Teatro Fernán Gómez presenta

IBÉRICA, 20 AÑOS EN DANZA

COMPAÑÍA: Ibérica de Danza

Del 28/11/2013 al 30/11/2013 

SALA: Sala Guirau  
DURACIÓN: 120 min. con descanso.

Decididamente barroco en su vocabulario visual y ecléctico en su hacer coreográfico, Manuel Segovia en su unión perfecta con Eliseo Parra y los músicos, nos ofrecen una suite colorista y dinámica, un paso más de Ibérica de Danza hacia otras maneras de entender nuestras tradiciones.

Ritmo, energía, bellas melodías y grandes bailarines. Ibérica de Danza celebra su 20º aniversario con un espectáculo vibrante y lleno de sensaciones. Manuel Segovia, Premio Nacional de Danza a la Creación 2001 , dirige y coreografía Ibérica, 20 años en danza, con la actuación en vivo de músicos de prestigio internacional, como Eliseo Parra (Premio Villa de Madrid), Eduardo Laguillo, Javier Paxariño o Fernando Egozcue. 

Una celebración única para disfrutar también de las coreografías de Antonio Najarro (director del Ballet Nacional de España), Carlos Chamorro y Gemma Morado, creadas para esta compañía pionera en convertir el folklore en una experiencia inolvidable. 

FICHA ARTÍSTICA:

Coreografía y dirección artística: Manuel Segovia
Dirección ejecutiva y diseño de vestuario: Violeta Ruiz del Valle
Músicos: Eliseo Parra, Eduardo Laguillo, Josete Ordóñez, Pablo Martín, Xavi Lozano, Guillem Aguilar, Martín Bruhn y Coni Lechner.
Músicos invitados: Javier Paxariño y Fernando Egozcue
Bailarines: Guerau Cabrera, Sarai Estremera, Ángela Gairal, Ángeles Hurtado, Rebeca Jiménez, Pedro Monje, Daniel Morillo, Jaime Puente, Alberto Quejido y Raquel Ruiz.
Coreógrafos invitados: Antonio Najarro, Gemma Morado y Carlos Chamorro
Guión dramático: José Antonio Ortiz Ponferrada
Escenografía: Miguel Ángel Ramos Castillo

Ibérica de Danza celebra su 20º aniversario y para ello ha reunido a un espectacular grupo de músicos, coreógrafos y multidisciplinares bailarines.

Este montaje nos muestra, tanto coreografías representativas de su trayectoria, como nuevas apuestas. Un paso adelante para abrir puertas a nuestras esencias, músicas y danzas posibles en un mundo cosmopolita de diversidad compartida.

Un recorrido por la trayectoria coreográfica de la compañía a través, no sólo de una selección de coreografías neofolk de Manuel Segovia, auténticos pilares de Ibérica de Danza, sino también de las de algunos coreógrafos de danza estilizada y flamenco que han pasado por la compañía, como Antonio Najarro (actual director del Ballet Nacional de España), Gemma Morado (Premio Villa de Madrid) y Carlos Chamorro (director de Malucos Danza). Decididamente barroco en su vocabulario visual y ecléctico en su concepto y dirección coreográfica, Manuel Segovia y su equipo nos ofrecen un paso más de Ibérica de Danza hacia otras maneras de entender nuestra danza. 

IBÉRICA, 20 AÑOS EN DANZA

Programa:

1. Balada – Coreografía: Manuel Segovia. Música: Eduardo Laguillo.

2. Suite de la alegría (neofolk) – Coreografía: Manuel Segovia. Música: Eliseo Parra. Danza tradicional recreada, inspirada en las zonas detalladas: Suite rebollar (zona de León), El silenci (Cataluña), Cigüeña (Castilla), Por el azul (Norte de España) y La llave de la alegría (Aliste, Zamora).

3. Torres de viento (danza española estilizada) – Coreografía: Gemma Morado. Músicas: Tradi., Alberto Iglesias y Piazzola. Arreglos directo: Fernando Egozcue. El viento a través de un juego de mantones, abanicos y castañuelas ilumina esta suite.

Intermedio 

4. Albéniz (danza española estilizada) – Coreografía: Carlos Chamorro. Música: Isaac Albéniz. Versión: Fernando Egozcue. Cádiz, Sevilla, Castilla y Asturias, de la Suite Española Op. 47

5. Añoranza y Kábala (danza española estilizada) – Coreografía: Antonio Najarro. Música: Javier Paxariño.

6. Suite Alkímica (neofolk) – Coreografía: Manuel Segovia. Música: Eliseo Parra. Danza tradicional recreada, inspirada en las zonas detalladas: Dos en juego (canción de columpio de Granada). En Sanabria (comarca de Sanabria, Zamora).


Fotos:  © Paco Riquelme  para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

Microporno por dinero

Pequeño Teatro Gran Vía C /Gran Vía, 66 - Madrid

Microporno por dinero nos descubre lo que se esconde detrás de las relaciones de pareja y familiares, de las convenciones sociales, de una época turbulenta e incierta, del humor como antídoto y del sexo como solución a todos los males.

Maribel y David son una pareja totalmente convencional, con su hipoteca, sus respectivos trabajos bien remunerados, sus escapadas de fin de semana… 

Laura y Toni son otra pareja totalmente convencional, sin su casa –tras ser desahuciados por el banco–, sin trabajos bien remunerados, sin sus escapadas de fin de semana… Pero estos tiempos que vivimos tienen la capacidad de colocarnos a todos de manera instantánea en un mismo nivel, en una misma penuria, en una misma búsqueda desesperada por salir a flote, por reinventarse.  

Microporno por dinero nos descubre lo que se esconde detrás de las relaciones de pareja y familiares, de las convenciones sociales, de una época turbulenta e incierta, del humor como antídoto y del sexo como solución a todos los males. Y de los sueños como poder de resistencia.

Motivado, curiosamente por la crisis, nace la idea de reírnos de ella. Hay algo que quizá se nos pasa y es la imaginación que algunas personas por necesidad le están poniendo a su día a día para salir adelante. De ahí nace la idea inicial de la historia. 

Se están creando nuevas maneras de subsistir, desde casa la mayoría de veces, nuevos negocios, negocios caseros. Y a partir de esa premisa, creí interesante dar voz a personajes muy descarados. Habitualmente no decimos lo que pensamos. Davis, Maribel, Laura y Toni, los protagonistas, sí. 

Dicen lo que piensan, no lo que se espera que digan. Son capaces de ser políticamente incorrectos y ahí debe residir el humor de la obra, en lo chocante que es ser sincero en una sociedad “podrida e hipócrita”.

Fotos:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

Entre Marta y Lope de Gerardo Malla y Santiago Miralles Del 21 de noviembre al 22 de diciembre de 2013 en la Sala pequeña del Teatro Español.

 

La Fundación Siglo de Oro (FuSO) coproduce con Teatro Español Entre Marta y Lope, un texto contemporáneo escrito por Gerardo Malla y Santiago Miralles que continúa con el propósito de FuSO: la transmisión y difusión de uno de los bienes más preciados de nuestro patrimonio artístico y cultural, el teatro del Siglo de Oro.

En este caso, la pasión y el conflicto constante en el que viven Marta y Lope sirve como excusa para retratar una época y llevar a escena la importancia de la figura de Lope, pilar esencial de nuestra literatura.

Lope, el viejo dramaturgo ya de vuelta de tantas cosas, y Marta de Nevares, su última amante, su pecado, su pasión, su premio y su castigo; una mujer cultivada y fuerte, tanto que Lope, el enamoradizo, se aferró a ella durante años a pesar de su larga y descorazonadora enfermedad.

Entre Marta y Lope es una coproducción del Teatro Español con la Fundación Siglo de Oro, el patrocinio de Mercedes-Benz e Incatema Consulting, y la colaboración del Ayto. San Sebastián de los Reyes, Dirección General de Bellas Artes, del Libro y de Archivos de la Comunidad de Madrid, Fundación Prolope y Miguel Ángel Fernández Algaba de Uno más Uno Comunicación. 

Fecha Del 21 de noviembre al 22 de dieciembre de 2013

Sala Teatro Español - Sala Pequeña

Horario De martes a sábado 20:30h. y domingo 19:30h.

Actividad pedagógica de 'Entre Marta y Lope'

Sábado 30 de noviembre de 2013

TIPO DE ACTIVIDAD: Se representará un fragmento de la obra Entre Marta y Lope. Tras la exhibición, tendrá lugar un encuentro con Gerardo Malla, autor, director y actor del espectáculo, que relatará los detalles sobre el proceso de investigación y la puesta en escena. Estará acompañado de Montse Díez, actriz que representa a Marta de Nevares, la que fuera el último amor del Fénix de los Ingenios (Lope de Vega).

IMPARTE: Gerardo Malla y Montse Díez

DESTINATARIOS: Estudiantes de arte dramático, dirección de escena y dramaturgia.

REQUISITOS: Inscribirse enviando ficha  de inscripición cumplimentada que aparece en la web del Teatro Español.

Reparto

Lope de Vega Gerardo Malla

Marta de Nevares Montse Díez

Felipe IV/Conde Duque de Olivares César Diéguez

Ficha artística

Dirección Gerardo Malla

Asesor musical Juan Carlos Demulder

Ayudante de dirección César Diéguez

Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

El miércoles, 13 de noviembre, ha tenidolugar en Madrid la rueda de prensa de la película “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS” con la presencia de sus principales protagonistas, los actores Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson y Liam Hemsworth, el director Francis Lawrence y la productora Nina Jacobson. 

SINOPSIS: Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) vuelve a casa sana y salva tras ganar los Septuagésimo Cuartos Juegos del Hambre junto a su tributo Peeta Mellark (Josh Hutcherson). Ganar significa tener que dejar atrás a familia y amigos, y embarcarse en la “Gira de la Victoria” por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que una rebelión comienza a gestarse, pero en el Capitolio continúa todo bajo control mientras el Presidente Snow (Donald Sutherland) organiza los Septuagésimo Quintos Juegos del Hambre (El Vasallaje), una competición que cambiará Panem para siempre… 

“LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS” se estrenará a nivel mundial el 22 de noviembre de este año. La esperada adaptación cinematográfica de la segunda novela de la saga escrita por Suzanne Collins está coprotagonizada por Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Sam Claflin, Jena Malone, además de Stanley Tucci y Donald Sutherland.

Tras el estreno de “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS”, el 22 de noviembre de este año, las dos últimas entregas de la saga, “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE I”, y “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE II”, se estrenarán el 21 de noviembre de 2014 y el 20 de noviembre de 2015, respectivamente.

Comentario: 

Francis Lawrence, director de la película, afirma que es la primera vez que se enfrenta al hecho de dirigir una segunda entrega de una saga no habiendo dirigido él la primera. Asegura que siempre es difícil entrar de lleno en una secuela, ha sido un auténtico reto. Se sentó a pensar y desde el principio tuvo claro que quería tener libertad creativa, cosa que logró gracias, según él, al maravilloso elenco de actores, tan talentosos como buenas personas. La historia de esta segunda parte permite mostrar mucho más sobre el mundo descrito en la anterior y las relaciones emocionales entre los personajes se vuelven más profundas.

Ante todo “Los juegos del hambre” trata de mostrar las consecuencias de la guerra y cómo a veces se necesita la figura de un héroe que a menudo se idealiza. En ningún momento la productora le pidió que suavizara los contenidos violentos de la historia ya que lo único que pretendía con ellos era conseguir un gran impacto emocional que el público pudiera sentir. Recurrió a su creatividad para evitar imágenes que pudieran ser repulsivas. No se recurrió al 3D porque no les pareció necesario para la historia pero sí escogieron el formato Imax para desplegar los escenarios de la arena y la jungla, aunque ha sido un trabajo engorroso y bastante aparatoso, los resultados son más que satisfactorios. 

Jennifer Lawrence, la protagonista, explica que su personaje en principio es muy introvertida pero que en ocasiones se muestra más emotiva. Es un reto interpretar alguien así porque te exige controlar mucho las expresiones. Le encanta la popularidad que ha alcanzado y que sus fans la llamen la J-Law del pueblo. Por otra parte se siente identificada con su personaje en el aspecto de que ambas se hacen famosas de pronto y notan el hecho de que, aunque sigues siendo la misma persona, incluso la gente que te conocía de antes ya no te trata igual. Es posible que la juventud actual necesite una heroína así.

Para ella la película tiene varios mensajes sobre la familia, el amor y el valor. La misma historia se repite en el mundo real, en el que a menudo hemos de luchar por la libertad y es importante constatar cuan poderosa puede ser una sola voz en la sociedad gracias a los medios de comunicación de que disponemos hoy día.

Josh Hutcherson, otro de los protagonistas, confiesa que su papel le ha emocionado y que esta película es aún mejor que la anterior. Como actor dice estar dispuesto a hacer cosas distintas e incluso en un futuro se ve también como guionista, director o productor. Para él la secuencia más dura de rodar fue la lucha contra el mono, que les llevó siete días para grabar lo que en el libro se narra en una página y media. Se trata de una secuencia con muchos efectos visuales y una coreografía realmente agotadora. También lo pasaron mal en otra escena en la que se aferraban a un artefacto que no paraba de dar vueltas, allí, como bien apuntó Jennifer, lo difícil fue no vomitar. Para Liam Hemsworth en cambio lo más duro fue la escena en la que recibía los latigazos, que al parecer gustaron a todos menos a él.

Por último la productora Nina Jacobson expuso que “Los juegos del hambre” se encuadran dentro de los llamados “futuros distópicos” y examina una visión oscura del futuro. Los conflictos bélicos en los que EEUU se involucra producen ansiedad en la gente y a la vez plantea incógnitas acerca del futuro del planeta, la economía y lo que puede llegar a ocurrir si no cuidamos unos de otros. La película muestra que hay esperanza, que todas las voces cuentan y que el cambio es posible.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

"desnu-DANDO a los CLÁSICOS"

Después de un año y medio de gira por España, SANTI SENSO vuelve a Madrid con una propuesta actoral nueva donde se experimenta con el juego de que los papeles femeninos sean interpretados por un hombre.

A Senso se le caracteriza desde hace ya 14 años por sus puestas en escena nacionales e internacionales nada convencionales, ni evidentes, si sorprendentes y transgresoras, embriagadas de verdad, donde la dramaturgia está VIVA, y son los espectadores los que dirigen la escena en lugares nada usuales para hacer teatro como son casas particulares, habitaciones de hoteles, iglesias, barcos, trasteros, molinos, cuevas, o incluso en salas y teatros.

En este  acto teatral podremos disfrutar de los secretos, de la verdadera identidad del SER de esa verdad que los autores de los textos clásicos no desvelan para protegerSE de las censuras morales de la época, pero que los propios personajes, embriagados por esos textos despiertan en ellos y ellas la necesidad de transmitir los sentimientos que les habitan y hacer de ello un acto íntimo con el deseo de compartirSE y hacer mas visible la igualdad. 

Para alcanzarlo, los actores que interpretarán a estos personajes, deberán imbuirse en el texto como arqueólogos dejando al descubierto el pudor del autor y regalándole la verdad al espectador (parientas y parientes), celebrando así el ritual de la generosidad. AceptandoSE, recibiendoSE. Pudiendo SER cualquier personaje sin tener que vestirSE, atrezarSE, producirSE. Con sus cuerpos desnudos transmitirán a las parientas y parientes ese deseo por conocerlos, por descubrir a esos escritores, que en su intimidad un día escribieron lo que hoy podemos compartir disfrutando de este acto íntimo.

Desnudando a los Clásicos es un acto teatral donde podremos disfrutar de  la verdadera identidad del Ser.

Los “Actos de Santi Senso“ son experiencias en mayúsculas que hay que disfrutar con apertura de mente. Los clásicos como Shakespeare, Dante, Zorrilla, etc., rasgan sus vestiduras y nos enseña sus más profundos significados de la mano de:

• Vicente Navarro (Julieta, Doña Inés, Ofelia y Beatrice),Santi Senso (Romeo, Don Juan, Hamlet y Dante),Cary Rosa Varona (violonchelista),José Jesús Serrano (dramaturgo). Dirección de Santi Senso

Una experiencia teatral que rompe con lo establecido para hacer sentir y vivir a los clásicos.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

LA BANQUETA Desde el 12 de noviembre de 2013 en el Teatro Galileo de Madrid.

Risas a carcajadas en esta comedia dirigida por Paco Mir e interpretada por dos grandes actores cómicos, Ricard Borràs y Pep Ferrer. La banqueta nos cuenta una historia divertida, refinada. inteligente e inteligible. Desde el 12 de noviembre de 2013 en el Teatro Galileo de Madrid.

Todos juntos le sacan el máximo partido a un texto fino y sutil que, entre notas musicales, risas y una pizca de poesía, induce a una reflexión sobre la amistad y el arte, sobre cómo son de vanas las relaciones humanas y sobre el esnobismo que, a veces, acompaña en demasía a los temperamentos más creativos.

El actor y director Paco Mir dirige ‘La Banqueta’, un texto divertido, refinado y sutil que describe la complejidad de las relaciones humanas en las distancias cortas y la crisis de confianza entre dos artistas en la cúspide de su carrera. Ricard Borràs y Pep Ferre interpretan a Pablo y Vladimir, dos reconocidos concertistas de piano a cuatro manos que preparan su próxima  gira por Japón en un pueblo idílico de los Alpes italianos. Llevan tocando juntos codo con codo más de veinte años, pero la calma y  el aire puro de la localidad alpina no juegan a su favor, sino todo lo contrario: la banqueta en la que reposan su anatomía, se hace cada vez más y más pequeña. 

“Si en el mundo somos casi siete mil millones de personas, hemos de reconocer que es una casualidad que dos personas se encuentren y una doble o triple casualidad que tengan los mismos intereses y que, además, quieran desarrollarlos juntos”, señala Paco Mir en referencia a este texto que se estrena el próximo 12 de noviembre en el Teatro Galileo.

“Es una casualidad, según la nada conocida ley de Möhrêns-Thurmann, que el efecto de esa proximidad diaria genere una distancia emocional entre estas dos personas, directamente proporcional al tiempo de convivencia. Y de esto habla esta obra, del deterioro de una pareja que en este caso es de pianistas pero que podría ser de astronautas, de lampistas o de cualquier otra cosa. Seguro que todos conocemos -o quizás tenemos demasiado cerca- un caso parecido; aquello de “Te quiero mucho pero, por favor, déjame en paz”, subraya el director. 

Así, lo que iban a ser unos días idílicos en los Alpes se convierten en una estancia desastrosa provocada por una crisis de confianza y de creatividad que viven los dos artistas que se verá materializada en la continua y misteriosa disminución de la banqueta que comparten.

Con una gran dosis de humor inteligente, y a la vez inteligible, uno de los grandes maestros del humor en España nos muestra en este texto cómo los fantasmas alimentados durante  décadas pueden ser nuestro peor enemigo y hacernos la vida imposible.

Personalidades contradictorias, fobias ocultas, sueños incumplidos y una gran dosis de cinismo son los elementos fundamentales de esta obra que es también en el fondo un homenaje al arte y la cultura.

Comentario:

Se ha realizado la rueda de prensa de presentación de LA BANQUETA en el Teatro Galileo de Madrid, el 12 de noviembre de 2013 en mismo día de su estreno.

Como ha comentado Paco Mir: Esta es una obra no totalmente comercial, un teatro donde ahí que escuchar, estar atento, donde el gran valor, es el valor de la palabra. La obra da vueltas a una banqueta, el autor hace una obra de teatro con el supuesto de que se encoge.

Una historia de parejas, de cualquier tipo, ya sea sentimental o de trabajo, sacan toda la mierda acumulada en sus armarios secretos. La convivencia de la pareja a través de dos pianistas, una obra fácil de hacer con solo dos personajes, con un juego interno de poderes cercano al clon, donde no hay un único poseedor de la verdad, sino que los dos se van intercambiando los papeles.

Según Ricard, cuando te enfadas mucho con las personas que más quieres, resulta muy absurdo pero lo hacemos cotidianamente.  Nuestra cotidianidad esta llena de cosas absurdos que tomamos como buenas.

Soy un enamorado del teatro francés, y al ver esta comedia, pensé que un día tenia que hacer esta obra que me pareció un homenaje a ‘Esperando a Godot’, dos personajes que están esperando. Las cosas no van bien y cada vez van a peor, pero en tono de comedia, de boulevard pero que se plantea el reto de hacer pensar al espectador. Ricard nos confiesa que tuvo muchos problemas para producir esta obra pero gracias a Paco Mir que tiro para adelante este proyecto se ha conseguido el objetivo de estrenarla.

Pep , me llamo Ricard para hacer esa obra, con un personaje optimista que vive la vida, él es el pesimista y el tercer personaje que es la banqueta que produce que esa relación sea una bomba.

Paco adapto a la realidad Española la obra, los franceses tienen un punto más ‘pedante’ que se ha eliminado para resaltar el humor, es la primera función que se estrena en castellano, y va a formar parte del programa platea. Se estreno a finales de junio en Barcelona después de dos meses de ensayo, con buenos resultados, esperamos que siga funcionando bien.

Para los que tengáis interés en leer la crítica, pulsar aquí.

 

Una producción de Botarga y Vania

Autor Gérald Sibleyras

Adaptación Paco Mir

Traducción Ricard Borràs

Dirección Paco Mir

Ayudante de dirección Gilbert Bosch

REPARTO

Ricard Borràs- Vladimir

Pep Ferrer- Pablo

FICHA TÉCNICA / ARTÍSTICA

Diseño estenografía Paula Bosch

Construcción escenografía Taller d’Escenografía Sant Cugat

Confección Ciclorama Let’s Go Print

Construcción banquetas Hidrau Model

Muebles Hogardecora.com

Vestuario Anna Güell

Smokings Smoking

Intérprete Violonchelo Manuel Martinez del Fresno

Diseño iluminación Justo Gallego

Producción ejecutiva Liza Frediani

Fotografía  Ariel Bercovich

Diseño Gráfico Pixel

Dirección de arte  Sergio Gordones

Cartelería  Multicopy Grafic

Atrezzo Violonchelo Xavier Vidal i Roca Luthier

Atrezzo Partituras  Casa Beethoven


Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

EL EFECTO K.
EL MONTADOR DE STALIN

 

Después de una larga carrera por festivales de cine de todo el mundo, llega a las pantallas de cine de toda España la aclamada cinta de Valentí Figueres EL EFECTO K. EL MONTADOR DE STALIN.

EL EFECTO K es a la vez una historia de aventuras, un cuento mítico sobre el cine, la leyenda de una amistad, el mito del héroe y su descenso a los infiernos. Esta es la historia de un actor-espía que al final supo decirle NO a Stalin.

Se basa en el experimento cinematográfico de Lev Kulechov en 1922 sobre el significado de la imagen y su valor. Nos habla de la memoria/verdad y de cómo puede ser modificada y suprimida. Maxime se enfrentará a este dilema, manipular sus propios recuerdos y crear un nuevo significado de los hechos que vivió. 

Sobre la presentación de la película:
 

Valentí Figueres, el director, nos introduce al interesante experimento que es su película explicándonos como en los años veinte es cuando se produce la diferenciación entre el llamado “cine ojo” y el “cine dedo”. Es decir, cuando la cámara se limita a filmar la realidad tal cual y cuando se realiza un trabajo de ficción. En el caso de “El efecto K” hay un cuarenta por ciento del primer tipo y un sesenta por ciento del segundo.

La ardua labor de rescate realizada para la ocasión recoge cintas en las que muchos españoles en el exilio filmaron sus películas para recordatorio personal y hoy han acabado convertidas en documentos históricos. En “El efecto K” hay una gran dualidad: realidad y ficción, dos naciones, dos familias, dos amigos… etc.

Ha funcionado muy bien  a nivel internacional pese a ser difícil y compleja, no da respuestas sino que plantea preguntas intelectuales activando la mente del público. El protagonista es en sí mismo un compendio de al menos quince personajes, que fueron quienes realmente hicieron todas las proezas que se narran. La película demuestra como el montaje puede de alguna forma “construir la realidad”. En la Unión Soviética de Stalin a menudo hay imágenes que son borradas de las fotografías que se hacen públicas. Su gobierno funcionaba como un “devorador de la memoria”.

El propio director ha vivido en Leningrado y en San Petersburgo, ha viajado mucho y quedó muy impresionado por la tragedia de la memoria colectiva en la antigua URRSS.

Uno de los recursos favoritos de Figueres es filmar “bodegones”, le gusta extraer recuerdos y emociones de la naturaleza muerta, de meros objetos, consiguiendo así hacer un discurso transgresor.

Han sido cuatro años de trabajo y aunque es consciente de que probablemente no la verá mucha gente sí espera que lo hagan en el futuro ya que en su opinión una película “tiene vida propia”. Lo más inteligente es proyectarla en salas de autor para dejar que la película “respire” y de tiempo a que funcione el boca a boca.

Para consultar la crítica de la película pulsa aquí.  
 

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

 

Un grupo de teatro ensaya una versión de “12 hombres sin piedad” cuando los interrumpe una alarma.  Nos encontramos dentro de la prisión de Quatre Camins y la señal indica el aislamiento de los módulos. El grupo, integrado por seis presos y ocho personas del exterior, permanecerá aislado por una epidemia de origen desconocido. La falta de información y el temor a un posible contagio pondrá a prueba su fortaleza y cambiará para siempre sus vidas. El individuo frente al grupo, ¿Inocentes o culpables?

Sobre la presentación de la película:

Manuel Pérez, director de “Frontera” nos revela que efectivamente el grupo de teatro de la cárcel de Cuatro Caminos que aparece en la película es completamente real. Seis de los actores que trabajan en la película pertenecen a dicho grupo y a su vez interpretan el papel de presos pero sin que su personaje sea exactamente como se les describe.

La intención era mostrar un centro penitenciario desde dentro y captar el impacto que provoca a los que vienen de fuera. Para ello fue necesario un largo proceso de preparación y rodaje. Las líneas a seguir estuvieron claras desde un principio: un espacio cerrado, un incidente que provoca dicho encierro, etc. Las conversaciones con ellos les guiaron para dar forma a la trama.

El grupo de teatro TransFormas lleva ocho años funcionando gracias al empeño de Eva García (Olga en la película) y trabajan con obras ambiciosas que se muestran al público. Cuando les fue ofrecido el proyecto de hacer la película aceptaron inmediatamente pero siempre manteniendo su estándar de calidad. Así durante cuatro semanas todo el equipo cinematográfico se trasladó a la prisión “traspasando la frontera”.

Una reflexión interesante que la película plantea es que cualquiera de nosotros podría ir a parar a la cárcel si sencillamente hubiese seguido un camino diferente en la vida. Era importante remarcar que son “personas presas”, no “presos”. Una vez encerrados se descubre que todos somos iguales, y es algo que pudieron constatar al pasar todo un año trabajando con ellos.

“Frontera” ha tenido muy buena acogida en el Festival de Málaga, en el de Toulouse, Costa Rica y otros. Se estrena en bastantes salas a lo largo de todo el país, lo cual es todo un mérito para una película en la que no aparece ningún rostro conocido.

Para consultar la crítica de la película pulsa aquí.

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

Centro Cultural de la Villa. Teatro Fernán Gómez

Presenta

 El divorcio de Fígaro

 Del 6 de noviembre al 1 de diciembre de 2013

Sala Dos

 Versión y dirección de Alfonso Lara

Un espectáculo que aborda, con una lectura abierta y llena de lucidez, la lucha del individuo frente a la sociedad. El divorcio de Fígaro retoma los personajes de Beaumarchais y, con un poco de serrín y sangre, una buena dosis de humor y un mucho de inteligencia los lanza a la vorágine de un mundo loco y cruel. Aquí se habla de revoluciones, emigrantes, envidias, amor,… Un texto visionario, de plena actualidad.

Sobre la presentación de la obra:

Alfonso Lara, acompañado por el resto de la compañía, ha presentado este espectáculo que gira en torno a tres temas de gran vigencia y actualidad: la revolución, la emigración y, como no, el amor.

Alfonso Lara, adaptador del texto y director del montaje, se mostró encantado de que el Fernán Gómez (un teatro público) les haya abierto las puertas y cedido su espacio. Culmina así un proceso de seis años, desde que leyó por primera vez “El divorcio de Fígaro” de Odon Von Horvath, un autor de referencia en Europa. Además tuvo la oportunidad de ver un montaje de esta obra en París con un gran aparataje escénico, muy diferente al suyo. El personaje de Fígaro es un arquetipo del pícaro que hoy podríamos definir de anarquista-humanista, nos revela mucho acerca de la cara tenebrosa de la sociedad.

En la actual representación trabajan siete actores, varios de ellos interpretan dos, y hasta tres personajes. Lara asegura que todos ellos defienden la obra con el corazón y que de algún modo se han dejado llevar y le han seguido. No es amigo de añadir cosas superfluas en la puesta en escena. Aparte de contar con un presupuesto ajustado, se ha marcado algunas pautas: la primera gran referencia es el circo (un espectáculo emigrante y mestizo que embellece la pobreza) y la segunda los años treinta (aunque permitiéndose ciertas licencias). Todo el escenario está articulado en torno al sillón de barbero de Fígaro, convertido cuando llega el caso en un auténtico trono de la revolución.

En esta obra quería el director imprimir un cierto componente de fantasía y de ahí la estética circense. Lara se confiesa devoto de la realidad pero no del realismo. También se ha dado el gusto de cerrar algunos cabos sueltos sobre el destino de algunos personajes y se permite explicar cosas que en la obra original se quedan un poco en el aire. Se emplean transiciones para poder contar varias tramas a la vez. Ha sido una gran labor de “corta y pega” y adaptación. Si se hubiera querido representar el texto íntegro la representación duraría más de cuatro horas.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013.