jueves, 31 de octubre de 2013

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

David Trueba, Javier Cámara y Natalia de Molina han presentado el martes 29 de octubre de 2013 en rueda de prensa “Vivir es fácil con los ojos cerrados”, en el salón de actos del Museo Thyssen-Bornemisza. La película llegará a los cines dos días después, el jueves 31 de octubre.

Javier Cámara, Natalia de Molina y Francesc Colomer interpretan a los tres personajes principales de esta historia en la que se cruzan sus vidas, sueños, inquietudes y luchas personales en la España de los años sesenta. Les acompañan en el reparto Ramón Fontseré, Rogelio Fernández Espinosa, Jorge Sanz y Ariadna Gil.

‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ es una de las frases de “Strawberry Fields Forever”, canción compuesta por John Lennon en Almería durante su estancia para participar en el filme "Cómo gané la guerra" de Richard Lester.

La banda sonora ha reunido a dos auténticas leyendas del jazz contemporáneo: Charlie Haden y Pat Metheny han compuesto en Los Ángeles la música de la película, siendo la primera vez que se unen para una BSO aunque ambos, por separado, habían colaborado en otros filmes.

“Vivir es fácil con los ojos cerrados” es una producción de FERNANDO TRUEBA P.C., con la colaboración de TVE y CANAL+ y distribuida por UNIVERSAL PICTURES INTERNATIONAL SPAIN. 

Comentario:

David Trueba nos revela un interesante secreto profesional: su truco consiste en dejarse llevar sin planificar demasiado de antemano el trabajo sino concentrándose en cada escena. Para él el director es quien está al servicio de los actores y no al revés como entienden otros. 

Para esta película se ha rescatado numeroso material fotográfico de los años sesenta que han supuesto una valiosísima ayuda para el vestuario y la decoración. Una importante recomendación que le dio al reparto fue que hablaran con personas que hubiesen vivido aquella época para impregnarse del espíritu que reinaba entonces, en un intento vital por ir más allá de la mera estética y llegar hasta el carácter de aquella década.

La melancolía que impregna la película es la propia de la gente joven que no suelen ser conscientes del momento trascendental que viven hasta que éste ya ha pasado. En cualquier caso el objetivo es mostrar que ninguna época es fácil y que cada generación tiene que luchar por hallar su sitio. Hay componentes reales en la historia como aquel profesor que acudió a Almería para conocer personalmente a Lennon durante el rodaje de su película en la provincia andaluza. Y a nivel anecdótico el director nos cuenta que su propio hermano se fue tres días de casa por no querer cortarse el pelo, cosa que también le sucede a uno de los protagonistas.

Javier Cámara interpreta el personaje principal y tuvo la feliz idea de invitar al preestreno a un tío suyo que tenía la misma edad que su personaje en el período en que está ambientada la película. Su tío quedó encantado y le dijo “Es el personaje más bonito que has hecho en tu vida”. A pesar de todo también insiste en que “Vivir es fácil con los ojos cerrados” también habla sobre el presente en cierto modo. En los sesenta surgió una generación que hizo mucho por nosotros y esta película es también un homenaje a todos aquellos actores y educadores.

Tuvo la oportunidad de conocer personalmente a aquel profesor de inglés que fue a ver al Beatle y le impactaron su idealismo y su tozudez. Le mostró su diario de aquellos días y los cuadernos con las letras de las canciones corregidas a color. El viejo profesor se mostró muy complacido por su buen nivel de inglés. Por otro lado Javier Cámara, que lleva un año intenso con nada menos que cinco películas rodadas, asegura que ésta es la que menos se preparó pero también es la más pensada. Consiguió sacarla adelante y disfrutarla añadiendo al personaje “su propio viaje”.

Natalia de Molina se muestra más que satisfecha del que es su primer trabajo cinematográfico. Lo primero que Trueba le dijo fue que viese la película checa “Los amores de una rubia” para que asimilara el tono que quería imprimirle a su película. Al principio tuvo miedo de verse entre profesionales de tanta talla pero conocer a Javier Cámara fue, según sus palabras, maravilloso por resultar tan natural y tan humano. Al final del rodaje todos eran ya como una familia. El miedo fue desapareciendo y en su lugar surgieron la confianza y la ilusión. Cuando el director le preguntó cómo había conseguido aquello ella simplemente respondió: “Es que tenía muchas ganas”.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

martes, 29 de octubre de 2013

I FIT MADRID 2013


FITmadrid  2013

Festival Iberoamericano de Teatro de Madrid



Primera edición de este punto de encuentro que reúne a compañías españolas e iberoamericanas con espectáculos en torno a las artes escénicas. Representaciones teatrales, montajes y una gran oferta de actividades complementarias conforman el programa del certamen.

Organiza: laClac arts management
Colaboran: FIT de Cádiz, CBA

Del ya conocido Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, surge este año en Madrid la primera edición de la muestra de Teatro Iberoamericano en Madrid: el I FIT Madrid 2013. El evento ha tenido lugar los días 26, 27 y 28 de octubre’13 en el  Círculo de Bellas Artes.

3 días 6 compañías latinoamericanas & españolas. Vanguardia-Texto-Sombras & Títeres-Visuales-Danza. Una pequeña muestra del Mejor Teatro Iberoamericano en Madrid. 

Ante la necesidad de dar la difusión y presencia a las compañías latinoamericanas, y de cuidar las relaciones entre ambas culturas se incrementa la presencia de este Festival ampliando a Madrid una pequeña parte de su programación.

Las compañías que se darán cita son: 

Compañías Latinoamericanas : 
- MTM Teatro de Muñecos, Costa Rica.
- La Maldita Vanidad, Colombia.
- Denise Despeyroux & Fernanda Orazi, Argentina. 

Compañías Españolas : 
- Karla Kracht & Andrés Beladiez.
- Cía. Con R@stro.
- Cía. Paula Quintana. 

Encuentro de Investigación teatral 
- Cruce de Criterios. 

Otras actividades:
  • Presentación libro: “Alicia Alonso o la eternidad de Giselle”. Participan: Mayda Bustamante (autora), Alicia Alonso, José Carlos Martínez (CND)
  • Exposición: “Omnipresente” Pedro Sega, Brasil. 

 
Presentación del FIT en Madrid. Foto cedida por el FIT.


PROGRAMA 

Odisea (Costa Rica)

Odisea Espectáculo basado en el poema épico de Homero. Se trata de una versión para muñecos dirigida a un público adulto.

Comentarios sobre la obra.


Los autores materiales (Colombia)

Los autores materiales Inspirada en la película La soga de Alfred Hitchcock y tomando como punto de partida un asesinato, esta obra indaga en los comportamientos que se guían por la intolerancia y la violencia.


La realidad (Argentina y Uruguay)

La realidad Andrómeda acepta el reto de suplantar a su gemela Luz, que habita en un remoto lugar de India y está a punto de morir. Denise Despeyroux ejecuta, con esta obra, un sencillo tratado filosófico sobre la existencia. 

Más información sobre la obra.


Zoomwooz (España)

Zoomwooz Espectáculo que aúna vídeo y performance, y que aborda, mediante el uso de técnicas de live cinema, la posición del individuo en la sociedad.

Comentarios sobre la obra.


Punto muerto (España)

Punto muerto Un hombre se enfrenta, a solas, en el servicio de la empresa donde trabaja, a una pregunta crucial: “¿Es hoy el día de acabar con todo?”. 

Comentario sobre la obra.


Exposición Omnipresente: más allá de los escenarios

Exposición El ilustrador Pedro Sega se inició en el street art en 2006. Su especialidad son los murales y thrown up. 

Encuentro de investigación teatral Cruce de criterios

Encuentro que expresa la voluntad del FIT de abrir renovados espacios para la reflexión en torno a los procesos creadores. 

Pieles (España)

Pieles Una chaqueta es el detonante de esta historia, que ahonda en la piel como símbolo de los sentidos, los instintos y las emociones en conflicto. 




Presentación libro: Alicia Alonso o laeternidad de Giselle”.  

 
Foto: © Estrella Savirón (Agolpedeefecto.com) Presentación del libro MÁS ALLÁ DEL ESCENARIO: EL BALLET MUERTE DE NARCISO DE ALICIA ALONSO en los Teatros del Canal.



Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

sábado, 19 de octubre de 2013

3 EN IMPRO


3 en Impro del 18 de octubre al 15 de noviembre de 2013 en el Teatro Bellas Artes de Madrid.

3 en Impro es más que un espectáculo, es una fiesta en mitad de la noche. 

Una fiesta irrepetible donde la música, la risa y el público son los protagonistas. Forma parte del espectáculo más divertido poniendo el título más original que se te ocurra y lanzando peluches a los actores.

¡Un espectáculo en el que ni nosotros sabemos lo que va a ocurrir cada noche!

 Un espectáculo formado por 3 Improvisadores dispuestos a todo para recoger las ideas más locas del público y crear en el momento algo único e irrepetible. Haciendo posible lo imposible Impro-ImpAr propone un espectáculo que se hace más difícil, más divertido, más arriesgado a cada momento.

Los peluches  forman parte del espectáculo de Improvisación “3 en Impro”, de la Compañía Impro Impar, en un espectáculo de lo más gamberro.

Tras un año con su montaje en La Escalera de Jacob, se trasladaron al Arlequín para ofrecer una propuesta más gamberra, una auténtica fiesta de la Impro, donde las risas y la participación del público están garantizadas. Y sobre todo peluches, con los que los espectadores podrán manifestar aquellas cosas que les gustan más o menos del espectáculo, lanzándolos en cualquier momento.

Ahora empiezan la temporada en el Teatro Bellas Artes donde 400 peluches, son los nuevos inquilinos del patio de butacas, aunque como los miembros de Impro Impar afirman, también el público puede venir con sus peluches traídos de casa, si quieren munición extra para lanzar a lo largo del espectáculo.

La participación del público una vez más es la clave del espectáculo. No sólo por usar los títulos que el público escribe a la entrada,  con los que estos actores realizan escenas sin guion previo, sino además porque es el mismo público es quien participa en algunas de estas improvisaciones, siendo el verdadero protagonista.

Fuente: 3 en impro de la compañía de Teatro Impro Impa.



Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA

“El chico de la última fila” es una obra sobre maestros y discípulos; sobre padres e hijos; sobre personas que ya han visto demasiado y personas que están aprendiendo a mirar. 



Una obra sobre el placer de asomarse a las vidas ajenas y sobre los riesgos de confundir vida y literatura. Una obra sobre los que eli­gen la última fila: aquella desde la que se ve todas las demás.

En el Teatro Galileo de Madrid (C/Galileo, 39) Del 16 de octubre al 10 de noviembre de 2013.

Juan Mayorga, el autor, se muestra feliz e incluso emocionado de que su obra se represente precisamente en el barrio donde él se crió, ya que cuenta la historia de un niño que pasa a ser hombre, justo lo que él mismo ha experimentado allí. “El chico de la última fila” está siendo una obra de larga duración, no solo por la magnífica película realizada en Francia sino también por las constantes representaciones en numerosos países. Desde su estreno en octubre del 2006 se han llevado a cabo once montajes profesionales y varios más que están actualmente en proyecto. Según su criterio no existe una puesta en escena definitiva pero la que se está representando ahora en Madrid le parece realmente excelente.

Es un texto tremendamente imaginativo que hará que el espectador asocie imágenes ya que los seis actores convocan la complicidad del público. Además valora mucho el trabajo que realizan codo con codo todos los miembros de la compañía y la generosidad con que se escuchan unos a otros ofreciendo siempre algo a los demás.

En opinión de Mayorga, la obra continúa interesando porque trata sobre la escuela y la familia, siendo ambos un lugar de encuentros y desencuentros, logrando que el espectador encadene su propia experiencia. La imaginación es el nervio de la vida y el núcleo de “El chico de la última fila” es la capacidad de imaginar la vida tanto dentro como alrededor, el impulso creador de imaginar las vidas ajenas. Y muestra al mismo tiempo la formación de un escritor.

También señala el autor la originalidad de este nuevo montaje porque todos los actores están constantemente en escena turnándose en la acción y ofreciendo un punto de vista al mismo tiempo que el público puede tener el suyo. En algunos momentos se dan distintos planos de realidad e imaginación a la vez, pero todo magistralmente hilvanado ya que la elocuencia de los actores permite transformar el escenario en lo que sea.

Miguel Lago, intérprete del profesor, considera “El chico de la última fila” como una obra maestra de la literatura contemporánea española que incita al debate y que curiosamente debutó antes en Francia que en nuestro país. Pese a las dificultades que atraviesa actualmente el teatro profesional, se les abrió una puerta gracias a este texto  que engancha y dice tantas cosas. Lago espera que en el futuro sea recordado como la obra maestra que sin duda es.

Oscar Nieto San José, el protagonista y nueva incorporación a la compañía, reconoce que anteriormente solo tenía algunas nociones sobre su personaje y que cuando tuvo la oportunidad de enfrentarse a él descubrió que tenía su lado siniestro pero en realidad era como tantos otros. Esos que se esconden en la última fila para no mostrarse pero que en realidad podrían ser y son como cualquiera de nosotros.

 



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

sábado, 12 de octubre de 2013

LA ISLA DE LOS ESCLAVOS

Teatro Fernán Gómez presenta
LA ISLA DE LOS ESCLAVOS  
de Pierre de Marivaux. COMPAÑÍA: Venezia Teatro. Del 10/10/2013 al 03/11/2013.


José Gómez dirige La Isla de los esclavos, con Paloma Rodera, su ayudante de dirección, y los actores Antonio Lafuente, Borja Luna y Ana Mayo todos ellos han creado la compañía Venezia Teatro que presenta en el Teatro Fernán Gómez de Madrid su segundo montaje.

Una original escenografía y vestuario que se asemeja a una isla redonda cuyo espacio es un tablero de ajedrez donde se separa el blanco y negro, el señor y el esclavo, el bien y el mal….

El esclavo se pone en la piel del señor y el señor en la piel del esclavo, y desde estos nuevos papeles evolucionan para darse cuenta de la responsabilidad de sus actos en cada momento de la vida y las repercusiones en aquellos que les rodean.

Una interesante reflexión sobre el poder y la falta de él en una época muy lejana (Grecia antigua) y a la vez con un mensaje muy actual.

Sobre el autor
Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux nace en París un 4 de febrero de 1688. Su obra más conocida es El Juego del Amor y del Azar estrenada de 1730, dramaturgia muy bien sostenida que acaba siendo referente en la historia de la Comedia Francesa. De dramaturgia ágil, ligera, a veces rozando la expresión contemporánea, Marivaux nos propone textos donde existe una combinación muy interesante entre los profundos mensajes de su obra y la liviandad de su manera de contarlos.

Esta compañía ya estuvo el pasado año en la Sala Dos del Teatro Fernán Gómez con el montaje La hostería de la posta, espectáculo que tuvo una gran acogida de prensa y público. 

Sobre la Obra
En esta Isla de los Esclavos nos encontramos con un espacio mágico, inventado al que van a naufragar nuestros protagonistas. Trivelín, señor de la isla, comunica a nuestros desafortunados señores (Ifícrates y Eufrosina) que deberán cambiar los roles con sus sirvientes (Arlequín y Cleantis), pues esta es la característica de la isla de los esclavos. Con este cambio de roles, inicio potentísimo de la comedia, se desarrolla la dramaturgia en torno al poder y cómo la adquisición del mismo cambia nuestro comportamiento.

Marivaux no sitúa a los protagonistas viniendo de Atenas aleatoriamente. Personajes que vienen de la sociedad conocida más desarrollada y cuna de la Democracia. Los personajes reflexionan con sus acciones (y lo que es más importante hacen reflexionar mediante el divertimento al espectador) y a través de las pasiones características de la dramaturgia de la época se desarrolla el conflicto.

Sobre la lectura
Venezia teatro, en este segundo montaje hace una intervención sobre el texto más importante y con mayor peso que en su anterior montaje con objeto de completar al estilo de su autor la dramaturgia, cuyo final está precipitado. En Venezia nos hacemos una serie de preguntas en torno a la idea de poder, a la adquisición del mismo y a cómo modifica los roles y comportamientos cuando uno accede a este estado. Tenemos personajes que antes poseían este poder y se ven despojados de él, hay personajes que no lo tenían y se ven de repente colmados del mismo. Y tenemos a un personaje observador que se vuelve casi titiritero del resto de los personajes. Por lo tanto se crean las líneas necesarias para establecer múltiples lecturas sobre la obra dependiendo de los puntos de vista asumidos por los personajes.

Queremos que se reflexione sobre qué consecuencias tiene la acumulación de poder en unos pocos, sobre el falso concepto de democracia que impregna nuestra sociedad, que como dice Faucault viene como resultado del establecimiento de una sociedad panóptica que se basa en “Vigilar y Castigar”. ¿Es la democracia actual tal y como la conocemos una verdadera repartición de poder en el pueblo? ¿Es necesaria la acumulación de poder en unos pocos como se viene viendo a lo largo de tantos siglos? 
 
Sobre la dramaturgia
La creación de nuevas escenas responde a la necesidad a gritos del texto de ser completado. Las escenas creadas completan por un lado la acción de sus personajes y sobre todo su plan, su psicología y sus motivaciones, haciéndolos más cercanos al espectador contemporáneo. Porque el texto clásico se caracteriza por la cercanía al oyente de hoy en día debido al carácter universal de los temas. Las referencias que se enlazan desde el tema principal de la obra a esta nueva dramaturgia son Shakespeare (La tempestad, Julio César), Strindberg (Un enemigo del pueblo), o Chéjov (El jardín de los cerezos o Tío Vania); así como obras filosóficas: Utopía de Tomás Moro.

Con esta dramaturgia conseguimos otro objetivo muy importante: Poder aprovecharnos de la fusión de un estilo de interpretación más clásico (trabajo de estilo basado en la precisión en la forma y en la palabra, característico de la Compañía de Teatro Venezia) y un estilo que se acerca más al postdramático: rotura del lenguaje según la conveniencia de la lectura que queremos que haga el espectador.

Estética
Esta idea aplicada a la dramaturgia también se ve contaminada al vestuario y el espacio, Basado en la limpieza de formas y líneas, así como de tonalidades para focalizar la atención del espectador en la acción interna del actor, la estética de la obra se plantea como una fusión entre elementos clásicos (que en esta obra nos ambientan a la cultura clásica de la Grecia Antigua) y elementos contemporáneos que nos van a ayudar a que el espectador pueda aplicar la lectura de la obra a hoy en día.

LA COMPAÑÍA
Jose Gómez, actual director de Venezia Teatro, pone en marcha La Hostería de la Posta en 2012 tras licenciarse en la Resad y completar su formación en Bielorusia y Portugal. Entre el elenco y el equipo artístico del que se rodea nace un entendimiento fuera de lo común, por lo que varios componentes deciden, después de su paso por el Teatro Fernán Gómez, establecerse como compañía.

Jose Gómez junto con Paloma Rodera, su ayudante de dirección, y los actores Antonio Lafuente, Borja Luna y Ana Mayo bautizan de esta forma su nuevo lugar de encuentro creativo e intelectual como Venezia Teatro.

La línea de trabajo y las directrices artísticas y formales quedan definidas por sí mismas, siendo éstas las que les unieron tras el montaje de La Hosteria de la Posta. La necesidad de revisar el texto clásico, de carácter universal para el público asistente, junto con la depuración estilística basada en la importancia de la forma y la palabra serán el sello que Venezia Teatro se ha propuesto conseguir.

La juventud, la ilusión, la preparación y la experiencia mueven a estos artistas a elegir un modo de vida en el que el teatro, entendido como en tiempos clásicos, debe entretener y divertir pero también ser la voz de una sociedad a veces un poco adormilada, debe mover conciencias y hacer pensar, pero sin perder el gusto por lo estético, lo bello.


Ficha artística y  técnica
Elenco:
Eufresina                                          Eva García
Cleantis                                             Ana Mayo
Arlequín                                             Borja Luna
Trivelín                                               Javier Lago
Ifícrates                                              Antonio Lafuente
Escenografía y vestuario:               Sara Roma
Diseño de luces:                              Marta Cofrade
Guía didáctica:                                 Marta Cobos
Gestión de público:                         Jaime Pintor
Ayudante de dirección:                   Paloma Rodera
Dirección                                          José Gómez
Producción de Venezia Teatro



Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

viernes, 11 de octubre de 2013

RACCONTO

Racconto  Mayumana


Mayumana Racconto- 9/10 al 1/12/13Mayumana llega a Madrid el 9 de octubre con Racconto, un show que reúne lo mejor de Mayumana y que cuenta con la colaboración de Andreu Buenafuente. El popular cómico y presentador ha adaptado el guión al humor español y es además la voz en off que enlazará las imágenes de vídeo y los diferentes números. Lleno de ritmo, movimiento, teatro, música, danza y humor, Racconto celebra sus 15 años de éxito en los mejores escenarios del mundo. Sin duda 8 semanas únicas e irrepetibles para volver a disfrutar con la originalidad, la frescura y la energía de todos aquellos números que han hecho de Mayumana un referente escénico de primer orden a nivel mundial.

Boaz Berman, director de la compañía, nos cuenta que tras quince años de historia de Mayumana era un buen momento para hacer recuento de su trabajo y contar un poco la historia de la formación. Para traer este espectáculo a Madrid era necesaria una adaptación del texto al gusto español y en cuanto el nombre de Andreu Buenafuente estuvo sobre la mesa se pusieron inmediatamente de acuerdo.

Estarán en cartel durante tan sólo ocho semanas así que invita al público a aprovechar la oportunidad. Además afirma que cada vez que vienen a la capital española para ellos es un poco como volver a casa.

Andreu Buenafuente colabora en este espectáculo haciendo un trabajo de “customización española” como él mismo dice. No solo ha adaptado el texto y puesto su voz sino que también presta su imagen en algún momento francamente divertido. Buenafuente define a los Mayumana como un un cóctel de cuerpos y ritmo con una gran cercanía al espectador. Lo que empezó como un grupo de percusión pura, casi tribal, ha evolucionado con los años de forma asombrosa asimilando las nuevas tecnologías y tiene aún mucho que dar. “Racconto” es una fiesta para celebrar sus tres lustros de existencia.



Asegura que cuando estuvo unos días en su sede para grabar acabó convertido él también en otro adicto al ritmo. Estando con ellos en cualquier sitio, por ejemplo tomando un café, era inevitable el estar comprobando la sonoridad de la mesa. Esa pasión por el sonido es mucho más que su oficio, es una auténtica pasión. Por último también aprovechó para hacer un llamamiento al público para que apoye el teatro y se manifieste en contra de la absurda ley que les exige pagar un 21% de iva.





Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

LOS HIJOS DE KENNEDY

LOS HIJOS DE KENNEDY  
de Robert Patrick, en el Teatro Cofidis de Madrid, desde el 11 de octubre de 2013.

http://www.gruposmedia.com/cartel/los-hijos-de-kenedy.jpgMaribel Verdu, Emma Suarez, Ariadna Gil, Fernando Cayo, y Alex García desde el escenario y bajo la batuta de José María Pou, tienden una mano al espectador y le invitan a un viaje en el tiempo en Los hijos de Kennedy por la década de los 60 (del siglo pasado), cuando todo estaba por hacer y todo era posible.

Vuelven los sesenta… otra vez



José María Pou dirige una vez más la obra de Robert Patrick que, según él, trata principalmente sobre el tema de la falta de comunicación. Trata sobre esa gente que, teniendo mucho que ofrecer, se queda sentada sin hacer nada. Los protagonistas son cinco figuras caídas de la década de los sesenta: un actor que impulsó la contracultura y el teatro underground, una aspirante a actriz que se quedó en el camino, la cronista oficial del movimiento hippie, una secretaria devota del presidente Kennedy y un pobre muchacho enviado sin miramientos a la guerra de Vietnam. A pesar de lo que pueda parecer, se trata en realidad de una obra muy divertida en la que los personajes están ya de vuelta de todo y hay un humor un tanto ácido.

El objetivo es reflejar aquella época, sin ánimo de hacer una crítica ni a la sociedad de entonces ni a la de ahora, aunque sin duda el espectador puede hacer una interesante reflexión acerca de ello. Se ha respetado fielmente el texto original haciendo una traducción respetuosa y actual a la vez, además de introducir mucha música de los sesenta. En palabras de Pou “Quizá perdimos el sueño de aquella década porque se rompió abruptamente pero sucedieron muchas cosas que marcaron todo lo que vendría después”. Figuras como Marilyn, Martin Luther King o Kennedy idealizaron aquella época y nos han dejado un legado cultural, literario y musical irrepetible.

Ariadna Gil da vida a la activista hippie y también coincide en afirmar que los personajes de la obra son arquetipos y que, pese a no haber vivido aquellos años, por suerte existe tanta información escrita, visual y musical que ha supuesto un verdadero descubrimiento para muchos de ellos. Ha tenido que sumergirse de lleno en estas referencias para sacar su personaje adelante con convicción.

Maribel Verdú afirma que los actores tienen la suerte de poder llevar a cabo esa inmersión en otras épocas diferentes a la suya. Así hoy por hoy ella se ha convertido en una verdadera experta en la guerra civil española, por ejemplo. En el caso de la década de los sesenta es un tema que realmente le apasiona por todo lo leído y todo lo que le han contado gente que la vivió. En su opinión cualquier época está viva y eso se nota en el momento en que los personajes hablan con el público.

Por su parte Fernando Cayo agradece la oportunidad de representar a un personaje tan atrevido y lenguaraz como el suyo. Habla de recuerdos en tono melancólico pero a la vez con un gran sentido del humor haciendo que su discurso vaya desde el diálogo íntimo hasta el show cabaretero. Define la obra como un espectáculo vivo y con mucha energía.


Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

jueves, 10 de octubre de 2013

ESTUDIO 3

ESTUDIO 3. Una nueva Sala de Teatro en el centro de Madrid
 C/ Núñez de Arce, nº 11, bajo 3 (Madrid) – metro Sol y Sevilla
Tfno 91 532 27 01 – www.estudio3.org

A pesar de los tiempos de crisis y de los problemas que atraviesan muchas salas en Madrid, algunas de las cuales se han visto obligadas a cerrar, ESTUDIO 3  apuesta por el teatro y la cultura y se lanza como sala de teatro con programación estable.

Estudio 3, es una escuela de artes escénicas fundada en 1980 que apuesta por la formación integral del actor trabajando desde el cuerpo y el movimiento. Dirigida por Agustín Bellusci, cuenta con un cuadro de profesores de mucho prestigio como Sara Torres, Ángel Corpas, Fernanda Orazi y Pablo Messiez

Y para este lanzamiento como espacio escénico abierto al público han elegido la comedia

NO HAY LADRÓN QUE POR BIEN NO VENGA
de Dario Fo, premio Nobel de Literatura.


Dirección: Agustín Bellusci
Intérpretes: Arancha García- Ormaechea, David Carrasco, Marta Rodríguez, Eduardo Campos, Elena Bilbao, Oscar Villalobos y Roberto Villa
Estudio 3 (C/ Núñez de Arce, 11)  Viernes y sábados a las 21:00 horas (hasta el 2 de noviembre)

Una comedia muy divertida, teatro de siempre con una interesante trama que arrancará las carcajadas y conseguirá la complicidad del público.

Un ladrón se ve sorprendido en pleno robo por el dueño de la casa y su amante. La necesidad de la pareja por no ser descubiertos les lleva a las situaciones cómicas e insostenibles. Una reflexión sobre la doble moral, la hipocresía que nos rodea y el peligroso juego de las mentiras.

acerca del texto

Si algo tienen las obras de Fo, es que sin importar el tema que esté tratando, siempre el débil sale bien librado. sus obras, muy ágiles siempre llevan a la reflexión entre enredos, equívocos y risas.

El argumento gira en torno a un ladrón que se ve sorprendido, en pleno robo, por el dueño de la casa y su amante. la necesidad de la pareja por no ser descubierta, les lleva a las situaciones más insostenibles provocando que la doble moral y la realidad social queden al descubierto de forma irónica y divertida.

Paradójicamente en “no hay ladrón que por bien no venga”, obra que da título al libro, es el ladrón el que menos tiene que ocultar. Desde una situación simple, la obra enjuicia la hipocresía del ser humano, fruto de la sociedad en la que vive, y lleva a la reflexión al espectador sin por ello privarle de diversión y buen humor. 




Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

sábado, 5 de octubre de 2013

EL CABALLERO DE OLMEDO

EL CABALLERO DE OLMEDO.
Dirección: Mariano de Paco Serrano.
Del 3 de octubre al 3 de noviembre de 2013 en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.
 

“El Caballero de Olmedo, el destino trágico ante el amor y la muerte. Una tragicomedia clásica con un ritmo vertiginoso para un público contemporáneo. Posiblemente la mejor obra de Lope de Vega.”

El famoso texto de Lope de Vega se represanta en el Teatro Fernán Gómez de la mano de Eduardo Galán (adaptación) y de Mariano de Paco Serrano (dirección). 

El Caballero de Olmedo cuenta la trágica historia de Don Alonso, noble caballero de Olmedo que se enamora de una bella joven que responde al nombre de Inés. Prometida con otro hombre, Doña Inés finge su deseo de ser monja para disuadir a su padre de la idea de tal matrimonio, pero el destino de los enamorados se muestra implacable con ellos. 

Eduardo Galán, adaptador y coproductor del montaje, agradeció en primer lugar el apoyo tanto de la prensa como del Teatro Fernán Gómez por su acogida. Cómo adaptador del texto asegura que lo más complicado de Lope de Vega es conservar en todo momento la fuerza de una historia de amor con destino trágico. Afrontarlo ha sido un reto necesario, afirma que no se trata de “un montaje más” sino que espera sorprender al público.

Mariano de Paco, director de escena, está satisfecho de contar con un gran texto y un equipo artístico de excepción. También reivindicó el trabajo de los muchos colaboradores que no se ven y gracias a los cuales la obra ha podido salir adelante. 

Es difícil a priori hacer algo con este texto que no se haya hecho ya. En esta ocasión se han potenciado especialmente los elementos de tragedia mostrando al protagonista como un héroe trágico y al personaje de Rodrigo como su antítesis. 

Visualmente está muy presente el sustrato de tragedia griega representando la fiereza humana en la figura del toro. Ha sido una ardua labor el homogeneizar el texto respetando el ritmo de la poesía. 

Tanto Galán como de Paco estuvieron de acuerdo desde el principio que, de hacer un clásico, este sería El caballero de Olmedo, a la que consideran una de las cumbres de Lope de Vega.

Javier Veiga da vida a Don Alonso. Para él traer la función a Madrid es algo así como “la reválida” por considerarla “la plaza más dura y exigente”. La gira por España comenzó en abril y ha tenido una exitosa trayectoria hasta Olmedo, donde triunfó por todo lo alto. 

Se trata de un espectáculo de noventa minutos en el que se condensa todo lo que Lope quiso contar sin perder un ápice de su frescura original.

Marta Haza encarna a Doña Inés y espera que el público disfrute tanto como ellos mismos han disfrutado montando esta obra. Para ella es un verdadero privilegio poder interpretar un personaje como éste, con el que se fraguó su amor al teatro. En su opinión “El caballero de Olmedo” contiene las redondillas más bellas del barroco.

José Manuel Seda es el encargado de interpretar a Don Rodrigo. Asegura que su personaje es “el más toro de todos” y el verdadero culpable de que todo acabe de un modo tan trágico. Él es el tercer vértice del triángulo, el elemento desestabilizador que desata la trama.

Esta Versión cuenta en su reparto con: Javier Veiga, Marta Hazas, José Manuel Seda y Enrique Arce. Y es que, según sus creadores, "una tragedia clásica con un ritmo vertigionoso para un público contemporáneo".


Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 
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