“El chico de la última fila” es una obra sobre maestros y discípulos; sobre padres e hijos; sobre personas que ya han visto demasiado y personas que están aprendiendo a mirar. 

Una obra sobre el placer de asomarse a las vidas ajenas y sobre los riesgos de confundir vida y literatura. Una obra sobre los que eli­gen la última fila: aquella desde la que se ve todas las demás.

En el Teatro Galileo de Madrid (C/Galileo, 39) Del 16 de octubre al 10 de noviembre de 2013.

Juan Mayorga, el autor, se muestra feliz e incluso emocionado de que su obra se represente precisamente en el barrio donde él se crió, ya que cuenta la historia de un niño que pasa a ser hombre, justo lo que él mismo ha experimentado allí. “El chico de la última fila” está siendo una obra de larga duración, no solo por la magnífica película realizada en Francia sino también por las constantes representaciones en numerosos países. Desde su estreno en octubre del 2006 se han llevado a cabo once montajes profesionales y varios más que están actualmente en proyecto. Según su criterio no existe una puesta en escena definitiva pero la que se está representando ahora en Madrid le parece realmente excelente.

Es un texto tremendamente imaginativo que hará que el espectador asocie imágenes ya que los seis actores convocan la complicidad del público. Además valora mucho el trabajo que realizan codo con codo todos los miembros de la compañía y la generosidad con que se escuchan unos a otros ofreciendo siempre algo a los demás.

En opinión de Mayorga, la obra continúa interesando porque trata sobre la escuela y la familia, siendo ambos un lugar de encuentros y desencuentros, logrando que el espectador encadene su propia experiencia. La imaginación es el nervio de la vida y el núcleo de “El chico de la última fila” es la capacidad de imaginar la vida tanto dentro como alrededor, el impulso creador de imaginar las vidas ajenas. Y muestra al mismo tiempo la formación de un escritor.

También señala el autor la originalidad de este nuevo montaje porque todos los actores están constantemente en escena turnándose en la acción y ofreciendo un punto de vista al mismo tiempo que el público puede tener el suyo. En algunos momentos se dan distintos planos de realidad e imaginación a la vez, pero todo magistralmente hilvanado ya que la elocuencia de los actores permite transformar el escenario en lo que sea.

Miguel Lago, intérprete del profesor, considera “El chico de la última fila” como una obra maestra de la literatura contemporánea española que incita al debate y que curiosamente debutó antes en Francia que en nuestro país. Pese a las dificultades que atraviesa actualmente el teatro profesional, se les abrió una puerta gracias a este texto  que engancha y dice tantas cosas. Lago espera que en el futuro sea recordado como la obra maestra que sin duda es.

Oscar Nieto San José, el protagonista y nueva incorporación a la compañía, reconoce que anteriormente solo tenía algunas nociones sobre su personaje y que cuando tuvo la oportunidad de enfrentarse a él descubrió que tenía su lado siniestro pero en realidad era como tantos otros. Esos que se esconden en la última fila para no mostrarse pero que en realidad podrían ser y son como cualquiera de nosotros.

 

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

Teatro Fernán Gómez presenta

LA ISLA DE LOS ESCLAVOS  

de Pierre de Marivaux. COMPAÑÍA: Venezia Teatro. Del 10/10/2013 al 03/11/2013.

José Gómez dirige La Isla de los esclavos, con Paloma Rodera, su ayudante de dirección, y los actores Antonio Lafuente, Borja Luna y Ana Mayo todos ellos han creado la compañía Venezia Teatro que presenta en el Teatro Fernán Gómez de Madrid su segundo montaje.

Una original escenografía y vestuario que se asemeja a una isla redonda cuyo espacio es un tablero de ajedrez donde se separa el blanco y negro, el señor y el esclavo, el bien y el mal….

El esclavo se pone en la piel del señor y el señor en la piel del esclavo, y desde estos nuevos papeles evolucionan para darse cuenta de la responsabilidad de sus actos en cada momento de la vida y las repercusiones en aquellos que les rodean.

Una interesante reflexión sobre el poder y la falta de él en una época muy lejana (Grecia antigua) y a la vez con un mensaje muy actual.

Sobre el autor

Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux nace en París un 4 de febrero de 1688. Su obra más conocida es El Juego del Amor y del Azar estrenada de 1730, dramaturgia muy bien sostenida que acaba siendo referente en la historia de la Comedia Francesa. De dramaturgia ágil, ligera, a veces rozando la expresión contemporánea, Marivaux nos propone textos donde existe una combinación muy interesante entre los profundos mensajes de su obra y la liviandad de su manera de contarlos.

Esta compañía ya estuvo el pasado año en la Sala Dos del Teatro Fernán Gómez con el montaje La hostería de la posta, espectáculo que tuvo una gran acogida de prensa y público. 

Sobre la Obra

En esta Isla de los Esclavos nos encontramos con un espacio mágico, inventado al que van a naufragar nuestros protagonistas. Trivelín, señor de la isla, comunica a nuestros desafortunados señores (Ifícrates y Eufrosina) que deberán cambiar los roles con sus sirvientes (Arlequín y Cleantis), pues esta es la característica de la isla de los esclavos. Con este cambio de roles, inicio potentísimo de la comedia, se desarrolla la dramaturgia en torno al poder y cómo la adquisición del mismo cambia nuestro comportamiento.

Marivaux no sitúa a los protagonistas viniendo de Atenas aleatoriamente. Personajes que vienen de la sociedad conocida más desarrollada y cuna de la Democracia. Los personajes reflexionan con sus acciones (y lo que es más importante hacen reflexionar mediante el divertimento al espectador) y a través de las pasiones características de la dramaturgia de la época se desarrolla el conflicto.

Sobre la lectura

Venezia teatro, en este segundo montaje hace una intervención sobre el texto más importante y con mayor peso que en su anterior montaje con objeto de completar al estilo de su autor la dramaturgia, cuyo final está precipitado. En Venezia nos hacemos una serie de preguntas en torno a la idea de poder, a la adquisición del mismo y a cómo modifica los roles y comportamientos cuando uno accede a este estado. Tenemos personajes que antes poseían este poder y se ven despojados de él, hay personajes que no lo tenían y se ven de repente colmados del mismo. Y tenemos a un personaje observador que se vuelve casi titiritero del resto de los personajes. Por lo tanto se crean las líneas necesarias para establecer múltiples lecturas sobre la obra dependiendo de los puntos de vista asumidos por los personajes.

Queremos que se reflexione sobre qué consecuencias tiene la acumulación de poder en unos pocos, sobre el falso concepto de democracia que impregna nuestra sociedad, que como dice Faucault viene como resultado del establecimiento de una sociedad panóptica que se basa en “Vigilar y Castigar”. ¿Es la democracia actual tal y como la conocemos una verdadera repartición de poder en el pueblo? ¿Es necesaria la acumulación de poder en unos pocos como se viene viendo a lo largo de tantos siglos? 

 

Sobre la dramaturgia

La creación de nuevas escenas responde a la necesidad a gritos del texto de ser completado. Las escenas creadas completan por un lado la acción de sus personajes y sobre todo su plan, su psicología y sus motivaciones, haciéndolos más cercanos al espectador contemporáneo. Porque el texto clásico se caracteriza por la cercanía al oyente de hoy en día debido al carácter universal de los temas. Las referencias que se enlazan desde el tema principal de la obra a esta nueva dramaturgia son Shakespeare (La tempestad, Julio César), Strindberg (Un enemigo del pueblo), o Chéjov (El jardín de los cerezos o Tío Vania); así como obras filosóficas: Utopía de Tomás Moro.

Con esta dramaturgia conseguimos otro objetivo muy importante: Poder aprovecharnos de la fusión de un estilo de interpretación más clásico (trabajo de estilo basado en la precisión en la forma y en la palabra, característico de la Compañía de Teatro Venezia) y un estilo que se acerca más al postdramático: rotura del lenguaje según la conveniencia de la lectura que queremos que haga el espectador.

Estética

Esta idea aplicada a la dramaturgia también se ve contaminada al vestuario y el espacio, Basado en la limpieza de formas y líneas, así como de tonalidades para focalizar la atención del espectador en la acción interna del actor, la estética de la obra se plantea como una fusión entre elementos clásicos (que en esta obra nos ambientan a la cultura clásica de la Grecia Antigua) y elementos contemporáneos que nos van a ayudar a que el espectador pueda aplicar la lectura de la obra a hoy en día.

LA COMPAÑÍA

Jose Gómez, actual director de Venezia Teatro, pone en marcha La Hostería de la Posta en 2012 tras licenciarse en la Resad y completar su formación en Bielorusia y Portugal. Entre el elenco y el equipo artístico del que se rodea nace un entendimiento fuera de lo común, por lo que varios componentes deciden, después de su paso por el Teatro Fernán Gómez, establecerse como compañía.

Jose Gómez junto con Paloma Rodera, su ayudante de dirección, y los actores Antonio Lafuente, Borja Luna y Ana Mayo bautizan de esta forma su nuevo lugar de encuentro creativo e intelectual como Venezia Teatro.

La línea de trabajo y las directrices artísticas y formales quedan definidas por sí mismas, siendo éstas las que les unieron tras el montaje de La Hosteria de la Posta. La necesidad de revisar el texto clásico, de carácter universal para el público asistente, junto con la depuración estilística basada en la importancia de la forma y la palabra serán el sello que Venezia Teatro se ha propuesto conseguir.

La juventud, la ilusión, la preparación y la experiencia mueven a estos artistas a elegir un modo de vida en el que el teatro, entendido como en tiempos clásicos, debe entretener y divertir pero también ser la voz de una sociedad a veces un poco adormilada, debe mover conciencias y hacer pensar, pero sin perder el gusto por lo estético, lo bello.

Ficha artística y  técnica

Elenco:

Eufresina                                          Eva García

Cleantis                                             Ana Mayo

Arlequín                                             Borja Luna

Trivelín                                               Javier Lago

Ifícrates                                              Antonio Lafuente

Escenografía y vestuario:               Sara Roma

Diseño de luces:                              Marta Cofrade

Guía didáctica:                                 Marta Cobos

Gestión de público:                         Jaime Pintor

Ayudante de dirección:                   Paloma Rodera

Dirección                                          José Gómez

Producción de Venezia Teatro



Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

Racconto  Mayumana

Mayumana llega a Madrid el 9 de octubre con Racconto, un show que reúne lo mejor de Mayumana y que cuenta con la colaboración de Andreu Buenafuente. El popular cómico y presentador ha adaptado el guión al humor español y es además la voz en off que enlazará las imágenes de vídeo y los diferentes números. Lleno de ritmo, movimiento, teatro, música, danza y humor, Racconto celebra sus 15 años de éxito en los mejores escenarios del mundo. Sin duda 8 semanas únicas e irrepetibles para volver a disfrutar con la originalidad, la frescura y la energía de todos aquellos números que han hecho de Mayumana un referente escénico de primer orden a nivel mundial.

Boaz Berman, director de la compañía, nos cuenta que tras quince años de historia de Mayumana era un buen momento para hacer recuento de su trabajo y contar un poco la historia de la formación. Para traer este espectáculo a Madrid era necesaria una adaptación del texto al gusto español y en cuanto el nombre de Andreu Buenafuente estuvo sobre la mesa se pusieron inmediatamente de acuerdo.

Estarán en cartel durante tan sólo ocho semanas así que invita al público a aprovechar la oportunidad. Además afirma que cada vez que vienen a la capital española para ellos es un poco como volver a casa.

Andreu Buenafuente colabora en este espectáculo haciendo un trabajo de “customización española” como él mismo dice. No solo ha adaptado el texto y puesto su voz sino que también presta su imagen en algún momento francamente divertido. Buenafuente define a los Mayumana como un un cóctel de cuerpos y ritmo con una gran cercanía al espectador. Lo que empezó como un grupo de percusión pura, casi tribal, ha evolucionado con los años de forma asombrosa asimilando las nuevas tecnologías y tiene aún mucho que dar. “Racconto” es una fiesta para celebrar sus tres lustros de existencia.

Asegura que cuando estuvo unos días en su sede para grabar acabó convertido él también en otro adicto al ritmo. Estando con ellos en cualquier sitio, por ejemplo tomando un café, era inevitable el estar comprobando la sonoridad de la mesa. Esa pasión por el sonido es mucho más que su oficio, es una auténtica pasión. Por último también aprovechó para hacer un llamamiento al público para que apoye el teatro y se manifieste en contra de la absurda ley que les exige pagar un 21% de iva.

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

LOS HIJOS DE KENNEDY  
de Robert Patrick, en el Teatro Cofidis de Madrid, desde el 11 de octubre de 2013.

Maribel Verdu, Emma Suarez, Ariadna Gil, Fernando Cayo, y Alex García desde el escenario y bajo la batuta de José María Pou, tienden una mano al espectador y le invitan a un viaje en el tiempo en Los hijos de Kennedy por la década de los 60 (del siglo pasado), cuando todo estaba por hacer y todo era posible.

Vuelven los sesenta… otra vez

José María Pou dirige una vez más la obra de Robert Patrick que, según él, trata principalmente sobre el tema de la falta de comunicación. Trata sobre esa gente que, teniendo mucho que ofrecer, se queda sentada sin hacer nada. Los protagonistas son cinco figuras caídas de la década de los sesenta: un actor que impulsó la contracultura y el teatro underground, una aspirante a actriz que se quedó en el camino, la cronista oficial del movimiento hippie, una secretaria devota del presidente Kennedy y un pobre muchacho enviado sin miramientos a la guerra de Vietnam. A pesar de lo que pueda parecer, se trata en realidad de una obra muy divertida en la que los personajes están ya de vuelta de todo y hay un humor un tanto ácido.

El objetivo es reflejar aquella época, sin ánimo de hacer una crítica ni a la sociedad de entonces ni a la de ahora, aunque sin duda el espectador puede hacer una interesante reflexión acerca de ello. Se ha respetado fielmente el texto original haciendo una traducción respetuosa y actual a la vez, además de introducir mucha música de los sesenta. En palabras de Pou “Quizá perdimos el sueño de aquella década porque se rompió abruptamente pero sucedieron muchas cosas que marcaron todo lo que vendría después”. Figuras como Marilyn, Martin Luther King o Kennedy idealizaron aquella época y nos han dejado un legado cultural, literario y musical irrepetible.

Ariadna Gil da vida a la activista hippie y también coincide en afirmar que los personajes de la obra son arquetipos y que, pese a no haber vivido aquellos años, por suerte existe tanta información escrita, visual y musical que ha supuesto un verdadero descubrimiento para muchos de ellos. Ha tenido que sumergirse de lleno en estas referencias para sacar su personaje adelante con convicción.

Maribel Verdú afirma que los actores tienen la suerte de poder llevar a cabo esa inmersión en otras épocas diferentes a la suya. Así hoy por hoy ella se ha convertido en una verdadera experta en la guerra civil española, por ejemplo. En el caso de la década de los sesenta es un tema que realmente le apasiona por todo lo leído y todo lo que le han contado gente que la vivió. En su opinión cualquier época está viva y eso se nota en el momento en que los personajes hablan con el público.

Por su parte Fernando Cayo agradece la oportunidad de representar a un personaje tan atrevido y lenguaraz como el suyo. Habla de recuerdos en tono melancólico pero a la vez con un gran sentido del humor haciendo que su discurso vaya desde el diálogo íntimo hasta el show cabaretero. Define la obra como un espectáculo vivo y con mucha energía.

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

ESTUDIO 3. Una nueva Sala de Teatro en el centro de Madrid

 C/ Núñez de Arce, nº 11, bajo 3 (Madrid) – metro Sol y Sevilla

Tfno 91 532 27 01 – www.estudio3.org

A pesar de los tiempos de crisis y de los problemas que atraviesan muchas salas en Madrid, algunas de las cuales se han visto obligadas a cerrar, ESTUDIO 3  apuesta por el teatro y la cultura y se lanza como sala de teatro con programación estable.

Estudio 3, es una escuela de artes escénicas fundada en 1980 que apuesta por la formación integral del actor trabajando desde el cuerpo y el movimiento. Dirigida por Agustín Bellusci, cuenta con un cuadro de profesores de mucho prestigio como Sara Torres, Ángel Corpas, Fernanda Orazi y Pablo Messiez

Y para este lanzamiento como espacio escénico abierto al público han elegido la comedia

NO HAY LADRÓN QUE POR BIEN NO VENGA

de Dario Fo, premio Nobel de Literatura.

Dirección: Agustín Bellusci

Intérpretes: Arancha García- Ormaechea, David Carrasco, Marta Rodríguez, Eduardo Campos, Elena Bilbao, Oscar Villalobos y Roberto Villa

Estudio 3 (C/ Núñez de Arce, 11)  Viernes y sábados a las 21:00 horas (hasta el 2 de noviembre)

Una comedia muy divertida, teatro de siempre con una interesante trama que arrancará las carcajadas y conseguirá la complicidad del público.

Un ladrón se ve sorprendido en pleno robo por el dueño de la casa y su amante. La necesidad de la pareja por no ser descubiertos les lleva a las situaciones cómicas e insostenibles. Una reflexión sobre la doble moral, la hipocresía que nos rodea y el peligroso juego de las mentiras.

acerca del texto

Si algo tienen las obras de Fo, es que sin importar el tema que esté tratando, siempre el débil sale bien librado. sus obras, muy ágiles siempre llevan a la reflexión entre enredos, equívocos y risas.

El argumento gira en torno a un ladrón que se ve sorprendido, en pleno robo, por el dueño de la casa y su amante. la necesidad de la pareja por no ser descubierta, les lleva a las situaciones más insostenibles provocando que la doble moral y la realidad social queden al descubierto de forma irónica y divertida.

Paradójicamente en “no hay ladrón que por bien no venga”, obra que da título al libro, es el ladrón el que menos tiene que ocultar. Desde una situación simple, la obra enjuicia la hipocresía del ser humano, fruto de la sociedad en la que vive, y lleva a la reflexión al espectador sin por ello privarle de diversión y buen humor. 



Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

EL CABALLERO DE OLMEDO.
Dirección: Mariano de Paco Serrano.
Del 3 de octubre al 3 de noviembre de 2013 en el Teatro Fernán Gómez de Madrid. 

“El Caballero de Olmedo, el destino trágico ante el amor y la muerte. Una tragicomedia clásica con un ritmo vertiginoso para un público contemporáneo. Posiblemente la mejor obra de Lope de Vega.”

El famoso texto de Lope de Vega se represanta en el Teatro Fernán Gómez de la mano de Eduardo Galán (adaptación) y de Mariano de Paco Serrano (dirección). 

El Caballero de Olmedo cuenta la trágica historia de Don Alonso, noble caballero de Olmedo que se enamora de una bella joven que responde al nombre de Inés. Prometida con otro hombre, Doña Inés finge su deseo de ser monja para disuadir a su padre de la idea de tal matrimonio, pero el destino de los enamorados se muestra implacable con ellos. 

Eduardo Galán, adaptador y coproductor del montaje, agradeció en primer lugar el apoyo tanto de la prensa como del Teatro Fernán Gómez por su acogida. Cómo adaptador del texto asegura que lo más complicado de Lope de Vega es conservar en todo momento la fuerza de una historia de amor con destino trágico. Afrontarlo ha sido un reto necesario, afirma que no se trata de “un montaje más” sino que espera sorprender al público.

Mariano de Paco, director de escena, está satisfecho de contar con un gran texto y un equipo artístico de excepción. También reivindicó el trabajo de los muchos colaboradores que no se ven y gracias a los cuales la obra ha podido salir adelante. 

Es difícil a priori hacer algo con este texto que no se haya hecho ya. En esta ocasión se han potenciado especialmente los elementos de tragedia mostrando al protagonista como un héroe trágico y al personaje de Rodrigo como su antítesis. 

Visualmente está muy presente el sustrato de tragedia griega representando la fiereza humana en la figura del toro. Ha sido una ardua labor el homogeneizar el texto respetando el ritmo de la poesía. 

Tanto Galán como de Paco estuvieron de acuerdo desde el principio que, de hacer un clásico, este sería El caballero de Olmedo, a la que consideran una de las cumbres de Lope de Vega.

Javier Veiga da vida a Don Alonso. Para él traer la función a Madrid es algo así como “la reválida” por considerarla “la plaza más dura y exigente”. La gira por España comenzó en abril y ha tenido una exitosa trayectoria hasta Olmedo, donde triunfó por todo lo alto. 

Se trata de un espectáculo de noventa minutos en el que se condensa todo lo que Lope quiso contar sin perder un ápice de su frescura original.

Marta Haza encarna a Doña Inés y espera que el público disfrute tanto como ellos mismos han disfrutado montando esta obra. Para ella es un verdadero privilegio poder interpretar un personaje como éste, con el que se fraguó su amor al teatro. En su opinión “El caballero de Olmedo” contiene las redondillas más bellas del barroco.

José Manuel Seda es el encargado de interpretar a Don Rodrigo. Asegura que su personaje es “el más toro de todos” y el verdadero culpable de que todo acabe de un modo tan trágico. Él es el tercer vértice del triángulo, el elemento desestabilizador que desata la trama.

Esta Versión cuenta en su reparto con: Javier Veiga, Marta Hazas, José Manuel Seda y Enrique Arce. Y es que, según sus creadores, "una tragedia clásica con un ritmo vertigionoso para un público contemporáneo".

Fotos y comentario:  © Javier León para Agolpedeefecto.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

Marta tiene un marcapasos es el musical basado en los éxitos de los Hombres G, y que que habla del amor y de la superación de los problemas de la vida a través de los veinte mayores éxitos del grupo pop más conocido de de España de los 80... 

Teatro Compac Gran Vía desde el 2 de Octubre 2013.

Marta tiene un marcapasos, Venezia, Sufre mamón, Visite nuetro bar, Suéltate el pelo, Nassau, El ataque de las chicas cocodrilo, Te quiero...

El musical narra la historia de Marta, una adolescente que decide viajar desde Acapulco hasta Madrid para encontrar a su padre al que no ve desde que tenía seis años. Sin permiso de su madre inicia la gran aventura de su vida junto a Belén, su mejor amiga. Una muchacha que sueña con llegar a ser algún día una gran actriz. En España, Marta no sólo encuentra a su padre, un ex hippie que montó un pequeño chiringuito en la playa, también se encuentra a sí misma… Y... a su media naranja, un camarero con aspecto adolescente que decide cambiar completamente su mundo para acercarse un poco más al de Marta.

Pero Marta tiene un secreto. No se puede enamorar. Para ella el amor es algo que está prohibido. Desde niña Marta tiene un marcapasos. Está esperando un trasplante de corazón, y cualquier emoción fuerte para ella podría ser fatal. Lo que para otros es un simple beso de amor para Marta es un riesgo que no se puede permitir.

¿QUÉ ES?

Marta tiene un marcapasos es el musical basado en los éxitos de los Hombres G que  se va a representar en las mayores ciudades de España, comenzando por su estreno en el teatro Compac Gran Vía de Madrid el 10 de octubre de 2013.

Se trata de una comedia musical fresca y divertida, que habla del amor y de la superación de los  problemas de la vida a través de los veinte mayores éxitos del grupo pop más conocido de la historia de España de los años 80.

Nos sumergimos en una comedia que nos cuenta la historia de dos jóvenes enamorados, una anciana desinhibida que busca novio, un “mamón” que sufre porque le han robado a su chica, un bar llamado Venezia, una banda de músicos y un cuerpo de baile inmejorable que harán de los grandes éxitos de Hombres G nuevos hits en una comedia llena de color,romanticismo... y sobre todo mucho humor y buen rollo.

¿POR QUÉ UN MUSICAL?

Madrid ha sido testigo en la última década del resurgir del género musical en sus teatros. Ni la crisis económica, ni otras formas de ocio parecen desbancar al espectáculo por excelencia que se ha convertido por méritos propios en la gran protagonista de la vida cultural y social de la capital de España. Tanto es así que la Gran Vía madrileña se postula como la futura Broadway europea. A escala mundial, sólo Nueva York y Londres la superan en número de musicales en cartel.

Marta tiene un Marcapasos es el gran musical que queda por producir dentro del panorama pop nacional. Si musicales como lo anteriormente mencionados se han mantenido en cartel durante cerca de diez años, sobran los motivos para pensar que los Hombres G tendrán, al menos, el mismo éxito, y más contando con el auge y el apoyo de las redes y plataformas sociales.

Marta tiene un marcapasos, Venezia, Sufre mamón, Visite nuetro bar, Suéltate el pelo, Nassau, El ataque de las chicas cocodrilo, Temblando, Te quiero...

Sea cual sea nuestra edad, todos hemos bailado y cantado estas canciones, ya que los Hombres G han conseguido, como no ha hecho ningún otro grupo de pop/rock español, que padres e hijos compartan gustos musicales e incluso himnos generacionales. Desde los años 80 hasta hoy han permanecido ininterrumpidamente en los primeros puestos de las listas de éxitos nacionales e internacionales.

Ya sea en España, México, Venezuela, Perú, Colombia, Ecuador, Chile...  Logrando cosechar éxito tras éxito y siendo muchas las canciones que han quedado en distintas generaciones grabadas en nuestra mente.

ZONA MESAS VIP

- Las mejores butacas del teatro (solo 16 por función)
- Acceso sin colas
- Copa de cava de bienvenida o cerveza o refresco
- Recibimiento y visita guiada al backstage
- Foto con el reparto en el photocall mtum
- Regalo de camiseta oficial de mtum firmada por Hombres G y chapa mtum
- Programa de mano
- Invitación a 2 consumiciones (una consumición por acto) y aperitivos
- 2 raciones a elegir entre tabla de quesos, ibéricos o ahumados Imprescindible estar en la puerta 45 minutos antes e la representación
*Regalo tarjeta descuento 20% a canjear en taquilla en la próxima compra de entradas (caducidad de un mes) ZONA MESAS PREFERENTE

- Butacas con ubicación preferente
- Invitación a 2 consumiciones (una consumición por acto) y aperitivos
- Regalo chapa mtum
- Programa de mano 

Fotos:   © Estrella Savirón (Agolpedeefecto).

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013.  

ESTRENO en Madrid de la nueva puesta en escena de 
"desnu-DANDO a los CLÁSICOS"

 Dos hombres luchan por amor como lobos esteparios.  

A partir del 4 de octubre  a las 22 h  en el Teatro Nave 73

Después de un año y medio de gira por España vuelve “Desnu-DANDO a los Clásicos” a Madrid con una propuesta actoral nueva donde su director Santi Senso desea experimentar, en esta ocasión, que los papeles femeninos los interprete un hombre.

A Senso se le caracteriza desde hace ya 14 años por sus puestas en escena nacionales e internacionales nada convencionales, ni evidentes, si sorprendentes y transgresoras, embriagadas de verdad, donde la dramaturgia está VIVA, y son los espectadores los que dirigen la escena en lugares nada usuales para hacer teatro como son casas particulares, habitaciones de hoteles, iglesias, barcos, trasteros, molinos, cuevas, o incluso en salas y teatros.

En este acto teatral podremos disfrutar de los secretos, de la verdadera identidad del SER de esa verdad que los autores de los textos clásicos no desvelan para protegerSE de las censuras morales de la época, pero que los propios personajes, embriagados por esos textos despiertan en ellos y ellas la necesidad de transmitir los sentimientos que les habitan y hacer de ello un acto íntimo con el deseo de compartirSE y hacer mas visible la igualdad.

Para alcanzarlo, los actores que interpretarán a estos personajes, deberán imbuirse en el texto como arqueólogos dejando al descubierto el pudor del autor y regalándole la verdad al espectador (parientas y parientes), celebrando así el ritual de la generosidad. AceptandoSE, recibiendoSE. Pudiendo SER cualquier personaje sin tener que vestirSE, atrezarSE, producirSE. Con sus cuerpos desnudos transmitirán a las parientas y parientes ese deseo por conocerlos, por descubrir a esos escritores, que en su intimidad un día escribieron lo que hoy podemos compartir disfrutando de este acto teatral.

Vicente Navarro (Julieta, Doña Inés, Ofelia y Beatrice) 

• Santi Senso (Romeo, Don Juan, Hamlet y Dante)
  Cary Rosa Varona (violonchelista) 
  José Jesús Serrano (dramaturgo)
  Dirección de Santi Senso
• DONDE?
• Teatro Nave 73 - Madrid
• C/ Palos de la Frontera, 5
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• Fechas: Viernes 4, V11, V18, V25 de octubre Hora: 22:00h
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Una experiencia teatral que rompe con lo establecido para hacer sentir y vivir a los clásicos.

Publicado por Estrella Savirón, octubre 2013. 

El Teatro Fernán Gómez presenta 'Que trata de España' con la dirección de Ramón Fontseré y con Victoria Vera. Poemas y poetas (Poesía escenificada) del 02/10/2013 al 06/10/2013

Que trata de España representa una idea histórica, política y cultural de España a partir de los grandes poetas del siglo XX; España como patria perdida: el exilio. Durante el espectáculo el flamenco actuará como elemento vertebrador y nexo entre los distintos poetas. Los grandes poetas del pasado siglo.

Un recital de poemas con el flamenco como hilo conductor, y que estará en cartel hasta el 6 de octubre (del 2 al 6 de octubre).

Ramón Fontserè y Javier Villán se lanzan a recuperar nuestras esencias poéticas del brazo de Quevedo, Unamuno, Blas de Otero, Joan Maragall, Cernuda, Miguel Hernández, Alberti, Espriu... El montaje, con “injertos flamencos”, y encabezando el reparto Victoria Vera.

'El flamenco como elemento vertebrador de las diferentes culturas. Transmisor de sentimientos'.

Los más grandes poetas en lengua castellana, euskérica, catalana y gallega ponen la palabra y  con  ella la pasión, en el  sentido genuino  del término,  de España. Ellos son los verdaderos autores. El tema es de tal grandeza en nuestra  poesía española, que resulta  inabarcable.  

'Que hablen los poetas y no los políticos'.

Según Javier Villán: 'Esta es una idea que me rondaba en la cabeza desde hace tiempo, que se desdoblaba en dos aspectos. El primero hablar de una España como un Estado único con diversas culturas. El segundo es que el sentimiento de España es muy importante para dejarlo en manos de los políticos. Quería que hablasen los poetas, y de sus poemas surge de una unidad plural y culturas diversas. 

Un espectáculo para todos los públicos, con el flamenco como hilo conductor, que no necesita un conocimiento del flamenco ni de sus palos para comprenderlo.