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viernes, 15 de noviembre de 2013

El miércoles, 13 de noviembre, ha tenidolugar en Madrid la rueda de prensa de la película “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS” con la presencia de sus principales protagonistas, los actores Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson y Liam Hemsworth, el director Francis Lawrence y la productora Nina Jacobson. 

SINOPSIS: Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) vuelve a casa sana y salva tras ganar los Septuagésimo Cuartos Juegos del Hambre junto a su tributo Peeta Mellark (Josh Hutcherson). Ganar significa tener que dejar atrás a familia y amigos, y embarcarse en la “Gira de la Victoria” por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que una rebelión comienza a gestarse, pero en el Capitolio continúa todo bajo control mientras el Presidente Snow (Donald Sutherland) organiza los Septuagésimo Quintos Juegos del Hambre (El Vasallaje), una competición que cambiará Panem para siempre… 

“LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS” se estrenará a nivel mundial el 22 de noviembre de este año. La esperada adaptación cinematográfica de la segunda novela de la saga escrita por Suzanne Collins está coprotagonizada por Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Sam Claflin, Jena Malone, además de Stanley Tucci y Donald Sutherland.

Tras el estreno de “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS”, el 22 de noviembre de este año, las dos últimas entregas de la saga, “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE I”, y “LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE II”, se estrenarán el 21 de noviembre de 2014 y el 20 de noviembre de 2015, respectivamente.

Comentario: 

Francis Lawrence, director de la película, afirma que es la primera vez que se enfrenta al hecho de dirigir una segunda entrega de una saga no habiendo dirigido él la primera. Asegura que siempre es difícil entrar de lleno en una secuela, ha sido un auténtico reto. Se sentó a pensar y desde el principio tuvo claro que quería tener libertad creativa, cosa que logró gracias, según él, al maravilloso elenco de actores, tan talentosos como buenas personas. La historia de esta segunda parte permite mostrar mucho más sobre el mundo descrito en la anterior y las relaciones emocionales entre los personajes se vuelven más profundas.

Ante todo “Los juegos del hambre” trata de mostrar las consecuencias de la guerra y cómo a veces se necesita la figura de un héroe que a menudo se idealiza. En ningún momento la productora le pidió que suavizara los contenidos violentos de la historia ya que lo único que pretendía con ellos era conseguir un gran impacto emocional que el público pudiera sentir. Recurrió a su creatividad para evitar imágenes que pudieran ser repulsivas. No se recurrió al 3D porque no les pareció necesario para la historia pero sí escogieron el formato Imax para desplegar los escenarios de la arena y la jungla, aunque ha sido un trabajo engorroso y bastante aparatoso, los resultados son más que satisfactorios. 

Jennifer Lawrence, la protagonista, explica que su personaje en principio es muy introvertida pero que en ocasiones se muestra más emotiva. Es un reto interpretar alguien así porque te exige controlar mucho las expresiones. Le encanta la popularidad que ha alcanzado y que sus fans la llamen la J-Law del pueblo. Por otra parte se siente identificada con su personaje en el aspecto de que ambas se hacen famosas de pronto y notan el hecho de que, aunque sigues siendo la misma persona, incluso la gente que te conocía de antes ya no te trata igual. Es posible que la juventud actual necesite una heroína así.

Para ella la película tiene varios mensajes sobre la familia, el amor y el valor. La misma historia se repite en el mundo real, en el que a menudo hemos de luchar por la libertad y es importante constatar cuan poderosa puede ser una sola voz en la sociedad gracias a los medios de comunicación de que disponemos hoy día.

Josh Hutcherson, otro de los protagonistas, confiesa que su papel le ha emocionado y que esta película es aún mejor que la anterior. Como actor dice estar dispuesto a hacer cosas distintas e incluso en un futuro se ve también como guionista, director o productor. Para él la secuencia más dura de rodar fue la lucha contra el mono, que les llevó siete días para grabar lo que en el libro se narra en una página y media. Se trata de una secuencia con muchos efectos visuales y una coreografía realmente agotadora. También lo pasaron mal en otra escena en la que se aferraban a un artefacto que no paraba de dar vueltas, allí, como bien apuntó Jennifer, lo difícil fue no vomitar. Para Liam Hemsworth en cambio lo más duro fue la escena en la que recibía los latigazos, que al parecer gustaron a todos menos a él.

Por último la productora Nina Jacobson expuso que “Los juegos del hambre” se encuadran dentro de los llamados “futuros distópicos” y examina una visión oscura del futuro. Los conflictos bélicos en los que EEUU se involucra producen ansiedad en la gente y a la vez plantea incógnitas acerca del futuro del planeta, la economía y lo que puede llegar a ocurrir si no cuidamos unos de otros. La película muestra que hay esperanza, que todas las voces cuentan y que el cambio es posible.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 
"desnu-DANDO a los CLÁSICOS"


Después de un año y medio de gira por España, SANTI SENSO vuelve a Madrid con una propuesta actoral nueva donde se experimenta con el juego de que los papeles femeninos sean interpretados por un hombre.

A Senso se le caracteriza desde hace ya 14 años por sus puestas en escena nacionales e internacionales nada convencionales, ni evidentes, si sorprendentes y transgresoras, embriagadas de verdad, donde la dramaturgia está VIVA, y son los espectadores los que dirigen la escena en lugares nada usuales para hacer teatro como son casas particulares, habitaciones de hoteles, iglesias, barcos, trasteros, molinos, cuevas, o incluso en salas y teatros.

En este  acto teatral podremos disfrutar de los secretos, de la verdadera identidad del SER de esa verdad que los autores de los textos clásicos no desvelan para protegerSE de las censuras morales de la época, pero que los propios personajes, embriagados por esos textos despiertan en ellos y ellas la necesidad de transmitir los sentimientos que les habitan y hacer de ello un acto íntimo con el deseo de compartirSE y hacer mas visible la igualdad. 

Para alcanzarlo, los actores que interpretarán a estos personajes, deberán imbuirse en el texto como arqueólogos dejando al descubierto el pudor del autor y regalándole la verdad al espectador (parientas y parientes), celebrando así el ritual de la generosidad. AceptandoSE, recibiendoSE. Pudiendo SER cualquier personaje sin tener que vestirSE, atrezarSE, producirSE. Con sus cuerpos desnudos transmitirán a las parientas y parientes ese deseo por conocerlos, por descubrir a esos escritores, que en su intimidad un día escribieron lo que hoy podemos compartir disfrutando de este acto íntimo.



  • Vicente Navarro (Julieta, Doña Inés, Ofelia y Beatrice),Santi Senso (Romeo, Don Juan, Hamlet y Dante),Cary Rosa Varona (violonchelista),José Jesús Serrano (dramaturgo). Dirección de Santi Senso


Una experiencia teatral que rompe con lo establecido para hacer sentir y vivir a los clásicos.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

miércoles, 13 de noviembre de 2013

LA BANQUETA Desde el 12 de noviembre de 2013 en el Teatro Galileo de Madrid.

Risas a carcajadas en esta comedia dirigida por Paco Mir e interpretada por dos grandes actores cómicos, Ricard Borràs y Pep Ferrer. La banqueta nos cuenta una historia divertida, refinada. inteligente e inteligible. Desde el 12 de noviembre de 2013 en el Teatro Galileo de Madrid.

Todos juntos le sacan el máximo partido a un texto fino y sutil que, entre notas musicales, risas y una pizca de poesía, induce a una reflexión sobre la amistad y el arte, sobre cómo son de vanas las relaciones humanas y sobre el esnobismo que, a veces, acompaña en demasía a los temperamentos más creativos.


El actor y director Paco Mir dirige ‘La Banqueta’, un texto divertido, refinado y sutil que describe la complejidad de las relaciones humanas en las distancias cortas y la crisis de confianza entre dos artistas en la cúspide de su carrera. Ricard Borràs y Pep Ferre interpretan a Pablo y Vladimir, dos reconocidos concertistas de piano a cuatro manos que preparan su próxima  gira por Japón en un pueblo idílico de los Alpes italianos. Llevan tocando juntos codo con codo más de veinte años, pero la calma y  el aire puro de la localidad alpina no juegan a su favor, sino todo lo contrario: la banqueta en la que reposan su anatomía, se hace cada vez más y más pequeña. 

“Si en el mundo somos casi siete mil millones de personas, hemos de reconocer que es una casualidad que dos personas se encuentren y una doble o triple casualidad que tengan los mismos intereses y que, además, quieran desarrollarlos juntos”, señala Paco Mir en referencia a este texto que se estrena el próximo 12 de noviembre en el Teatro Galileo.

“Es una casualidad, según la nada conocida ley de Möhrêns-Thurmann, que el efecto de esa proximidad diaria genere una distancia emocional entre estas dos personas, directamente proporcional al tiempo de convivencia. Y de esto habla esta obra, del deterioro de una pareja que en este caso es de pianistas pero que podría ser de astronautas, de lampistas o de cualquier otra cosa. Seguro que todos conocemos -o quizás tenemos demasiado cerca- un caso parecido; aquello de “Te quiero mucho pero, por favor, déjame en paz”, subraya el director. 

Así, lo que iban a ser unos días idílicos en los Alpes se convierten en una estancia desastrosa provocada por una crisis de confianza y de creatividad que viven los dos artistas que se verá materializada en la continua y misteriosa disminución de la banqueta que comparten.

Con una gran dosis de humor inteligente, y a la vez inteligible, uno de los grandes maestros del humor en España nos muestra en este texto cómo los fantasmas alimentados durante  décadas pueden ser nuestro peor enemigo y hacernos la vida imposible.

Personalidades contradictorias, fobias ocultas, sueños incumplidos y una gran dosis de cinismo son los elementos fundamentales de esta obra que es también en el fondo un homenaje al arte y la cultura.

Comentario:

Se ha realizado la rueda de prensa de presentación de LA BANQUETA en el Teatro Galileo de Madrid, el 12 de noviembre de 2013 en mismo día de su estreno.

Como ha comentado Paco Mir: Esta es una obra no totalmente comercial, un teatro donde ahí que escuchar, estar atento, donde el gran valor, es el valor de la palabra. La obra da vueltas a una banqueta, el autor hace una obra de teatro con el supuesto de que se encoge.

Una historia de parejas, de cualquier tipo, ya sea sentimental o de trabajo, sacan toda la mierda acumulada en sus armarios secretos. La convivencia de la pareja a través de dos pianistas, una obra fácil de hacer con solo dos personajes, con un juego interno de poderes cercano al clon, donde no hay un único poseedor de la verdad, sino que los dos se van intercambiando los papeles.

Según Ricard, cuando te enfadas mucho con las personas que más quieres, resulta muy absurdo pero lo hacemos cotidianamente.  Nuestra cotidianidad esta llena de cosas absurdos que tomamos como buenas.

Soy un enamorado del teatro francés, y al ver esta comedia, pensé que un día tenia que hacer esta obra que me pareció un homenaje a ‘Esperando a Godot’, dos personajes que están esperando. Las cosas no van bien y cada vez van a peor, pero en tono de comedia, de boulevard pero que se plantea el reto de hacer pensar al espectador. Ricard nos confiesa que tuvo muchos problemas para producir esta obra pero gracias a Paco Mir que tiro para adelante este proyecto se ha conseguido el objetivo de estrenarla.

Pep , me llamo Ricard para hacer esa obra, con un personaje optimista que vive la vida, él es el pesimista y el tercer personaje que es la banqueta que produce que esa relación sea una bomba.

Paco adapto a la realidad Española la obra, los franceses tienen un punto más ‘pedante’ que se ha eliminado para resaltar el humor, es la primera función que se estrena en castellano, y va a formar parte del programa platea. Se estreno a finales de junio en Barcelona después de dos meses de ensayo, con buenos resultados, esperamos que siga funcionando bien.

Para los que tengáis interés en leer la crítica, pulsar aquí.
 
Una producción de Botarga y Vania
Autor Gérald Sibleyras
Adaptación Paco Mir
Traducción Ricard Borràs
Dirección Paco Mir
Ayudante de dirección Gilbert Bosch
REPARTO
Ricard Borràs- Vladimir
Pep Ferrer- Pablo
FICHA TÉCNICA / ARTÍSTICA
Diseño estenografía Paula Bosch
Construcción escenografía Taller d’Escenografía Sant Cugat
Confección Ciclorama Let’s Go Print
Construcción banquetas Hidrau Model
Muebles Hogardecora.com
Vestuario Anna Güell
Smokings Smoking
Intérprete Violonchelo Manuel Martinez del Fresno
Diseño iluminación Justo Gallego
Producción ejecutiva Liza Frediani
Fotografía  Ariel Bercovich
Diseño Gráfico Pixel
Dirección de arte  Sergio Gordones
Cartelería  Multicopy Grafic
Atrezzo Violonchelo Xavier Vidal i Roca Luthier
Atrezzo Partituras  Casa Beethoven


Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

domingo, 10 de noviembre de 2013

EL EFECTO K.
EL MONTADOR DE STALIN
 

Después de una larga carrera por festivales de cine de todo el mundo, llega a las pantallas de cine de toda España la aclamada cinta de Valentí Figueres EL EFECTO K. EL MONTADOR DE STALIN.

EL EFECTO K es a la vez una historia de aventuras, un cuento mítico sobre el cine, la leyenda de una amistad, el mito del héroe y su descenso a los infiernos. Esta es la historia de un actor-espía que al final supo decirle NO a Stalin.

Se basa en el experimento cinematográfico de Lev Kulechov en 1922 sobre el significado de la imagen y su valor. Nos habla de la memoria/verdad y de cómo puede ser modificada y suprimida. Maxime se enfrentará a este dilema, manipular sus propios recuerdos y crear un nuevo significado de los hechos que vivió. 


Sobre la presentación de la película:
 
Valentí Figueres, el director, nos introduce al interesante experimento que es su película explicándonos como en los años veinte es cuando se produce la diferenciación entre el llamado “cine ojo” y el “cine dedo”. Es decir, cuando la cámara se limita a filmar la realidad tal cual y cuando se realiza un trabajo de ficción. En el caso de “El efecto K” hay un cuarenta por ciento del primer tipo y un sesenta por ciento del segundo.

La ardua labor de rescate realizada para la ocasión recoge cintas en las que muchos españoles en el exilio filmaron sus películas para recordatorio personal y hoy han acabado convertidas en documentos históricos. En “El efecto K” hay una gran dualidad: realidad y ficción, dos naciones, dos familias, dos amigos… etc.

Ha funcionado muy bien  a nivel internacional pese a ser difícil y compleja, no da respuestas sino que plantea preguntas intelectuales activando la mente del público. El protagonista es en sí mismo un compendio de al menos quince personajes, que fueron quienes realmente hicieron todas las proezas que se narran. La película demuestra como el montaje puede de alguna forma “construir la realidad”. En la Unión Soviética de Stalin a menudo hay imágenes que son borradas de las fotografías que se hacen públicas. Su gobierno funcionaba como un “devorador de la memoria”.

El propio director ha vivido en Leningrado y en San Petersburgo, ha viajado mucho y quedó muy impresionado por la tragedia de la memoria colectiva en la antigua URRSS.

Uno de los recursos favoritos de Figueres es filmar “bodegones”, le gusta extraer recuerdos y emociones de la naturaleza muerta, de meros objetos, consiguiendo así hacer un discurso transgresor.

Han sido cuatro años de trabajo y aunque es consciente de que probablemente no la verá mucha gente sí espera que lo hagan en el futuro ya que en su opinión una película “tiene vida propia”. Lo más inteligente es proyectarla en salas de autor para dejar que la película “respire” y de tiempo a que funcione el boca a boca.

Para consultar la crítica de la película pulsa aquí.  
 

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

 
Un grupo de teatro ensaya una versión de “12 hombres sin piedad” cuando los interrumpe una alarma.  Nos encontramos dentro de la prisión de Quatre Camins y la señal indica el aislamiento de los módulos. El grupo, integrado por seis presos y ocho personas del exterior, permanecerá aislado por una epidemia de origen desconocido. La falta de información y el temor a un posible contagio pondrá a prueba su fortaleza y cambiará para siempre sus vidas. El individuo frente al grupo, ¿Inocentes o culpables?

Sobre la presentación de la película:

Manuel Pérez, director de “Frontera” nos revela que efectivamente el grupo de teatro de la cárcel de Cuatro Caminos que aparece en la película es completamente real. Seis de los actores que trabajan en la película pertenecen a dicho grupo y a su vez interpretan el papel de presos pero sin que su personaje sea exactamente como se les describe.

La intención era mostrar un centro penitenciario desde dentro y captar el impacto que provoca a los que vienen de fuera. Para ello fue necesario un largo proceso de preparación y rodaje. Las líneas a seguir estuvieron claras desde un principio: un espacio cerrado, un incidente que provoca dicho encierro, etc. Las conversaciones con ellos les guiaron para dar forma a la trama.

El grupo de teatro TransFormas lleva ocho años funcionando gracias al empeño de Eva García (Olga en la película) y trabajan con obras ambiciosas que se muestran al público. Cuando les fue ofrecido el proyecto de hacer la película aceptaron inmediatamente pero siempre manteniendo su estándar de calidad. Así durante cuatro semanas todo el equipo cinematográfico se trasladó a la prisión “traspasando la frontera”.

Una reflexión interesante que la película plantea es que cualquiera de nosotros podría ir a parar a la cárcel si sencillamente hubiese seguido un camino diferente en la vida. Era importante remarcar que son “personas presas”, no “presos”. Una vez encerrados se descubre que todos somos iguales, y es algo que pudieron constatar al pasar todo un año trabajando con ellos.

“Frontera” ha tenido muy buena acogida en el Festival de Málaga, en el de Toulouse, Costa Rica y otros. Se estrena en bastantes salas a lo largo de todo el país, lo cual es todo un mérito para una película en la que no aparece ningún rostro conocido.

Para consultar la crítica de la película pulsa aquí.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

Centro Cultural de la Villa. Teatro Fernán Gómez
Presenta
 El divorcio de Fígaro

 Del 6 de noviembre al 1 de diciembre de 2013
Sala Dos
 Versión y dirección de Alfonso Lara

Un espectáculo que aborda, con una lectura abierta y llena de lucidez, la lucha del individuo frente a la sociedad. El divorcio de Fígaro retoma los personajes de Beaumarchais y, con un poco de serrín y sangre, una buena dosis de humor y un mucho de inteligencia los lanza a la vorágine de un mundo loco y cruel. Aquí se habla de revoluciones, emigrantes, envidias, amor,… Un texto visionario, de plena actualidad.


Sobre la presentación de la obra:

Alfonso Lara, acompañado por el resto de la compañía, ha presentado este espectáculo que gira en torno a tres temas de gran vigencia y actualidad: la revolución, la emigración y, como no, el amor.


Alfonso Lara, adaptador del texto y director del montaje, se mostró encantado de que el Fernán Gómez (un teatro público) les haya abierto las puertas y cedido su espacio. Culmina así un proceso de seis años, desde que leyó por primera vez “El divorcio de Fígaro” de Odon Von Horvath, un autor de referencia en Europa. Además tuvo la oportunidad de ver un montaje de esta obra en París con un gran aparataje escénico, muy diferente al suyo. El personaje de Fígaro es un arquetipo del pícaro que hoy podríamos definir de anarquista-humanista, nos revela mucho acerca de la cara tenebrosa de la sociedad.

En la actual representación trabajan siete actores, varios de ellos interpretan dos, y hasta tres personajes. Lara asegura que todos ellos defienden la obra con el corazón y que de algún modo se han dejado llevar y le han seguido. No es amigo de añadir cosas superfluas en la puesta en escena. Aparte de contar con un presupuesto ajustado, se ha marcado algunas pautas: la primera gran referencia es el circo (un espectáculo emigrante y mestizo que embellece la pobreza) y la segunda los años treinta (aunque permitiéndose ciertas licencias). Todo el escenario está articulado en torno al sillón de barbero de Fígaro, convertido cuando llega el caso en un auténtico trono de la revolución.

En esta obra quería el director imprimir un cierto componente de fantasía y de ahí la estética circense. Lara se confiesa devoto de la realidad pero no del realismo. También se ha dado el gusto de cerrar algunos cabos sueltos sobre el destino de algunos personajes y se permite explicar cosas que en la obra original se quedan un poco en el aire. Se emplean transiciones para poder contar varias tramas a la vez. Ha sido una gran labor de “corta y pega” y adaptación. Si se hubiera querido representar el texto íntegro la representación duraría más de cuatro horas.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

 

jueves, 31 de octubre de 2013

David Trueba, Javier Cámara y Natalia de Molina han presentado el martes 29 de octubre de 2013 en rueda de prensa “Vivir es fácil con los ojos cerrados”, en el salón de actos del Museo Thyssen-Bornemisza. La película llegará a los cines dos días después, el jueves 31 de octubre.

Javier Cámara, Natalia de Molina y Francesc Colomer interpretan a los tres personajes principales de esta historia en la que se cruzan sus vidas, sueños, inquietudes y luchas personales en la España de los años sesenta. Les acompañan en el reparto Ramón Fontseré, Rogelio Fernández Espinosa, Jorge Sanz y Ariadna Gil.

‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ es una de las frases de “Strawberry Fields Forever”, canción compuesta por John Lennon en Almería durante su estancia para participar en el filme "Cómo gané la guerra" de Richard Lester.

La banda sonora ha reunido a dos auténticas leyendas del jazz contemporáneo: Charlie Haden y Pat Metheny han compuesto en Los Ángeles la música de la película, siendo la primera vez que se unen para una BSO aunque ambos, por separado, habían colaborado en otros filmes.

“Vivir es fácil con los ojos cerrados” es una producción de FERNANDO TRUEBA P.C., con la colaboración de TVE y CANAL+ y distribuida por UNIVERSAL PICTURES INTERNATIONAL SPAIN. 

Comentario:

David Trueba nos revela un interesante secreto profesional: su truco consiste en dejarse llevar sin planificar demasiado de antemano el trabajo sino concentrándose en cada escena. Para él el director es quien está al servicio de los actores y no al revés como entienden otros. 

Para esta película se ha rescatado numeroso material fotográfico de los años sesenta que han supuesto una valiosísima ayuda para el vestuario y la decoración. Una importante recomendación que le dio al reparto fue que hablaran con personas que hubiesen vivido aquella época para impregnarse del espíritu que reinaba entonces, en un intento vital por ir más allá de la mera estética y llegar hasta el carácter de aquella década.

La melancolía que impregna la película es la propia de la gente joven que no suelen ser conscientes del momento trascendental que viven hasta que éste ya ha pasado. En cualquier caso el objetivo es mostrar que ninguna época es fácil y que cada generación tiene que luchar por hallar su sitio. Hay componentes reales en la historia como aquel profesor que acudió a Almería para conocer personalmente a Lennon durante el rodaje de su película en la provincia andaluza. Y a nivel anecdótico el director nos cuenta que su propio hermano se fue tres días de casa por no querer cortarse el pelo, cosa que también le sucede a uno de los protagonistas.

Javier Cámara interpreta el personaje principal y tuvo la feliz idea de invitar al preestreno a un tío suyo que tenía la misma edad que su personaje en el período en que está ambientada la película. Su tío quedó encantado y le dijo “Es el personaje más bonito que has hecho en tu vida”. A pesar de todo también insiste en que “Vivir es fácil con los ojos cerrados” también habla sobre el presente en cierto modo. En los sesenta surgió una generación que hizo mucho por nosotros y esta película es también un homenaje a todos aquellos actores y educadores.

Tuvo la oportunidad de conocer personalmente a aquel profesor de inglés que fue a ver al Beatle y le impactaron su idealismo y su tozudez. Le mostró su diario de aquellos días y los cuadernos con las letras de las canciones corregidas a color. El viejo profesor se mostró muy complacido por su buen nivel de inglés. Por otro lado Javier Cámara, que lleva un año intenso con nada menos que cinco películas rodadas, asegura que ésta es la que menos se preparó pero también es la más pensada. Consiguió sacarla adelante y disfrutarla añadiendo al personaje “su propio viaje”.

Natalia de Molina se muestra más que satisfecha del que es su primer trabajo cinematográfico. Lo primero que Trueba le dijo fue que viese la película checa “Los amores de una rubia” para que asimilara el tono que quería imprimirle a su película. Al principio tuvo miedo de verse entre profesionales de tanta talla pero conocer a Javier Cámara fue, según sus palabras, maravilloso por resultar tan natural y tan humano. Al final del rodaje todos eran ya como una familia. El miedo fue desapareciendo y en su lugar surgieron la confianza y la ilusión. Cuando el director le preguntó cómo había conseguido aquello ella simplemente respondió: “Es que tenía muchas ganas”.



Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, noviembre 2013. 

martes, 29 de octubre de 2013


FITmadrid  2013

Festival Iberoamericano de Teatro de Madrid



Primera edición de este punto de encuentro que reúne a compañías españolas e iberoamericanas con espectáculos en torno a las artes escénicas. Representaciones teatrales, montajes y una gran oferta de actividades complementarias conforman el programa del certamen.

Organiza: laClac arts management
Colaboran: FIT de Cádiz, CBA

Del ya conocido Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, surge este año en Madrid la primera edición de la muestra de Teatro Iberoamericano en Madrid: el I FIT Madrid 2013. El evento ha tenido lugar los días 26, 27 y 28 de octubre’13 en el  Círculo de Bellas Artes.

3 días 6 compañías latinoamericanas & españolas. Vanguardia-Texto-Sombras & Títeres-Visuales-Danza. Una pequeña muestra del Mejor Teatro Iberoamericano en Madrid. 

Ante la necesidad de dar la difusión y presencia a las compañías latinoamericanas, y de cuidar las relaciones entre ambas culturas se incrementa la presencia de este Festival ampliando a Madrid una pequeña parte de su programación.

Las compañías que se darán cita son: 

Compañías Latinoamericanas : 
- MTM Teatro de Muñecos, Costa Rica.
- La Maldita Vanidad, Colombia.
- Denise Despeyroux & Fernanda Orazi, Argentina. 

Compañías Españolas : 
- Karla Kracht & Andrés Beladiez.
- Cía. Con R@stro.
- Cía. Paula Quintana. 

Encuentro de Investigación teatral 
- Cruce de Criterios. 

Otras actividades:
  • Presentación libro: “Alicia Alonso o la eternidad de Giselle”. Participan: Mayda Bustamante (autora), Alicia Alonso, José Carlos Martínez (CND)
  • Exposición: “Omnipresente” Pedro Sega, Brasil. 

 
Presentación del FIT en Madrid. Foto cedida por el FIT.


PROGRAMA 

Odisea (Costa Rica)

Odisea Espectáculo basado en el poema épico de Homero. Se trata de una versión para muñecos dirigida a un público adulto.

Comentarios sobre la obra.


Los autores materiales (Colombia)

Los autores materiales Inspirada en la película La soga de Alfred Hitchcock y tomando como punto de partida un asesinato, esta obra indaga en los comportamientos que se guían por la intolerancia y la violencia.


La realidad (Argentina y Uruguay)

La realidad Andrómeda acepta el reto de suplantar a su gemela Luz, que habita en un remoto lugar de India y está a punto de morir. Denise Despeyroux ejecuta, con esta obra, un sencillo tratado filosófico sobre la existencia. 

Más información sobre la obra.


Zoomwooz (España)

Zoomwooz Espectáculo que aúna vídeo y performance, y que aborda, mediante el uso de técnicas de live cinema, la posición del individuo en la sociedad.

Comentarios sobre la obra.


Punto muerto (España)

Punto muerto Un hombre se enfrenta, a solas, en el servicio de la empresa donde trabaja, a una pregunta crucial: “¿Es hoy el día de acabar con todo?”. 

Comentario sobre la obra.


Exposición Omnipresente: más allá de los escenarios

Exposición El ilustrador Pedro Sega se inició en el street art en 2006. Su especialidad son los murales y thrown up. 

Encuentro de investigación teatral Cruce de criterios

Encuentro que expresa la voluntad del FIT de abrir renovados espacios para la reflexión en torno a los procesos creadores. 

Pieles (España)

Pieles Una chaqueta es el detonante de esta historia, que ahonda en la piel como símbolo de los sentidos, los instintos y las emociones en conflicto. 




Presentación libro: Alicia Alonso o laeternidad de Giselle”.  

 
Foto: © Estrella Savirón (Agolpedeefecto.com) Presentación del libro MÁS ALLÁ DEL ESCENARIO: EL BALLET MUERTE DE NARCISO DE ALICIA ALONSO en los Teatros del Canal.



Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

sábado, 19 de octubre de 2013


3 en Impro del 18 de octubre al 15 de noviembre de 2013 en el Teatro Bellas Artes de Madrid.

3 en Impro es más que un espectáculo, es una fiesta en mitad de la noche. 

Una fiesta irrepetible donde la música, la risa y el público son los protagonistas. Forma parte del espectáculo más divertido poniendo el título más original que se te ocurra y lanzando peluches a los actores.

¡Un espectáculo en el que ni nosotros sabemos lo que va a ocurrir cada noche!

 Un espectáculo formado por 3 Improvisadores dispuestos a todo para recoger las ideas más locas del público y crear en el momento algo único e irrepetible. Haciendo posible lo imposible Impro-ImpAr propone un espectáculo que se hace más difícil, más divertido, más arriesgado a cada momento.

Los peluches  forman parte del espectáculo de Improvisación “3 en Impro”, de la Compañía Impro Impar, en un espectáculo de lo más gamberro.

Tras un año con su montaje en La Escalera de Jacob, se trasladaron al Arlequín para ofrecer una propuesta más gamberra, una auténtica fiesta de la Impro, donde las risas y la participación del público están garantizadas. Y sobre todo peluches, con los que los espectadores podrán manifestar aquellas cosas que les gustan más o menos del espectáculo, lanzándolos en cualquier momento.

Ahora empiezan la temporada en el Teatro Bellas Artes donde 400 peluches, son los nuevos inquilinos del patio de butacas, aunque como los miembros de Impro Impar afirman, también el público puede venir con sus peluches traídos de casa, si quieren munición extra para lanzar a lo largo del espectáculo.

La participación del público una vez más es la clave del espectáculo. No sólo por usar los títulos que el público escribe a la entrada,  con los que estos actores realizan escenas sin guion previo, sino además porque es el mismo público es quien participa en algunas de estas improvisaciones, siendo el verdadero protagonista.

Fuente: 3 en impro de la compañía de Teatro Impro Impa.



Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 
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