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jueves, 10 de abril de 2014

El Teatro Amaya de Madrid presenta del 8 de abril hasta el 1 de Junio de 2014, TESTIGO DE CARGO, el clásico de Agatha Christie y que Billy Wilder adaptó al cine. 



Manuel Galiana, Paca Gabaldón, Pablo Martín y Luis Fernando Alves dan vida a los protagonistas de esta obra que ha tenido un gran éxito en su paso por el cine.

La mejor obra de Agatha Christie que convirtió en éxito cinematográfico Billy Wilder , llega ahora al Teatro Amaya , ¡6 únicas semanas! con un magistral Manuel Galiana al frente de un excelente reparto que componen unos personajes complejos y contradictorios , como la propia trama judicial, que desembocarán en un final absolutamente inesperado.

En 1957 Billy Wilder dirigió y adaptó la obra al cine con Marlene Dietrich, Tyrone Powery Charles Laughton como intérpretes. Obteniendo seis nominaciones a los Oscar: a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Charles Laughton), a la mejor actriz de reparto (Elsa Lanchester), al mejor sonido, y al mejor montaje.

El reputado abogado Sir Robards no puede evitar apasionarse con un insólito caso de asesinato: Acusan al joven encantador Leonard Vole y le atribuyen la intención de heredar la fortuna de una rica solterona.

SINOPSIS

La obra narra la historia de Miss Emily French, una viuda rica, ha sido asesinada. Alguien entró en su casa aprovechando el día libre de su criada y le propinó un golpe que le causó la muerte. ¿Un robo? ¿O hay otras razones más oscuras en este suceso? El acusado de este crimen es Leonard Vole, un joven de buen aspecto, amigo de la víctima, pese a su gran diferencia de edad…¿Eran algo más que amigos?¿O tenía el joven Leonard un interés especial en la fortuna de la viuda? Un reputado abogado, Sir Wilfrid Robarts, acepta su defensa y se encuentra con el caso más difícil de su carrera…

“Testigo de cargo”: Esta obra de Agatha Christie no se publicó en Reino Unido, sino que vio la luz por primera vez en 1948 en Estados Unidos bajo el nombre de “Testigo de cargo y otras historias” (The Witness for the Prosecution and Other Stories) editado por Dodd, Mead and Company.  Posteriormente la propia Agatha Christie convirtió este breve relato en una obra de teatro que obtuvo gran éxito en Londres y Broadway.  En 1957 Billy Wilder dirigió y adaptó la obra al cine con Marlene Dietrich, Tyrone Power y Charles Laughton como intérpretes. Obteniendo seis nominaciones a los Oscar: a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Charles Laughton), a la mejor actriz de reparto (Elsa Lanchester), al mejor sonido, y al mejor montaje.

Javier Elorrieta (director): de la mano de su padre, José María Elorrieta, comenzó su andadura profesional aunque fue durante su etapa trabajando en “Estudios Moro” cuando compuso números jingles musicales, bandas sonoras para cine y creó anuncios para grandes marcas. Una amplia época de recorrido y triunfos artísticos, creando su propia productora Origen S.A., con la que desarrolla grandes campañas publicitarias. Miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y de  la Academia de Televisión, Javier Elorrieta dirige diversos filmes: “La larga noche de los bastones blancos” “La noche de la ira”, “Sangre y Arena”, “Los gusanos no llevan bufanda”, “Cautivos de la sombra”, “Demasiado caliente para ti”, “Pacto de Brujas” o “Rojo Intenso”.

Manuel Galiana: reconocido actor de teatro, cine y televisión entre los que destacamos de su larga trayectora profesional: “La Gran Piruleta”, de Alfonso de Santos, “El Veneno del Teatro”, de Rodolf Sirera, “Anselmo B o La Desmedida Pasión por los Alféizares”, de Adolfo
Marsillach, “Abejas en diciembre” de Alan Ayckbourn, “Ay Carmela”, de José Sanchis Sinisterra; “Conversación con Primo Levi”, “La Comedia del Bebé”, de Edward Albee y “La Decente”, de Miguel Mihura. Ha participado en numerosas producciones tanto para el cine como para la televisión, consiguiendo un gran reconocimiento de público y crítica. Entre otras distinciones, le han concedido el Premio El Espectador y la Crítica (1983), la Medalla de Oro de Valladolid y el Premio Nacional de Teatro (1998) por su trayectoria profesional en todos los géneros teatrales.

Paca Gabaldón:  Tras una exitosa carrera en el cine con películas memorables como “La Comunidad” de Alex de la Iglesia, “El bosque animado” del director José Luis Cuerda o “Fanny Pelopaja” del director Vicente Aranda, Paca Gabaldón triunfó en el teatro con obras como “Las Troyanas” dirigida por Manuel Canseco, “El Castigo sin Venganza” dirigida por Miguel Narros, “Fuera de quicio” de José Luis Alonso de Santos, “Entre Mujeres” de Santiago Moncada, “Lázaro en el Laberinto” de Buero Vallejo, “La Comedia de los Errores” de Shakespeare, “Tras las huellas de Bette Davies” (versión de J. Vida, de la famosa “Qué fue de Baby Jones”) o “Juegos de Hollywood” bajo la dirección de Fermín Cabal.

Luis Fernando Alaves:  En la gran pantalla le hemos podido ver en películas como “Hoy Quiero Confesar”, “Sofía”, “El Capitán Trueno y El Santo Grial” bajo la dirección de Antonio Hernández, “Menos es Más”, “El Amor Perjudica Seriamente la Salud”, “Malena es un Nombre de Tango” o “Doblones de a ocho”.  Luis Fernando también ha interpretado en teatro grandes obras como: “Hay que deshacer la casa”, “Felices 30”, “La señorita de Trévelez”, “Anna en el trópico” o “El acero de Madrid”, sin olvidar series de televisión tan conocidas como “Paraíso”, “Los Ladrones van a la oficina” o “Canguros”.

Pablo Martín: Reconocido por sus trabajos en televisión como actor y presentador,  y considerado uno de los hombres más atractivos de la escena.  Le avalan sus últimos trabajos en Teatro : “Vis a vis en Hawai”, “Cambalache”, “Vade Retro”, “Yerma” “Bodas de Sangre” “Marianela” , “Los habitantes de la casa deshabitada”.


Lidia San José: Es de los rostros de siempre de la televisión, se podría decir que la hemos visto evolucionar de niña a mujer interpretando diferentes papeles en televisión, con sólida preparación teatral ha intervenido en series tan populares como :”Loca Peluqueria” “Canguros”“A las once en casa” “Ala-dina” “Diez en Ibiza” “Crecer Juntos” “La Casa de los Líos”..en plena madurez siendo aun muy joven su pasión por los escenarios le hacen encadenar trabajos en teatro….”Olvida los tambores” de Ana Diosdado, “Escándalo en Palacio” de Pedro Ruiz y “Todo sobre Vazquez” de Jaime Palacios.

Agatha Christie, nos ofrece un thriller lleno de fuerza, suspense y profundo interés humano, con giros inesperados a cada paso del relato.

Autor: Agatha Christie
Director: Javier Elorrieta
Reparto: Manuel Galiana, Paca Gabaldón, Pablo Martín, Luis Fernando Alvés, Lidia San José, Oscar Zautúa, Jorge San José, Oscar Olmeda.




Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.

Robot. Compañía Blanca Li

Entre el 10 y el 13 de abril de 2014 en los Teatros del Canal de Madrid.
Danza contemporánea con los robots musicales de Maywa Denki y los robots NAO



Con Robot, Blanca Li ha querido trasladar al escenario el complejo vínculo entre el hombre y la máquina, sin abandonar el tono humorístico y poético propio de sus coreografías. En esta pieza coral ocho bailarines interaccionan con los peculiares instrumentos musicales de los artistas japoneses Maywa Denki. La participación de robots NAO en el espectáculo plantea con sensibilidad y emoción la posibilidad de intercambiar hombres y máquinas.

Sala Roja. Duración: 1h 15min

Diariamente interactuamos con decenas de máquinas más o menos automáticas, más o menos electrónicas, más o menos “pensantes”, que reflejan nuestros gustos y nuestros actos.

¿Una máquina, incluso evolucionada, puede reemplazar la relación con lo vivo ? ¿Nuestras réplicas robóticas expresarán un día sentimientos además de gestionar nuestra vida cotidiana ? ¿Qué sociedad producirán? ¿Son los robots entidades capaces de integrar el desorden creador? ¿Serán un reflejo de los deseos inconscientes de la sociedad ? Si los robots se humanizan adoptando nuestra apariencia, ¿nos robotizaremos nosotros? ¿Nos convertiremos en híbridos, en androides?

Estas cuestiones guían una coreografía para 8 bailarines cuyos movimientos activarán los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki. El paso de los autómatas al robot reside en los circuitos electrónicos conectados a la forma humanoide. Lejos de ser una anécdota, la incursión de varios robots NAO en el espectáculo plantea con sensibilidad y emoción la posibilidad de intercambiar hombres y máquinas.

Hombres-máquinas, autómatas electromecánicos, robots programables conllevan diferentes formas de relacionarse con el mundo, diferentes etapas de esa evolución. Robot explora la fase más actual de sus interacciones de manera divertida y poética.

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Robot, el nuevo espectáculo de la coreógrafa Blanca Li. Este montaje estará en la Sala Roja cuatro únicas funciones, del 10 al 13 de abril.

En Robot, Blanca Li traslada al escenario el complejo vínculo entre el hombre y la máquina, sin abandonar por ello el tono humorístico y poético de sus coreografías. Un encuentro en enero de 2011 de la coreógrafa con Maywa Denki, colectivo de artistas japoneses que navega por un universo de objetos animados mezclando tecnología, burla y refinamiento, y sus contactos con NAO, el robot humanoide, la impulsaron a explorar y coreografiar esta relación entre hombres y mecánicas digitales.

El compositor español Tao Gutierrez, uno de los colaboradores habituales de Blanca Li, se ha inspirado en el universo musical de Maywa Denki para recrear con su música un mundo de máquinas y objetos de aparente aspecto retro-futurista, el mismo carácter que imprime al espectáculo. Las composiciones crecen de forma orgánica, a la vez que la coreografía, alimentándose la una de la otra.

La música de Robot está interpretada tanto por los instrumentos como por los bailarines, cuestionando el sentido de lo que se ve o suena bien, y la forma en que ciertos sonidos, melodías y ritmos inspiran las respuestas emocionales. Elemento esencial de la obra, la música contribuye a crear las distintas emociones que la atraviesan, desde la más poética y delicada a la más divertida y fantasiosa.

La escenografía de Robot nació de varios encuentros de Pierre Attrait con Blanca Li y del recuerdo del arte cinético de mediados de la década de los setenta del siglo XX. Attrait ha concebido una escenografía minimalista para proponer un espacio mental abierto y luminoso. Un espacio que a lo largo de todo el ballet irá llenándose con todo tipo de artefactos, hasta convertirse en una especie de vertedero de piezas de robots.

¿Una máquina, incluso evolucionada, puede reemplazar la relación con lo vivo? ¿Nuestras réplicas robóticas expresarán un día sentimientos además de gestionar nuestra vida cotidiana? ¿Qué sociedad producirán? ¿Son los robots entidades capaces de integrar el desorden creador? ¿Serán un reflejo de los deseos inconscientes de la sociedad? Si los robots se humanizan, ¿nos robotizaremos nosotros? ¿Nos convertiremos en híbridos, en androides? Estas cuestiones guían una coreografía para ocho bailarines cuyos movimientos activan los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki y la música del español Tao Gutierrez. El paso de los autómatas al robot reside en los circuitos electrónicos conectados a la forma humanoide. Lejos de ser una anécdota, la incursión de varios robots NAO en el espectáculo plantea con sensibilidad y emoción la posibilidad de intercambiar hombres y máquinas.

Hombres-máquinas, autómatas electromecánicos, robots programables conllevan diferentes formas de relacionarse con el mundo, diferentes etapas de esa evolución. Robot explora la fase más actual de sus interacciones de manera divertida y poética.

FICHA:

Reparto: Yacnoy Abreu Alfonso, Emilie Camacho, Géraldine Fournier, Yann Hervé, Aliashka Hilsum,  Samir M’Kirech, Margalida Riera Roig, Gaël Rougegrez.

Coreografía y dirección artística: Blanca Li; Asistente de coreografía: Glyslein Lefever y Déborah Torres; Robots musicales: Maywa Denki; Robots Nao: Aldebaran Robotics; Música: Tao Gutiérrez

Equipo artístico
Escenografía: Pierre Attrait; Iluminación: Jacques Chatelet; Música: Tao Gutiérrrez; Programador robots: Thomas Pachoud; Vídeo: Charles Carcopino

Equipo técnico
Director técnico: Sylvie Debare; Luces: Sylvie Debare; Sonido: Antoine Imbert; Escena: Quique Gutiérrez; Vestuario: Armando Sánchez; Animación robots: Clément Bigot; Asistente robots: Aurélien Cornil; Asistente escenografía: Elisabeth Dallier; Asistente vídeo: Simon Frezel

Producción : Compañía Blanca Li
Coproductores: Festival “Montpellier Danse 2013”, Teatro Nationale de Compiègne, Festival “Automne en Normandie”. Residencia en el Centro de las Artes de Enghien-les-Bains (Teatro nacional de escritura digital)




Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.

La lengua en pedazosEl Teatro Fernán Gómez presenta 
LA LENGUA EN PEDAZOS. 
Una obra de Juan Mayorga. COMPAÑÍA: La loca de la casa

Del 9 de abril al 4 de mayo de 2014 de 2014
LUGAR: Sala Dos del Teatro Fernán Gómez DURACIÓN: 80 min.

La lengua en pedazos es un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente llamada Teresa de Jesús. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios. Basado en el El libro de la Vida de Teresa de Jesús.

Premio nacional de literatura dramática 2013

Mujer contemplativa y mujer de acción, no hay en Teresa brecha entre la visionaria y la fundadora de monasterios. En Teresa la oración es acción, y cada acto es un modo de orar. Ambos están atravesados por el amor. Y ese amor hace de Teresa una subversiva que desestabiliza espíritus, pone en crisis instituciones y divide sociedades.


Teresa se nos aparece como personaje a contracorriente, intempestivo en su propio tiempo y en el nuestro. Por eso mismo es Teresa necesaria. Su interés ¿hace falta decirlo? No depende de la creencia. Como Francisco Brines sobre Juan de la Cruz, pienso sobre Teresa que un ateo, aunque no crea en su mística, puede sentirse fascinado por el ser humano que se apoya en ella. Y puede y debe sentirse interpelado por ese ser humano al fin, y siempre será menos importante lo que nosotros podamos decir sobre Teresa que lo que Teresa pueda decir sobre nosotros.(Juan Mayorga)

Ficha artística

Autor y director - Juan Mayorga  -  Basado en el Libro de la Vida de Teresa de Jesús
Intérpretes - Clara Sanchis y Daniel Albaladejo
Escenografía y Vestuario - Alejandro Andújar
Iluminación - Miguel Ángel Camacho
Espacio Sonoro - Jesús Rueda
Diseño de Producción - Ana Belén Santiago
Cartel - Emilio Torné
Fotografías - Sergio Parra
Cello - Tomás Garrido
Grabación Musical - Tomás Virgós
Ayudante de dirección - Laura Puges
Dirección Técnica - Amalia Portes


La lengua en pedazos es un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente llamada Teresa de Jesús. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios.

Este proyecto arrancó a partir de la natural tentación del autor dramático –en este caso, Juan Mayorga- de ver a sus personajes y su historia cobrar vida más allá del papel; convertirse en carne y hueso ante él; y también por él, bajo su batuta. La lengua en pedazos supuso para él el texto más inspirador de cuantos había escrito para convertir en realidad esta idea. Además se convirtió en el primer montaje que Juan Mayorga ha dirigido con gran éxito de público y crítica.

¿Por qué?  Espiritualidad y subversión


“La singularidad es subversiva”, decía Edmond Jabès. Recuerdo esas palabras cada vez que pienso en Teresa de Jesús. Nos han acostumbrado a verla como centinela de un cierto orden, pero basta abrir sus escritos y recordar el modo en que levantó sus fundaciones para reconocer en ella a una insurrecta.

Teresa, un cuerpo frágil y una voluntad férrea, es un personaje tan fascinante y complejo como el mundo en que vivió. La España del XVI fue rica en hombres y mujeres capaces de empresas que hoy nos producen vértigo. Mas en esa misma España se llamaba “perro” al converso, como lo era el abuelo de Teresa, y resultaba sospechosa una mujer que escribía -y más si escribía con la imaginación y la inteligencia de Teresa.

Mujer contemplativa y mujer de acción, no hay en Teresa brecha entre la visionaria y la fundadora de monasterios. En Teresa la oración es acción, y cada acto es un modo de orar. Ambos están atravesados por el amor. Y ese amor hace de Teresa una subversiva que desestabiliza espíritus, pone en crisis instituciones y divide sociedades.

Teresa se nos aparece como personaje a contracorriente, intempestivo en su propio tiempo y en el nuestro. Por eso mismo es Teresa necesaria. Su interés - ¿hace falta decirlo?- no depende de la creencia. Como Francisco Brines sobre Juan de la Cruz, pienso sobre Teresa que un ateo, aunque no crea en su mística, puede sentirse fascinado por el ser humano que se apoya en ella. Y puede y debe sentirse interpelado por ese ser humano –al fin siempre será menos importante lo que nosotros podamos decir sobre Teresa que lo que Teresa puede decir sobre nosotros-.

En todo caso, para dejarse arrastrar hacia Teresa es suficiente leerla y advertir lo mucho que le debe nuestra lengua y, por tanto, lo mucho que le adeuda nuestra experiencia del mundo. Sólo nuestros mayores poetas han sometido a tan extrema tensión la lengua castellana, sólo ellos han abierto para nosotros territorios como los que conquistó aquella mujer dueña de una palabra igual de poderosa cuando pinta las criaturas celestiales que cuando habla de las gentes.

Ganar para el teatro esa palabra y el personaje que la acuñó fue mi primer objetivo en La lengua en pedazos. Me propuse arraigar palabra y personaje en una situación ficticia pero verosímil en cuyo centro estuviese la grave decisión tomada por la todavía monja de la Encarnación de abrir, con gran riesgo para si y para las que la seguían, el monasterio de San José: la primera de sus fundaciones. 

Entonces apareció, en mi fantasía, el Inquisidor. Que fue creciendo hasta convertirse en el otro de Teresa, su doble: aquél con quien ella estaba a destinada a encontrarse y a medirse. El Inquisidor acorrala a la monja con incómodas preguntas, la enfrenta a momentos de su vida que acaso ella querría olvidar y prende en su corazón la duda, que, como todo en Teresa, es un incendio. Y poco a poco, en el diálogo entre ambos personajes va apareciendo un tercero: la lengua misma, que transforma vidas y hace y deshace mundos.

La lengua en pedazos es el primero de mis textos que me he atrevido también a dirigir. No lo hubiera hecho de no haber contado con un equipo excepcional y, sobre todo, con la complicidad de dos actores magníficos. Juntos hemos hecho compañía. La llamamos La loca de la casa, que es como Teresa llamaba a la imaginación.

Entre todos hemos levantado La lengua en pedazos: un combate entre un guardián de la Iglesia y una monja desobediente. La pelea tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios.  Juan Mayorga




Fotos:  © Estrella Savirón  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.
La exposición Terracotta Army, Guerreros de Xi’an, que puede contemplarse en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, ha sido ya visitada por más de 100.000 personas. 

Este éxito de público, que ha hecho que se prorrogue la misma hasta el próximo 20 de abril, coincide con el 40 aniversario del descubrimiento, en marzo de 1974, de uno de los enterramientos más importantes de la historia.

La exposición Terracotta Army, Guerreros de Xi’an permanecerá hasta finales de abril en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa y será un atractivo más para las vacaciones de Semana Santa. En la mesa redonda.

El misterio de los Guerreros de Terracotta,  Javier Sierra, periodista, escritor, investigador y comisario de la exposición, ha resaltado la coincidencia del 40 aniversario con el éxito de público.

La espectacular instalación del Fernán Gómez, gracias a esta ampliación, será un atractivo más de los que podrán disfrutar quienes visiten la ciudad de Madrid durante las vacaciones de Semana Santa. Recomendada para todos los públicos, la exposición cuenta con descuentos especiales para grupos, escolares y paquetes familiares.

La muestra, organizada por Letsgo y 16 escalones producciones, está compuesta por cerca de 150 réplicas a tamaño original, entre las que se pueden ver guerreros, caballos y equipamiento de guerra del ejército de terracota del Primer Emperador Chino. Cuenta, también, con una reproducción de la sección del foso 1 de la gran excavación de Xi’an a escala 1:1, con más de 90 guerreros. Alrededor de la excavación hay un diorama a todo color del foso original representando el tamaño de la excavación.

Además, se presentan más de 70 reproducciones procedentes de los hallazgos del mausoleo de Qin Shi Huang, de las que ocho son impresionantes reconstrucciones de figuras humanas de excelente calidad, más grandes que el tamaño real de los hombres de la época, gobernadores, oficiales y guerreros, junto a caballos, armas, joyería, herramientas de uso cotidiano y arte. Completa esta exposición un documental con la intrigante historia del descubrimiento del Ejército de Terracota.

El misterio de los Guerreros de Terracotta

La Sala Dos del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acogió el 1 de abril de 2014, la mesa redonda El misterio de los Guerreros de Terracotta, en la que participaron Javier Sierra, periodista, escritor, investigador y comisario de la exposición; Enrique de Vicente, director de la revista Aña Cero; y Jesús Callejo, escritor, quiénes hablaron del misterio que rodea a los Guerreros de Terracotta y otros grandes enigmas de la historia de China.

Precisamente, ahora se cumplen 40 años de su descubrimiento en las cercanías del Monte Li (región china de Xian). Se trataba de un formidable ejército de soldados de terracota, a tamaño natural, construido para velar la tumba del Emperador Amarillo. En estas cuatro décadas, no han dejado de surgir nuevos enigmas en torno a la figura de ese gobernante y su corte.

En palabras de Javier Sierra, una de las características que hace especial este descubrimiento es que los 8.000 soldados recuperados presentan rasgos físicos diferentes, ya que no existen dos guerreros iguales, por lo que se cree que representan a distintos tipos raciales del continente asiático.

Hace 40 años, se descubrió en las cercanías del Monte Li (región china de Xian) un formidable ejército de soldados de terracota, a tamaño natural, construido para velar la tumba del Emperador Amarillo. En estas cuatro décadas, no han dejado de surgir nuevos enigmas en torno a la figura de ese gobernante y su corte.

El hallazgo de numerosas pirámides o grandes túmulos artificiales en la región, los vínculos del Emperador con alquimistas, magos y personajes con facultades extraordinarias, e incluso datos conectados con su obsesión por lograr la inmortalidad convierten este periodo en un momento especialmente atractivo para los investigadores de enigmas históricos.




Fotos:  © Paco Riquelme  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, ABRIL 2014.

sábado, 29 de marzo de 2014

Éramos tres hermanas (Variaciones sobre Chéjov) en el Teatro de La Abadía de Madrid.



José Sanchis Sinisterra
Dirección: Carles Alfaro
Producción: Teatro de La Abadía, en coproducción con el Teatro Español

Sala José Luis Alonso
27 marzo - 25 abril, 2014
De martes a sábado, 20:30 h.
Domingo, 19:30 h.
Sábados 5 y 12 de abril, 18:00 y 20:30 h.

Sinopsis

"Una obra maestra del teatro universal vista con otros ojos"

José Sanchis Sinisterra reduce Tres hermanas a su esencia, con solamente tres actrices, Olga, Masha e Irina, ansiosas por volver al Moscú de su juventud.

Los demás personajes de la obra de Chéjov -el hermano, su novia, los militares...-, aparecen a través de un juego de continuos quiebros: entre el presente, el recuerdo y la imaginación, entre el relato y la vivencia de estas tres mujeres. Moviéndose en un plano suspendido en el tiempo, las hermanas generan en sí mismas y en el público una atmósfera inquietante.

Para quienes conocen la obra original, resulta una reescritura sorprendente, poliédrica y llena de musicalidad, un ejercicio de funambulista que conecta la época de Chéjov con nuestro mundo de hoy, mientras que el espectador que aún no esté familiarizado con ella descubrirá Tres hermanas desde el latido íntimo de sus protagonistas.

Carles Alfaro, un "viejo conocido" de esta casa -lo último fue El arte de la comedia-, y José Sanchis Sinisterra, polifacético hombre de teatro y maestro de una importante serie de dramaturgos, unen sus fuerzas en este primer Chéjov en la historia de La Abadía.

Reparto

Julieta Serrano
Mariana Cordero
Mamen García



Ficha artística

Texto José Sanchis Sinisterra
Dirección Carles Alfaro
Espacio escénico Carles Alfaro y Vanessa Actif
Iluminación Carles Alfaro
Vestuario Ikerne Giménez
Espacio sonoro Javier Almela
Maquillaje y peluquería Esther Barcenilla y Nayra Lobato
Realización de vestuario Miguel Crespí
Ambientación de vestuario María Calderón
Asistente de peluquería y maquillaje Erika Sánchez
Ayudante de vestuario Vanessa Actif
Ayudante de dirección Montse Calles
Asistente de dirección Andrea Delicado



Fotos:  © Paco Riquelme  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MARZO 2014.

martes, 25 de marzo de 2014

Blanca Marsillach acerca a Madrid dos nuevas funciones de teatro interactivo para chicos con discapacidad.

La compañía de teatro social de la actriz y productora presenta en el Teatro Casa de Vacas de El Retiro Enamórate de Lope los días 17 y 18 de marzo.



El proyecto supone un paso más en la integración social de las personas con discapacidad gracias al apoyo de la Fundación Repsol. Durante la obra, que reinterpreta sonetos clásicos a ritmo de ópera, rap, rock o copla, los espectadores suben al escenario a recitar poemas de Lope de Vega.

Fundación Repsol y la compañía de teatro social de la artista y productora Blanca Marsillach vuelven a Madrid para presentar dos nuevas funciones dentro del Programa de Teatro Interactivo para Personas con Discapacidad. La obra Enamórate de Lope podrá verse el lunes 17 y el martes 18 de marzo a las 10.30 horas en el Teatro Casa de Vacas de El Retiro. La representación está basada en poemas del gran dramaturgo del Siglo de Oro Lope de Vega y comprende también talleres interactivos, en los que se realizarán lecturas dramatizadas de los textos con la interacción de todos participantes.

Enamórate de Lope, producción de la compañía que comenzó su andadura a finales de 2013, cuenta una historia de amor a través de los poemas de Lope de Vega, en tono de tragicomedia romántica. 

Durante la primera parte de la obra, los espectadores serán testigo de cómo evoluciona la historia de amor conforme el tono de los poemas se hace cada vez más romántico y profundo, para pasar, en una segunda parte, a los talleres, adaptados, así como la obra, al tipo de público al que va dirigida. En esta segunda parte, los asistentes al teatro tendrán la oportunidad de subir al escenario y recitar los poemas, familiarizándose primero con ellos gracias a la ayuda de los actores y personalizándolos finalmente hasta hacerlos suyos; esta parte está dirigida por un trabajador social, que propone diferentes actividades de improvisación que ponen a prueba la espontaneidad y frescura de los participantes.

El apoyo de Fundación Repsol es fundamental para llevar a cabo esta iniciativa, ya que desde hace más de cinco años colabora con la Compañía de Teatro de Blanca Marsillach, desde que en 2010 presentaran el programa El reino de la tierra. Para Fundación Repsol, contribuir a la integración social de las personas con discapacidad es uno de los objetivos en los que está más comprometida y, para ello, trabaja en iniciativas que abarcan la educación, la cultura y el deporte, promoviendo actividades inclusivas que lleven a la integración total de este colectivo en un marco de igualdad de oportunidades.

En palabras de Blanca Marsillach, impulsora de este proyecto de integración social: “El arte es un medio para conseguir la integración social y normalización de las personas con distintas capacidades, favoreciendo el desarrollo de habilidades psicomotrices, sociales y pensamiento creativo”.



VARELA PRODUCCIONES. Varela producciones, una empresa formada en el año 2003 por la actriz Blanca Marsillach y la empresaria Elise Varela. Han producido, adaptado y montado diversas obras como La noche al desnudo, de Michael Weller; Con las alas cortadas, de John Godber; El reino de la tierra, de Tennesse Williams; Pareja abierta de Dario Fó… 

Así mismo, Elise Varela debuta como escritora con la obra Buscando a Hilary, protagonizada por Blanca Marsillach, donde surge la idea de dar un cambio en la compañía y producir Teatro Social. Actualmente, además de su trabajo en producción y distribución, ambas han producido, escrito y dirigido distintos Programas Educativos, tanto para infantil como para secundaria: El toro y el banquero, El cuento mágico, El viaje de Constantine, en los que ayudan a educar y concienciar a los niños sobre el Medio Ambiente, el reciclaje y la nutrición y para los más mayores: Una noche Blanca con los clásicos, Enamórate de Lope y diversos títulos más, para dar un paseo por los Clásicos de forma más divertida a través del rap y diversos estilos musicales. 

Entre sus proyectos actuales también se incluye un programa de teatro para mujeres víctimas de la violencia de género, Loca. Además de todos estos proyectos, llevan desde el año 2008 varios programas de teatro interactivo para personas con capacidades diferentes, con la esperanza de que se beneficien y desarrollen habilidades psicomotrices, sociales y el pensamiento creativo: El reino de la tierra, Buscando a Hilary, Silencio vivimos, Sainetes de los hnos. Álvarez Quintero, Enamórate de Lope. Más información: www.varelaproducciones.com. 

Blanca Marsillach, directora y fundadora de VARELA MULTIMEDIA PRODUCCIONEScompañía responsable de la puesta en escena de Enamórate de Lope

Página web www.varelaproducciones.com





Fotos:  © Paco Riquelme  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MARZO 2014.

lunes, 10 de marzo de 2014

La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca del 6 al 30 de marzo 2014 en la sala principal del Teatro Español de Madrid


Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica dirigen La casa de Bernarda Alba, la última de las tragedias rurales de Federico García Lorca. La obra cuenta la historia de Bernarda Alba que, tras haber enviudado por segunda vez a los 60 años, decide vivir los próximos ocho años en el luto más riguroso. Sus cinco hijas se tornan víctimas de la rigidez inquisitoria de la madre y se ven encadenadas a la casa familiar.

"En una de nuestras conversaciones Hugo me dijo 'las palabras de Federico están enamoradas unas de otras.' En este enjambre de almas lorquianas, todos los personajes a pesar de su calvario se sostienen por un lenguaje tan intimista como potente que les redime a todos bajo el ala de encaje de la mariposa de su mortaja."

Irina Kouberskaya

 “A los dos, completamente enamorados de la obra, a la vez que abochornados del asunto humano que describe, que no dista tanto de lo que avergüenza por momentos el devenir actual del ser, nos embargó una misma duda qué aportar a algo tan fraguado y cimentado. Pues bien hemos escarbado y hasta aquí hemos llegado.

Sin este reparto hubiera sido imposible esta función, cada una de nuestras actrices enciende su llama y expone su temperamento consciente en favor de la poesía última. Cada vez que se representa la casa de Bernarda alba ocurre el mismo milagro, la obra se sujeta en sí misma, el texto fluye, funciona, se sujeta en el aire y nos tiene en vilo como si no conociéramos la obra. Eterna en el repertorio, pero, ¿qué hay bajo esa aparente fluidez, bajo ese naturalismo costumbrista que parece, que lo sientes y masticas a la vez? Creo que es un mismo, exacto, finísimo e infinito intento de Federico por quitarnos la venda, una aglomeración de negro que ilumina para lanzarnos a la cara la mentira que bien nos encargamos de afianzar a cada instante, para, después si estamos atentos, intuir la color verdadera de la tez del sino.”  Hugo Pérez de la Pica.
 

Fecha Del 6 al 30 de marzo 2014
Sala Teatro Español - Sala Principal
Horario De martes a sábado, 20 h. Domingos, 19 h.
Precio Entradas de 4 a 20 €. Martes, miércoles y jueves 25% de dto.
Duración 2h. 30min. (aprox.) con intermedio
Dirección

Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica
CompañíaTribueñe

Reparto

Bernarda Carmen R. de la Pica
Poncia Chelo Vivares
Adela Badia Albayati y Natalia de Azcárate
Angustias Alejandra Navarro
Martirio Matilde Juárez
Magdalena Rocío Osuna
Amelia Irene Polo
MªJosefa Irina Kouberskaya y Pastora Prada
Criada Mª Luisa Gª Budí
Vecina Enriqueta Sancho


Ficha artística
Dirección musical, diseño de escenografía, figurines y vestuario Hugo Pérez de la Pica
Diseño de iluminación Eduardo Pérez de Carrera
Luces y Sonido Miguel Pérez-Muñoz

*La interpretación de la pieza Amorosa, de las Diez Melodías Vascas de Jesús Guridi, ha sido cedida por la Banda Sinfónica Municipal de Madrid. Grabación en directo realizada el 12 de febrero de 2014 en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. (Arr.: Rafael Sanz - Espert.)

TRIUNFO DE TRIBUEÑE en el XIV Festival Internacional de Butrinti, Albania, con la representación de "La casa de Bernarda Alba" de F. Gª. Lorca.


Toda la crítica albanesa coincide en que... "Las viejas piedras de Butrinti se conmovieron con la vibrante interpretación de La casa de Bernarda Alba, por el Teatro Tribueñe de Madrid, provocando la exaltación y admiración del público"... en el XIV Festival Internacional, en el antiguo teatro greco-romano, en la acrópolis de Butrinti, en Albania. "España dio una lección del Teatro de Verdad.





Fotos:  © Paco Riquelme  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MARZO 2014.
Producciones Cristina Rota presenta

 “Rudolf”  

de Patricia Suárez
Dirección: Cristina Rota
Con: María Botto y Roberto Drago


Del 12 al 30 marzo de 2014 - Sala Mirador


En palabras de Cristina Rota (productora y directora del montaje):


Son dos náufragos que se encuentran en una isla rodeada por los sonidos hostiles de una sociedad inmisericorde, demasiado ocupada en el nuevo estado de bienestar. 

El contexto de un país devastado por la guerra en plena reconstrucción. La reconstrucción implica olvidar o evitar recordar que por debajo de cada edificio nuevo hay una gota de sangre de los muertos y desaparecidos. Es una perfecta “unidad de contrarios” pero cabe aún la pregunta; ¿El amor puede triunfar sustentado en los pilares de una indiferencia criminal?. 


En los tiempos de crisis es cuando hay que ser combativo y apoyarnos en la pasión que sentimos por revelar los conflictos humanos. Entonces no hay crisis que nos detenga. Si confiamos en ello tendremos la firme convicción de la imprescindibilidad del arte. 

Sinopsis: 

En la Alemania de la post-guerra, un muchacho judío busca a la amante de un alto criminal nazi. Tal vez ella conozca el paradero de él: se sabe que huyó a Sudamérica.

Poco a poco, entre el joven y la ex- amante nace una relación. Sin morbosidad, apoyándose apenas en los placeres sencillos que sobreviven a todas las guerras: el hambre, el sexo. 

¿Pero pueden amarse los enemigos? ¿O es precisamente porque son enemigos por lo que se atraen?

Sin embargo, las cosas no son tal como parecen y las personas no son quienes dicen ser. Ante la confusión, entre los sentimientos y la ética el joven elige ser fiel a la memoria. Uno no es, después de todo, sino su memoria y lo que su memoria le permite ser. 

Producciones Cristina Rota., se constituyó en 1985, aunque inició su actividad artística y pedagógica en 1979. Es un proyecto que nace como proyecto pedagógico en 1979 para después convertirse en lo que es hoy, es una iniciativa que surgió con el objetivo de mostrar, difundir y dar la oportunidad tanto al público, como a los artistas noveles, de difundir sus ideas y montajes, disfrutar y vivir un teatro cuyo único motor es la búsqueda y el desarrollo del arte escénico en su estado más puro. Durante los últimos años hemos desarrollado una intensa actividad produciendo y exhibiendo montajes tanto de jóvenes creadores que buscan espacios donde desarrollar las propuestas más novedosas y personales como de experimentados artistas que buscan ampliar sus horizontes. 


Pretendemos que la realidad inunde la escena y lo haga sin perder su carácter simbólico. Creemos que más que nunca se necesitan espacios y producciones para pensar y pensarnos colectivamente, porque el teatro es algo que solo se da en colectividad, en el diálogo entre público y cómicos. Pretendemos ofrecer al espectador la máxima calidad posible conjugada con un firme compromiso con la realidad y la reflexión social y política.


Fotos:  © Paco Riquelme  para Agolpedeefecto. 

Publicado por Estrella Savirón, MARZO 2014.
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