, “Los Ladrones van a la oficina” o “Canguros”.

Pablo Martín: Reconocido por sus trabajos en televisión como actor y presentador,  y considerado uno de los hombres más atractivos de la escena.  Le avalan sus últimos trabajos en Teatro : “Vis a vis en Hawai”, “Cambalache”, “Vade Retro”, “Yerma” “Bodas de Sangre” “Marianela” , “Los habitantes de la casa deshabitada”.


Lidia San José: Es de los rostros de siempre de la televisión, se podría decir que la hemos visto evolucionar de niña a mujer interpretando diferentes papeles en televisión, con sólida preparación teatral ha intervenido en series tan populares como :”Loca Peluqueria” “Canguros”“A las once en casa” “Ala-dina” “Diez en Ibiza” “Crecer Juntos” “La Casa de los Líos”..en plena madurez siendo aun muy joven su pasión por los escenarios le hacen encadenar trabajos en teatro….”Olvida los tambores” de Ana Diosdado, “Escándalo en Palacio” de Pedro Ruiz y “Todo sobre Vazquez” de Jaime Palacios.

Agatha Christie, nos ofrece un thriller lleno de fuerza, suspense y profundo interés humano, con giros inesperados a cada paso del relato.

Autor: Agatha Christie
Director: Javier Elorrieta
Reparto: Manuel Galiana, Paca Gabaldón, Pablo Martín, Luis Fernando Alvés, Lidia San José, Oscar Zautúa, Jorge San José, Oscar Olmeda.




Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.

ROBOT de Blanca Li

Robot. Compañía Blanca Li

Entre el 10 y el 13 de abril de 2014 en los Teatros del Canal de Madrid.
Danza contemporánea con los robots musicales de Maywa Denki y los robots NAO



Con Robot, Blanca Li ha querido trasladar al escenario el complejo vínculo entre el hombre y la máquina, sin abandonar el tono humorístico y poético propio de sus coreografías. En esta pieza coral ocho bailarines interaccionan con los peculiares instrumentos musicales de los artistas japoneses Maywa Denki. La participación de robots NAO en el espectáculo plantea con sensibilidad y emoción la posibilidad de intercambiar hombres y máquinas.

Sala Roja. Duración: 1h 15min

Diariamente interactuamos con decenas de máquinas más o menos automáticas, más o menos electrónicas, más o menos “pensantes”, que reflejan nuestros gustos y nuestros actos.

¿Una máquina, incluso evolucionada, puede reemplazar la relación con lo vivo ? ¿Nuestras réplicas robóticas expresarán un día sentimientos además de gestionar nuestra vida cotidiana ? ¿Qué sociedad producirán? ¿Son los robots entidades capaces de integrar el desorden creador? ¿Serán un reflejo de los deseos inconscientes de la sociedad ? Si los robots se humanizan adoptando nuestra apariencia, ¿nos robotizaremos nosotros? ¿Nos convertiremos en híbridos, en androides?

Estas cuestiones guían una coreografía para 8 bailarines cuyos movimientos activarán los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki. El paso de los autómatas al robot reside en los circuitos electrónicos conectados a la forma humanoide. Lejos de ser una anécdota, la incursión de varios robots NAO en el espectáculo plantea con sensibilidad y emoción la posibilidad de intercambiar hombres y máquinas.

Hombres-máquinas, autómatas electromecánicos, robots programables conllevan diferentes formas de relacionarse con el mundo, diferentes etapas de esa evolución. Robot explora la fase más actual de sus interacciones de manera divertida y poética.

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Robot, el nuevo espectáculo de la coreógrafa Blanca Li. Este montaje estará en la Sala Roja cuatro únicas funciones, del 10 al 13 de abril.

En Robot, Blanca Li traslada al escenario el complejo vínculo entre el hombre y la máquina, sin abandonar por ello el tono humorístico y poético de sus coreografías. Un encuentro en enero de 2011 de la coreógrafa con Maywa Denki, colectivo de artistas japoneses que navega por un universo de objetos animados mezclando tecnología, burla y refinamiento, y sus contactos con NAO, el robot humanoide, la impulsaron a explorar y coreografiar esta relación entre hombres y mecánicas digitales.

El compositor español Tao Gutierrez, uno de los colaboradores habituales de Blanca Li, se ha inspirado en el universo musical de Maywa Denki para recrear con su música un mundo de máquinas y objetos de aparente aspecto retro-futurista, el mismo carácter que imprime al espectáculo. Las composiciones crecen de forma orgánica, a la vez que la coreografía, alimentándose la una de la otra.

La música de Robot está interpretada tanto por los instrumentos como por los bailarines, cuestionando el sentido de lo que se ve o suena bien, y la forma en que ciertos sonidos, melodías y ritmos inspiran las respuestas emocionales. Elemento esencial de la obra, la música contribuye a crear las distintas emociones que la atraviesan, desde la más poética y delicada a la más divertida y fantasiosa.

La escenografía de Robot nació de varios encuentros de Pierre Attrait con Blanca Li y del recuerdo del arte cinético de mediados de la década de los setenta del siglo XX. Attrait ha concebido una escenografía minimalista para proponer un espacio mental abierto y luminoso. Un espacio que a lo largo de todo el ballet irá llenándose con todo tipo de artefactos, hasta convertirse en una especie de vertedero de piezas de robots.

¿Una máquina, incluso evolucionada, puede reemplazar la relación con lo vivo? ¿Nuestras réplicas robóticas expresarán un día sentimientos además de gestionar nuestra vida cotidiana? ¿Qué sociedad producirán? ¿Son los robots entidades capaces de integrar el desorden creador? ¿Serán un reflejo de los deseos inconscientes de la sociedad? Si los robots se humanizan, ¿nos robotizaremos nosotros? ¿Nos convertiremos en híbridos, en androides? Estas cuestiones guían una coreografía para ocho bailarines cuyos movimientos activan los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki y la música del español Tao Gutierrez. El paso de los autómatas al robot reside en los circuitos electrónicos conectados a la forma humanoide. Lejos de ser una anécdota, la incursión de varios robots NAO en el espectáculo plantea con sensibilidad y emoción la posibilidad de intercambiar hombres y máquinas.

Hombres-máquinas, autómatas electromecánicos, robots programables conllevan diferentes formas de relacionarse con el mundo, diferentes etapas de esa evolución. Robot explora la fase más actual de sus interacciones de manera divertida y poética.

FICHA:

Reparto: Yacnoy Abreu Alfonso, Emilie Camacho, Géraldine Fournier, Yann Hervé, Aliashka Hilsum,  Samir M’Kirech, Margalida Riera Roig, Gaël Rougegrez.

Coreografía y dirección artística: Blanca Li; Asistente de coreografía: Glyslein Lefever y Déborah Torres; Robots musicales: Maywa Denki; Robots Nao: Aldebaran Robotics; Música: Tao Gutiérrez

Equipo artístico
Escenografía: Pierre Attrait; Iluminación: Jacques Chatelet; Música: Tao Gutiérrrez; Programador robots: Thomas Pachoud; Vídeo: Charles Carcopino

Equipo técnico
Director técnico: Sylvie Debare; Luces: Sylvie Debare; Sonido: Antoine Imbert; Escena: Quique Gutiérrez; Vestuario: Armando Sánchez; Animación robots: Clément Bigot; Asistente robots: Aurélien Cornil; Asistente escenografía: Elisabeth Dallier; Asistente vídeo: Simon Frezel

Producción : Compañía Blanca Li
Coproductores: Festival “Montpellier Danse 2013”, Teatro Nationale de Compiègne, Festival “Automne en Normandie”. Residencia en el Centro de las Artes de Enghien-les-Bains (Teatro nacional de escritura digital)




Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.

LA LENGUA EN PEDAZOS

La lengua en pedazosEl Teatro Fernán Gómez presenta 
LA LENGUA EN PEDAZOS. 
Una obra de Juan Mayorga. COMPAÑÍA: La loca de la casa

Del 9 de abril al 4 de mayo de 2014 de 2014
LUGAR: Sala Dos del Teatro Fernán Gómez DURACIÓN: 80 min.

La lengua en pedazos es un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente llamada Teresa de Jesús. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios. Basado en el El libro de la Vida de Teresa de Jesús.

Premio nacional de literatura dramática 2013

Mujer contemplativa y mujer de acción, no hay en Teresa brecha entre la visionaria y la fundadora de monasterios. En Teresa la oración es acción, y cada acto es un modo de orar. Ambos están atravesados por el amor. Y ese amor hace de Teresa una subversiva que desestabiliza espíritus, pone en crisis instituciones y divide sociedades.


Teresa se nos aparece como personaje a contracorriente, intempestivo en su propio tiempo y en el nuestro. Por eso mismo es Teresa necesaria. Su interés ¿hace falta decirlo? No depende de la creencia. Como Francisco Brines sobre Juan de la Cruz, pienso sobre Teresa que un ateo, aunque no crea en su mística, puede sentirse fascinado por el ser humano que se apoya en ella. Y puede y debe sentirse interpelado por ese ser humano al fin, y siempre será menos importante lo que nosotros podamos decir sobre Teresa que lo que Teresa pueda decir sobre nosotros.(Juan Mayorga)

Ficha artística

Autor y director - Juan Mayorga  -  Basado en el Libro de la Vida de Teresa de Jesús
Intérpretes - Clara Sanchis y Daniel Albaladejo
Escenografía y Vestuario - Alejandro Andújar
Iluminación - Miguel Ángel Camacho
Espacio Sonoro - Jesús Rueda
Diseño de Producción - Ana Belén Santiago
Cartel - Emilio Torné
Fotografías - Sergio Parra
Cello - Tomás Garrido
Grabación Musical - Tomás Virgós
Ayudante de dirección - Laura Puges
Dirección Técnica - Amalia Portes


La lengua en pedazos es un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente llamada Teresa de Jesús. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios.

Este proyecto arrancó a partir de la natural tentación del autor dramático –en este caso, Juan Mayorga- de ver a sus personajes y su historia cobrar vida más allá del papel; convertirse en carne y hueso ante él; y también por él, bajo su batuta. La lengua en pedazos supuso para él el texto más inspirador de cuantos había escrito para convertir en realidad esta idea. Además se convirtió en el primer montaje que Juan Mayorga ha dirigido con gran éxito de público y crítica.

¿Por qué?  Espiritualidad y subversión


“La singularidad es subversiva”, decía Edmond Jabès. Recuerdo esas palabras cada vez que pienso en Teresa de Jesús. Nos han acostumbrado a verla como centinela de un cierto orden, pero basta abrir sus escritos y recordar el modo en que levantó sus fundaciones para reconocer en ella a una insurrecta.

Teresa, un cuerpo frágil y una voluntad férrea, es un personaje tan fascinante y complejo como el mundo en que vivió. La España del XVI fue rica en hombres y mujeres capaces de empresas que hoy nos producen vértigo. Mas en esa misma España se llamaba “perro” al converso, como lo era el abuelo de Teresa, y resultaba sospechosa una mujer que escribía -y más si escribía con la imaginación y la inteligencia de Teresa.

Mujer contemplativa y mujer de acción, no hay en Teresa brecha entre la visionaria y la fundadora de monasterios. En Teresa la oración es acción, y cada acto es un modo de orar. Ambos están atravesados por el amor. Y ese amor hace de Teresa una subversiva que desestabiliza espíritus, pone en crisis instituciones y divide sociedades.

Teresa se nos aparece como personaje a contracorriente, intempestivo en su propio tiempo y en el nuestro. Por eso mismo es Teresa necesaria. Su interés - ¿hace falta decirlo?- no depende de la creencia. Como Francisco Brines sobre Juan de la Cruz, pienso sobre Teresa que un ateo, aunque no crea en su mística, puede sentirse fascinado por el ser humano que se apoya en ella. Y puede y debe sentirse interpelado por ese ser humano –al fin siempre será menos importante lo que nosotros podamos decir sobre Teresa que lo que Teresa puede decir sobre nosotros-.

En todo caso, para dejarse arrastrar hacia Teresa es suficiente leerla y advertir lo mucho que le debe nuestra lengua y, por tanto, lo mucho que le adeuda nuestra experiencia del mundo. Sólo nuestros mayores poetas han sometido a tan extrema tensión la lengua castellana, sólo ellos han abierto para nosotros territorios como los que conquistó aquella mujer dueña de una palabra igual de poderosa cuando pinta las criaturas celestiales que cuando habla de las gentes.

Ganar para el teatro esa palabra y el personaje que la acuñó fue mi primer objetivo en La lengua en pedazos. Me propuse arraigar palabra y personaje en una situación ficticia pero verosímil en cuyo centro estuviese la grave decisión tomada por la todavía monja de la Encarnación de abrir, con gran riesgo para si y para las que la seguían, el monasterio de San José: la primera de sus fundaciones. 

Entonces apareció, en mi fantasía, el Inquisidor. Que fue creciendo hasta convertirse en el otro de Teresa, su doble: aquél con quien ella estaba a destinada a encontrarse y a medirse. El Inquisidor acorrala a la monja con incómodas preguntas, la enfrenta a momentos de su vida que acaso ella querría olvidar y prende en su corazón la duda, que, como todo en Teresa, es un incendio. Y poco a poco, en el diálogo entre ambos personajes va apareciendo un tercero: la lengua misma, que transforma vidas y hace y deshace mundos.

La lengua en pedazos es el primero de mis textos que me he atrevido también a dirigir. No lo hubiera hecho de no haber contado con un equipo excepcional y, sobre todo, con la complicidad de dos actores magníficos. Juntos hemos hecho compañía. La llamamos La loca de la casa, que es como Teresa llamaba a la imaginación.

Entre todos hemos levantado La lengua en pedazos: un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios.  Juan Mayorga




Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.
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